IMAGEN E HISTORIA

EL MENSAJE DE ELIE WIESEL

2010-03-20T14:28:00.000-07:00

Título original: Mondani a mondhatatlant: Elie Wiesel uzenete
Origen: Hungría, Francia. Duración: 104 min.
Blanco y negro, color. Idioma: inglés. Subtitulado
Dirección: Judit Elek
Relato en off: William Hurt
Crónica documental de los años de adolescencia de Elie Wiesel, recordados por él mismo, y su largo viaje de sufrimientos desde Hungría, pasando por Auschwitz y finalmente, la libertad y el regreso a su tierra natal, hoy Rumania. Ambientada en 1994, durante su visita, nos deja un testimonio de dignidad y dolor, de quien ha perdido a sus padres, hermanos y toda su familia, vecinos y quienes integraban su comunidad, en las cámaras de gas de Auschwitz.
La película comienza con el discurso de Wiesel en ocasión de la inauguración del Museo del Holocausto de Washington, en 1993, ante el presidente Clinton y el presidente Herzog y otros políticos y sobrevivientes. El discurso termina con un conmovedor testimonio relatado por Wiesel: en Hungría, en 1943, cuando se produjo la rebelión en el ghetto de Varsovia, una mujer preguntó porqué no esperaban que la guerra terminara, porqué debían rebelarse. Esa mujer, pocos meses después, junto con otros familiares, sería llevada a Auchwitz y moriría en la cámara de gas. Esa mujer era su madre…Y nunca pudo entender, hasta hoy día, porqué los Aliados no bombardearon las vías que conducían a Auschwitz…

MAX MANUS (2008)

2009-07-29T15:48:00.000-07:00

Origen: Noruega, Dinamarca, Alemania. Duración: 118 min.
Color. Idiomas: noruego, inglés, alemán. Subtitulado
Filmada en Suecia y Escocia
CREDITOS
Dirección: Joachim Ronning, Espen Sandberg
Guión: Thomas Nordseth-Tiller
Producción: Marcus Brodersen, Syeinung Golimo, John M. Jacobsen
Música original: Trond Bjerknes
Fotografía: Geir Hartly Andreassen
Edición: Anders Refn
Casting: Kannecke bervel, Suse Marquardt
Diseño de producción: Karl Juliusson
Vestuario: Manon Rasmussen
Maquillaje: Ana Oria
Sonido: Marius Bemtzen
Efectos especiales: Hummer Hoimark
Efectos visuales: Martin Andersson
PROTAGONISTAS
Aksel Hennie (Max Manus)
Nicolai Cleve Broch (Gregers Gram)
Agnes Kittelsen (Ida Nikoline Lindebraekke)
Knut Joner (Gunnar Sonsteby)
Christian Rubeck (Kolbein Lauring)
Ken Duken (Siegfried Fehmer)
Mats Eldgen (Edvard Tallksen)
Viktoria Winge (Solveig Johnsrud)
Pal Sverre Valheim Hagen (Roy Nilsen)
Kyre Haugen Sydness (jens Christian Hauge)
COMENTARIO
La película nos lleva a los días de la Segunda Guerra Mundial a través de uno de los más significados héroes noruegos, que como otros de sus compañeros, arriesgó su vida para combatir a la Alemania nazi. Gran parte de la misma ha sido rodada en escenarios originales donde tuvieron lugar los hechos, y algunas partes del film se han grabado en Suecia y Escocia, donde también se desarrolla la trama. Noruega fue uno de los países que cayeron bajo el yugo nazi al inicio de la Segunda Guerra Mundial y esta superproducción no ha escatimado recursos ni esfuerzos para ensalzar la vida de Max Manus. Dos mil personas han trabajado tras las cámaras en su realización y otras 1.800 han participado como extras. El film, que posee un estilo bastante clásico, se ha esforzado en recrear de forma muy realista los hechos y los escenarios, de manera que los espectadores noruegos puedan revivir con credibilidad la invasión que a su territorio y su capital hizo el ejército nazi. El rodaje ha incluido anécdotas como la de que los noruegos vieran de nuevo ondear esvásticas nazis en el Palacio Real o en el Parlamento, se ha recreado el puerto de Oslo, recreado el hundimiento de barcos, bombardeos o el cuartel general de la Gestapo en Victoria Terrance. En esta labor ha sido determinante el empleo de gran número de efectos especiales y la recreación digital.

Basado en el libro escrito por el propio Max Manus después de la guerra, junto con fuentes históricas y el asesoramiento de historiadores y miembros del museo dedicado a su memoria, el film se mantiene fiel en su relato a la realidad de los hechos aunque varíe alguno de los mismos en aras de la dramatización. Manus fue uno de los más famosos saboteadores de la Segunda Guerra Mundial, premiado con la máxima condecoración militar noruega, la Cruz de Guerra con espadas y la Cruz Militar británica. En la película le veremos junto al resto de protagonistas perpetrar sus atentados en el centro de Oslo, o emplearse en aquello en lo que se convirtió en un experto, hundir barcos enemigos, además de sabotear aviones de guerra y otros objetivos militares, mientras era abastecido por los aliados. Su fama llegó a ser tal, que se convirtió en uno de los hombres más buscados por la Gestapo (en la película el principal objetivo del comandante de la Gestapo Siegfried Wolfgang Fehmer) y la policía colaboracionista en aquella Noruega gobernada por un títere y un traidor, el líder de su partido nazi (Unidad Nacional), Vidkun Quisling. Las hazañas de Max Manus sirvieron de celebrado desquite para el conjunto de la población sometida.Convertido en auténtico acontecimiento social, a su premiere en la capital acudió el rey Harald V, su viuda Tikken Manus, y Gunnar Sonsteby, uno de los sabotadores que aún sigue vivo a sus 90 años, miembro del grupo de Manus.
Max Manus (Noruega 1914-España 1996) pasó parte de su infancia y juventud junto a su padre en Cuba y la región andina, lo que le haría desenvolverse bastante bien en el idioma español.Antes de que su país fuera ocupado por los alemanes, combatió como voluntario junto a los finlandeses frente a la Unión Soviética, en la denominada Guerra de Invierno entre ambos países, que tuvo lugar entre 1939 y 1940. A sus 25 años regresó a su país el mismo día en que éste era invadido por las tropas de Hitler (9 de abril de 1940), para pasar luego a formar parte de la resistencia. Entre su actividad, además de fabricar propaganda antinazi, se encuentra la preparación de un atentado que a punto estuvo de acabar con las vidas de Himler y Goebbels cuando éstos visitaron Oslo. Fue detenido por la Gestapo, sufriendo diversas heridas en 1941 pero su determinación le llevó a escapar del hospital donde fue conducido, huyendo a través de Rusia hasta Sudáfrica y de allí a Estados Unidos tras siete meses de viaje.

En Canadá primero y luego en Escocia se entrenó como saboteador, convirtiéndose en uno de los integrantes de la Primera Compañía Noruega Independiente. Tras su preparación fue lanzado en paracaídas cerca de Oslo junto a su amigo Gergers Gram y comenzó una peligrosa y arriesgada labor en la que habrían de morir muchos de sus compañeros. Tal y como se recoge en algunas escenas recreadas en la película, se especializó concretamente en el sabotaje de barcos, utilizando minas lapa que habrían de causar serios destrozos a la marina de guerra alemana, entre los que cabe destacar el hundimiento de los barcos utilizados para transportar tropas y prisioneros SS Monte Rosa o el Donay. En Estocolmo, punto de encuentro de los miembros de la resistencia, conocería a Tikken, la que acabaría convirtiéndose en su esposa, por aquel entonces un contacto noruego del consulado británico, quien por otro lado ha alabado el grado de autenticidad de la cinta que ahora, casi 60 años después, recoge las hazañas de quien fuera su marido.

Auténtico héroe de guerra noruego, al final de la contienda tuvo el honor de acompañar al Rey Haakon VII en su entrada triunfal en Oslo al regresar de su exilio en Gran Bretaña. Su participación en la Guerra de Invierno contra los comunistas es un hecho del que se conoce poco dada su poca disposición a recordarlo, pero lo que sí manifestó es que le había ocasionado severos traumas y pesadillas en su vida posterior. En la posguerra se dedicó a comercializar con éxito productos de oficina como las máquinas de escribir Olivetti, pero con el paso del tiempo acabó refugiándose en la bebida, víctima de las heridas psicológicas que le había ocasionado la guerra así como la pérdida de tantos amigos. Pasaría sus últimos años en España hasta su fallecimiento en 1996. Ha habido cierta polémica entre los historiadores sobre la manera en que se ha tratado la importancia dada al sabotaje durante la contienda o la participación de Manux en la Guerra de Invierno. Al film se le acusado también, como es el caso del periódico Adresseavisa, de no establecer ningún tipo de debate moral, resultando todo blanco y negro, dividido entre buenos y malos.

(Basado en información de www.unmundodecine.com)

LOS NIÑOS DEL SEÑOR BATIGNOLE (2002)

2009-07-28T11:09:00.000-07:00

Título original: Monsieur Batignole
Origen: Francia. Duración: 100 min.
Color. Idiomas: francés, alemán. Subtitulado
CREDITOS
Dirección: Gerald Jugnot
Guión: Gerald Jugnot, Philippe Lopes-Curval
Porducción: Dominique Farrugia, Olivier Granier, Gerard Jugnot
Música original: Khalil Chahine
Fotografía: Gerard Simon
Edición: Catherine Kelber
Casting: Sandra Nainguené, Francoise Menidrey
Vestuario: Martine Rapin, Annie Thellement
Maquillaje: Rachel Aboulkheir, Marie Luiset
Sonido: Michel Kharat
PROTAGONISTAS
Jules sitruk (Simon Bernstein)
Gerard Jugnot (Edmond Batignole)
Michele Garcia (Marguerite Batignole)
Jean-Paul Rouve (Jean-Pierre Lamour)
Alexia Portal (Micheline Batignole)
Violette Blanckaert (Sara Cohen)
Daphne Baiwir (Guila Cohen)
Götz Burger (SS. Coronel Spreich)
Nadine Spinoza (Rachel Bernstein)
Damien Jouillerot (Martin)
Sam Karman (Max Bernstein)
COMENTARIO
Jugnot aborda un tierno relato que se desenvuelve en uno de los períodos más oscuros y dramáticos de la historia francesa: en 1942, en la Francia ocupada, el apolítico carnicero Edmond Batignole vive con su esposa e hija en un pequeño departamento, en lo alto de su comercio. Cuando su futuro yerno y colaboracionista, Jean Pierre, llama a los nazis a arrestar a la familia judía Bernstein, se mudan al departamento confiscado. Algunos días después, el joven Simon Bernstein escapa de los alemanes y regresa a su viejo hogar. Cuando Batignole lo encuentra, siente pena por el niño y lo esconde de su yerno e incluso de su esposa. Luego, dos primos de Simon lo encuentran en el escondite en el sótano del comercio. Cuando son hallados por Jean Pierre, Batignole decide escapar con los niños a Suiza.
Es una película sencilla, agradable de ver, con una cuidada fotografía, leve emotividad y buenas actuaciones. El hecho de que la película trate de eludir la crudeza del momento que le sirve como trasfondo, bastante bien recreado en su aspecto costumbrista, no significa que no podamos a tra-
vés de ella acercarnos a como el ser humano puede comportarse en situaciones donde nadar contra corriente (ir en contra de los ocupantes) es un un camino peligroso y donde lo importante se convierte en única ideología, sobrevivir, aunque sea indignamente.

FLAME Y CITRON (2008)

2009-07-22T12:05:00.000-07:00

Título original: Flammen & Citronen
Origen: Alemania, Dinamarca, República Checa. Duración: 130 min.
Color. Idiomas: danés, alemán. Subtitulado
Filmada en Berlín, Copenhague y Praga
CREDITOS
Dirección: Ole Christian Madsen
Guión: Lars nadersen, Ole Christian Madsen
Producción: Lars Bredo Rahbek, Christoph Fisser, Stefan Schubert
Música original: Karsten Fundal
Fotografía: Jorgemn Johansson
Edición: Soren B. Ebbe
Dirección Artística: Jens Lockman, Anja Müller, Soren Schwartzberg
Vestuario: Manon Rasmunssen, Margrehte Rasmussen, Rikke Simonsen
Maquillaje: Jens Bartram, Ivana Chlostova,
Sabine Schumann, Bobo Sobotka
Sonido: Hans Moller
Efectos especiales: Spreen Skov Haraldsted, Bemd Wildau
Efectos visuales: Nastuh Abootalebi, Jonas Drehn
PROTAGONISTAS
Thure Lindhardt (Flame)
Mads Mikkelsen (Citron)
Stine Stengade (Ketty Selmer)
Peter Mygind (Aksel Winter)
Mille Lehfeldt (Bodil)
Christian Berkel (Hoffman)
Hanns Zischler (Gilbert)
COMENTARIOS
1.
Flame y Citron fueron dos de los más famosos miembros de la resistencia danesa durante la ocupación nazi. Esta película recrea la vida de estos hombres, que decidieron luchar desde la clandestinidad contra los alemanes y contra los daneses que colaboraban con ellos. Las cosas comenzaron a ser diferentes cuando empezaron a plantearse si matar o no a las personas que se les había ordenado, al vislumbrar que sus acciones se enmarcaban en una trama más compleja, que en ocasiones era opuesta a sus ansias de terminar con el enemigo nazi.
La película consiste en una historia de amor, traición, odio y poder. Flame y Citron forman una efectiva pareja, donde el primero ha llegado a convertirse en el asesino más buscado de Dinamarca. Es frío y calculador, y no duda a la hora de apretar el gatillo. El gran defecto de la película es su lentitud, por tratarse de una película de accipon. Cuando Flame va a cometer un asesinato, lo hace sin prisas y de forma eficaz. A este ritmo se adecúa el tempo de la película,y este es el defecto. Sus asesinatos son como un ritual que quizás por su lentitud no acaban de llamar la atención del espectador. Otro problema es que el público no puede empatizar con Flame y Citron. No caen ni bien ni mal. A pesar de que se les intenta imprimir rasgos que los humanicen -la familia en el caso de Citron, la chica Ketty en el de Flame- no basta para que el espectador conecte al cien por cien con la causa de la pareja. Citron se pasa la primera parte de la cinta sudando -un detalle muy cuidado, no cabe duda, teniendo en cuenta la tensión y dureza que acarrea el tipo de vida que han elegido- pero que acaba resultando algo desagradable a ojos del espectador. Y mientras Citron suda sin parar, Flame es como un témpano de hielo. Con unos protagonistas desarrollados en una realidad lejana al espectador y con un ritmo tan pausado, resulta difícil que se pueda apreciar en su totalidad el contenido dramático de la historia: la dureza de la traición, la impotencia de saberse un títere en manos de otro, la imposibilidad de luchar contra la gran maquinaria bélica internacional. Todo ello pasa por la retina del espectador casi sin emoción.
Lo más destacable de la película es la recreación de la época, un trabajo que se nota que se ha realizado con esmero. En cuanto al contenido, hay que hacer un alto en la conversación que mantiene Flame con su víctima el coronel Gilbert, que le abre los ojos sobre la dura realidad de la guerra donde no todo es blanco o negro.
2.
Inspirada en hechos reales, este filme se centra en la vida de dos hombres, Flammen y Citronen, miembros la resistencia danesa durante la Segunda Guerra Mundial. En un mundo en el que intrigas, mentiras, violencia, sentimientos y el pasado personal de cada uno conviven juntos cada día, tanto su propia moralidad como sus objetivos son cuestionados y confundidos. Además de estar perseguidos por la Gestapo, sus ideales y justificación de las propias acciones de los dos protagonistas se verán amenazadas por las dobles agendas y la desconfianza hacia sus propios aliados. Esta película cuenta con grandes virtudes. Visualmente es magnífica. La ambientación consigue recrear y capturar toda la atmosfera de los años 40 gracias a una gran fotografía. Las actuaciones, especialmente la de los dos protagonistas, están al mismo nivel. El guión en sí es complejo, ambiguo y transmite perfectamente el desconcierto y turbación tanto emocional como de confianza respecto a sus propios compañeros que viven ambos protagonistas. Pero siendo una película que se centra en el estudio de estos dos personajes, la película parece más interesada en mostrar su muy conseguida parte visual exterior que ahondar en el núcleo de ambas figuras. El intento de explicar y profundizar en ellos queda inconexo y corto de metraje respecto con el ritmo narrativo y de la acción que tiene la película. “Flammen & Citronen” consigue presentar de la mejor forma una interesante historia pero demasiado influenciada por el cine de Hollywood, sacrificando fondo por forma.
3.
"En la realidad, Flame, un personaje agradable pero flemático, estaba obsesionado con las armas de fuego desde muy pequeño. Se crió en Asserbo, al norte de Copenhague, donde su padre regentaba un hotel. Tuvo una complicada relación con su padre, al que despreciaba por la simpatía que sentía hacia los alemanes, a cuya autoridad se plegaba. Cuando su padre lo envió a Alemania para hacer prácticas como camarero, desarrolló un profundo odio por el fascismo. A su vuelta a Dinamarca, se enroló en la Marina y aprendió a disparar (fue tirador del año en 1941). Muy joven, con 19 años, se unió a la resistencia
Citron, diez años mayor, era completamente distinto. Su padre murió cuando él era pequeño y su madre tuvo que llevar la casa y criar a cuatro hijos con su pensión de viudedad, así que creció pobre pero digno. Citron siempre tuvo problemas con la autoridad e incluso su propia familia le consideraba un perdedor. Le fascinaba la vida bohemia y durante unos años trabajó como director de escena de un teatro de variedades judío. Allí conoció a Bodil, mucho más joven que él. Ella se quedó embarazada enseguida, pero a Citron le costó establecerse. A pesar de que era uno de los miembros de la resistencia de más edad, actuaba en la calle (lo que se reservaba para los más jóvenes, sin compromisos familiares)."

LA PAREJA (2004)

2009-07-14T11:59:00.000-07:00

Título original: The aryan couple
Origen: Estados Unidos, G. Bretaña. Duración: 120 min.
Color. Idioma: inglés. Subtitulado
Filmada en Varsovia, Polonia
CREDITOS
Dirección: John Daly
Guión: John Daly, Kendrew Lascelles
Producción: John Daly, Peter Anurov, Vasily Balashov, Irina Szufarska
Música: Igor Khoroshev
Fotografía: Sergei Kozlov
Edición: Mathew Booth
Casting: Liora Reich
Diseño de producción: Andrezj Halinski
Dirección artística: Joanna Doroskiewicz
Escenografía: Wieslawa Chjkowska
Vestuario: Jagna Janicka
Maquillaje: Anna Dabrowska
Sonido. Francois Blaignan, John Chalfant, Frank Correa
Efectos especiales: Arkadiusz Rosczak. Zdszlaw Zawiasa
Efectos visuales: Tim Baxter
PROTAGONISTAS
Martin Landau (Joseph Krauzenberg)
Judy Parfait (Rachel Krauzenberg)
Kenny Doghty (Hans Vassman)
Caroline Carver (Ingrid Vassman)
Danny Webb (Himmler)
Chrstioher Fulford (Edelhein)
Steven Mackintosh (Eichmann)
Jake Wood (Dressler)
Nolan Hennings (Gerhard)
Austen Palmer (Kurt Becher)
COMENTARIO
Relato de ficción acerca de un episodio que pudo haber ocurrido en 1944 en la Hungría ocupada, lugar donde se desarrolla la película, probablemente en las cercanías del pueblo de Gyór. Josef Krauzenberg acuerda traspasar su imperio financiero e industrial y sus propiedades personales, incluyendo una vasta colección pictórica, a Heinrich Himmler. A cambio, Himmler promete a Krauzenberg y sus 30 familiares y parientes, incluyendo su esposa Rachel, salvoconductos a Suiza, como primera estación de su viaje hacia Palestina., a pesar de las objeciones de Adolf Eichmann, el autor de la Solución Final.
Sin embargo, Krauzenberg tiene tres mil empelados en sus empresas y dos sirvientes en su propiedad en el campo. Estos, Ingrid y Hans, se hacen pasar por una pareja aria, pero en realidad son judíos que están trabajando para la Resistencia.
¿Qué debe hacer con ellos Krauzenberg cuando la propiedad queda deshabitada? Este es el punto central de la película, cuando comienzan a verse imágenes de Auchwitz, de un tren llevando a judíos al campo de muerte…
Minutos antes de la partida de los Krauzenberg en avión a Suiza, los Vassman les revelan que son judíos, de apellido Steinberg. Ingridd le pide ser llevada en el vuelo, pero el arreglo no es posible. Como Himmler acordó no afectar a ninguno de los empleados de Krauzenberg, Josef trata de obtener pasajes en el tren a Suiza para el día siguiente. Mientras, un asistente de Eichmann, Edelhein, tomó interés en Ingrid y al enterarse que son judíos, trata de detener su salida a Suiza.
La idea que Himmler ha sido tan generoso con los judíos, está basada en la existencia de un llamado Plan Europa, por el cual judíos eslovacos pagaron importantes sumas de dinero para obtener salvoconductos a Suiza o a cualquier otro lugar fuera del alcance de los campos.
La película, que fluye como una obra teatral., está veladamente basada en el destino del industrial judeohúngaro Manfred Weiss.

EICHMANN (2007)

2009-06-17T12:32:00.000-07:00

Título original: Eichmann
Origen: Gran Bretaña, Hungría. Duración: 100 min.
Color. Idioma: ingles. Subtitulado
Filmada en Budapest, Hungría
CREDITOS
Dirección: Robert Young
Guión: Snoo Wilson
Producción: Karl Richards
Música original: Richard Harvey
Fotografía: Michael Connor
Edición: Saska Simpson
Diseño de producción: Tibor Lazar
Dirección artística: Ino Bonello, Judit Csak
Escenografía: Zoltan Schofer
Vestuario: Alyson Ritchie
Maquillaje: Uli de la Lama
Sonido: Antonia Bates
Efectos especiales: Robert Kovacs
Efectos visuales: Jonathan Cheetham
PROTAGONISTAS
Thomas Kretschmann (Adolf Eichmann)
Troy Garity (Avner Less)
Franka Potente (Vera Less)
Stephen Fry (Ministro Tormer)
Peter Ambrus (Abraham Less)
Laszlo Bereczki (David)
Denes Bamath (Benjamin)
Bela Festbaum (Dr. Kastner)
Stephen Greif (Hans Lipman)
Bernadett Hefler (Sara)
Peter Laczo (Dieter Eichmann)
Abdul Sattar Rehani (Husseini)
Tereza Srbova (Baronesa Ingrid von Ihama)
Kristian Voros (Klaus Eichmann)
Scott Alexander Young (Robert Servatius)
COMENTARIOS
Capturado en Argentina quince años después de la finalización de la guerra, y llevado a juicio en Israel, Adolf Eichmann relata su pasado como arquitecto del plan de la Solución Final de la cuestión judía, es decir, el exterminio, ante su interrogador, el capitán de policía Avner Less. Sobre la base de estos documentos se ha realizado esta película.
Este docudrama está construido de una manera inusual. En su primera media hora parece usar el tema del Holocausto como una excusa para concentrarse alrededor de la vida sexual de Eichmann y varios flashbacks retratan sus encuentros con tres mujeres: su esposa y dos amantes. Pero por otra parte, estas escenas son vitales como parte de una estrategia para mostrar la frialdad e insensibilidad del personaje, necesarias para aproximarse al conocimiento de sus actos y conductas como realizador de las políticas nazis genocidas. A pesar que históricamente se lo recuerda como un importante eslabón en la cadena del exterminio, en la película se nos presenta como un sencillo coronel que se defiende de las acusaciones argumentando que era un simple oficial de transportes. Otros oficiales, de mayor jerarquía, le ordenaron crear un sistema de comunicaciones férreas eficiente que uniera diferentes lugares, sin detenerse en miramientos en cuanto al material rodante o de tracción necesarios, horarios y todo lo que permitiera ese funcionamiento eficaz del sistema bajo administración alemana.
La película intenta condenar a Eichmann mostrando su desprecio por la vida, especialmente la judía y que este desprecio es un patrón en la conducta de Eichmann, siendo sus vínculos sexuales ´parte integral de este patrón de conducta. Veamos dos ejemplos:
- Abandona a su primera amante en Austria sin avisarle, a pesar que sabía con anticipación quesería transferido. Vivía con ella en uan granja que había sido expropiada por el Estado para su uso personal. Un automóvil lo espera una mañana, cuando le dice a la mujer que se va y luego, todos los trabajadores eslavos son fusilados. La mujer queda sola y le pregunta que pasará ahora con todos los animales. Su respuesta breve fue ”Dispárenles”…
- En Hungría se vincula con una baronesa, sedienta desangre, que se excita sexualmente escuchando a Eichmann mientras cuenta acerca de su responsabilidad por varios asesinatos en masa y su rol en la limpieza étnica en varios países. Hablan de estos crímenes brutales en sus encuentros amorosos. No es seguro que esto haya ocurrido, pero si fue real, habla por sí mismo de la naturaleza cruel y sádica de nuestro personaje.
Seguramente habrá quien se sienta shockeado por las escenas de sexo, pero la combinación con los flashbacks dramatizados, las imágenes de archivo, las trasncripciones de los interrogatorios, construyen un Eichmann merecedor de la sentencia de muerte que recibió. En estesentido, la película es efectiva pero falla en algunos momentos relacionados con los temas del Israel de entre 1960-1962.
El retrato de Avner Less es mostrado con algunas dudas y está enfocado como perdiendo el hilo de la tarea policial que está realizando. Juega con sus hijos, la esposa tiene un estado de salud deficiente, pero eso no importa. La historia gira alrededor de Eichmann, no de su interrogador. El problema central está en la historia secundaria, donde el guión parece haber sido escrito para los protagonistas (Fry y Potente) con objetivos netamente comerciales. Ambas participaciones podían haber sido eliminadas completamente, sin que nada importante se pierda en la película. Por eso, la película es mucho más efectiva cuando se focaliza en la figura de Eichmann, su historia personal y los interrogatorios, que en los temas secundarios.

LOS VERDUGOS TAMBIEN MUEREN (1943)

2009-06-16T14:18:00.000-07:00

Título original: Hangmen also die!
Origen: Estados Unidos. Duración: 134 min.
Blanco y negro. Idiomas. Inglés, alemán. Subtitulado
Nominada al Oscar 1944 Mejor música original (Hans Eisler)
CREDITOS
Dirección: Fritz Lamg
Guión: John Wexley sobre un texto de Bertolt Brecht y Fritz Lang
Producción: Fritz Lang, Arnold Pressburger
Música original: Hans Eisler
Fotografía: James Wong Howe
Edición: Gener Fowler Jr.
Dirección artística: William Darling
Maquillaje: Blagoe Stephanoff
Sonido: Fred Lau
Vestuario: Eleanor Behm
PROTAGONISTAS
Hans Heinrich von Twardowski (Reinhard Heydrich)
Brian Donlevy (Dr. Ftanticek Svoboda)
Walter Brennan (Profesor Stephan Novotny)
Anna Lee (Mascha Novotny)
Nana Bryant (Hellie Novotny)
Margaret Wychely (Ludmilla Novotny)
William Roy (Beda Novotny)
Dennis O´Keefe (Jan Horak)
Gene Lockhart (Emil Czaka)
Tonio Selwart (Kurt Haas)
Alexander Granach (Inspector Gruber)
Reinhold Schunzel (inspector Ritter)
Ludwig Donath (Schimer)
Sarah Padden (Sra. Dvorak)
Jonathan Hale (Dedic)
Byron Foulger (Bartos)
Edmund MacDonald (Dr. Pillair)
Lionel Stander (Banya)
Lester Sharpe (Rudy)
Arthur Loft (General Votruba)
George Irving (Necval)
James Bysh (Pescaczek)
Fred Eissler (Dr. Kesselbach)
COMENTARIOS
El guión de esta película fue la única participación directa de Bertolt Brech, cuyas historias y piezas teatrales fueron la base de otras numerosas películas, en un trabajo en Hollywood. El gui´pon fue suyo, aunque en los créditos figuraba el guionista americano y miembro del Sindicato de Guionistas John Wexley.
La película es considerada una obra enmarcada en el “cine negro”, pero en realidad es una película de propaganda defendiendo la resistencia, por cualquier medio, en la Europa ocupada por los nazis durante la Segunda Guerra. La historia está centrada en el ocultamiento de quien fuera el asesino de Reinhard Heydrich, el Protector de Bohemia y Moravia, es decir, el gobernante de Checoslovaquia y la postura de la resistencia checa ante la represalia desatada por el conquistador. Heydrich era llamado por los checos “El Verdugo”, por las crueles medidas y políticas adoptadas durante la ocupación. La película no refleja ele hecho histórico en si mismo, excepto por el blanco en el que centra la Resistencia y las represalias feroces posteriormente desatadas.
El asesino es un médico de apellido Svoboda (en checo “libertad”), que integra una célula de la Resistencia en Praga, que se dedica en sabotear el trabajo en las plantas industriales proveedoras a Alemania de bienes.
Los checos están unidos firmemente en la resistencia ante el brutal opresor y ante la búsqueda del asesino por parte de la Gestapo debe afrontar un serio dilema: entregarlo o permitir que los nazis maten a los rehenes que han tomado para presionar a que se entregue al responsable de la muerte de Heydrich. Los miembros de la Resistencia discuten y deciden no entregar a Svoboda. Pero son traicionados por un colaboracionista infiltrado, que logra diezmar la célula. Los que logran escapar, preparan una trampa al traidor y finalmente, logran detener el asesinato de los rehenes que han quedado vivos.
Siguiendo el estilo de las películas policiales, “Los verdugos también mueren” se aproxima a este tipo de cine, aunque la excusa es mostrar la heroica resistencia ce los checos, tan importante de ser vista en los cines en 1943, plena época de guerra y de compromiso en la lucha por los valores que los Aliados representaban, mencionados repetidas veces a lo largo de la película.

MARGEN DE ERROR (1943)

2009-05-27T16:21:00.000-07:00

Título original: Margin for error
Origen: Estados Unidos. Duración: 75 min.
Blanco y negro. Idioma: inglés. Subtitulado
CREDITOS
Dirección: Otto Preminger
Guión: Lillie Hayward, sobre una obra de Clare Booth
Producción: Ralph Dietrich
Musica orignal: Leigh Harline
Fotografía: Edward Cronjager
Edición: Louis Loeffer
Dirección artística: Lewis Creber, Richard Day
Escenografía: Thomas Little, Al Orenbach
Sonido: Eugene Grossman, Harry Leonard
Vestuario: Earl Luck
PROTAGONISTAS
Joan Bennet (Sophia Baumer)
Otto Preminger (Karl Baumer)
Milton Berle (Mie Finkelstein)
Carl Esmond (Baron Max con Alvenstor
Howard Freeman (Otto Horst)
Poldi (Frieda)
Clyde Filmore (Doctor Jennings)
COMENTARIO
El policía neoyorkino Moe Finkelstein recibe el encargo de custodiar al cónsul alemán Baumer, pero ninguno de los dos está demasiado contento por la tarea: el policía es judío y el cónsul antisemita. Sin embargo, Moe se convierte rápidamente en amigo de la esposa del cónsul, Sophie, quien se ha casado por interés: preservar a su familia y evitar que fuese enviada a un campo de concentración, del secretario del consulado, el barón Max von Alvenstor y de una joven del personal de servicio, Freida. En el ambiente se percibe un clima de tensión que no se oculta ante el posible estallido de una guerra. Baumer, amante del juego, ha perdido una gran suma perteneciente al gobierno alemán. Sophie odia a su esposo y lo que él representa, estando Max enamorado de ella. Max enfrenta a Baumer con la diferencia de los fondos del consulado, mientras que Baumer inetnta informar a Berlpín que uno de los abuelos de Max no era ario. La llegada de un grupo de saboteadores nazis y su insistencia para que les sea entregado dinero para financiar sus actividades ponen en riesgo la posición de Baumer. .
Preminger, en el rol de Baumer, transforma a la película en una especie de comedia del absurdo.

SER O NO SER (1942)

2009-05-25T15:35:00.000-07:00

Título original: To be or not to be
Origen: estados Unidos. Duración: 99 min.
Blanco y negro. Idiomas: inglés, alemán. Subtitulado
Nominada al Oscar 1943 Mejor música original
CREDITOS
Dirección: Ernst Lubitsch
Guión: Edwin Justus Mayer sobe una historia de Melchior Lengyel
Producción: Ernst Lubitsch
Música orignal: Werner R. Heyman
Fotografía: Rudolph Maté
Edición: Dorothy Spencer
Casting: Victor Sutker
Diseño de producción: Vincent Korda
Maquillaje: Gordon Bau
Sonido: Frank Maher
Efectos especiales: Lawrence Butler
Vestuario: Irene
PROTAGONISTAS
Carole Lombard (María Tura)
Jack Benny (Joseph Tura)
Robert Stcak (Teniene Sobinski)
Felix Bressant (Greenberg)
Lioner Atwill (Rawitch)
Stanley Ridges (Profesor Siletsky)
Sig Ruman (Coronel Ehrhardt)
Tom Dugan (Bronski)
Charles Halton (Dobosh)
Henry Victor (Capitan Schultz)
COMENTARIOS
Siguiendo los pasos de una compañía de cómicos en Varsovia en 1939 que realizan una presentación de Hamlet, mientras ensayan su próxima obra, una representación sobre el nazismo, el primer actor Joseph Tura y su esposa, también actriz, María, recibe visitas de un admirador, un aviador polaco, al que tendrán que ayudar a escapar de los nazis que están en su búsqueda.
Una comedia hilarante, donde Carole Lombard actúa por última vez antes de su trágica muerte en un accidente de aviación, encabezando la compañía teatral. Parte del ensayo de la nueva obra de la compañía es un retrato bufonesco de los nazis que ocupan Polonia, mientras intentan además de salvar al piloto polaco, interceptar a un espía alemán que puede transmitir información perjudicial para la Resistencia. El guión encadena personajes insólitos mas interesantes y secuencias en paso de comedia, que se enredan hasta dar lugar situaciones inesperadas, pero que se resuelven de la manera esperada.
Junto con Ninotchka, su sátira antisoviética, son las más famosas películas de Lubitsch, un emigrante judío de la Alemania nazi, que encuentra un ámbito laboral en Estados Unidos. Lubitsch, además de criticar al nazismo, también criticaba toda forma de régimen político totalitario, que vulneraba las normas de la democracia y convivencia.

DE NOCHE CUANDO LLEGA EL DIABLO (1957)

2009-05-24T15:02:00.000-07:00

Título original: Nachts, wenn der teufel kam
Origen. Alemania occidental. Duración: 105 min.
Blanco y negro. Idioma: alemán. Subtitulado
Filmada en Berlín
CREDITOS
Dirección: Robert Siodmak
Guión: Will Berthold, sobre un artículo de Werner Jorg Ludecke
Producción: Robert Siodmak, Claus Hardt
Música original: Siegfried Franz
Fotografía: Georg Krause
Edición: Walter Noos
Diseño de producción: Gottfried Will, Roilf Zehetbauer
Diseño artístico: Gottfried Will
Cestuario: Claudia Hahne Herberg
Maquillaje: Franz Giobel, Sophie Obermaier
Sonido: Erwin Jennevein
PROTAGONISTAS
Claus Holm (Comisario Axel Lersten)
Annemarie Duninger (Helga Homung)
Mario Adorf (Bruno Luebke)
Hannes Messemer (Capitán Rossdorf)
Carl Lange (Mayor Thomas Wollenberg)
Werner Peters (Willi Keun)
Walter Janssen (Investigadorr Bohem)
Monika John (Camarera Lucy)
Rose Schaffer (Anna Hohmann)
COMENTARIO
El cine policial sobre asesinos seriales fue una combinación que ocasionalmente se dio en el cine alemán de la post segunda guerra, intentando describir la terrible experiencia colectiva vivida bajo el nazismo. En esta, su primera película filmada al regresar a Alemania, Siodmak retrata el cinismo de las autoridades del Tercer Reich ante el caso real de Bruno Luebke, un asesino serial de mujeres que aterrorizó a Hamburgo durante la guerra. Su búsqueda y captura desató una campaña de propaganda política, a la que se sumó el Führer en persona declarando que la nueva Alemania no podía permitir que por sus calles se paseara tranquilamente un asesino, como si ellos no lo fueran también.
La fotografía en blanco y negro de Georg Kruse, fiel a los postulados estéticos de la escuela expresionista, da lugar a secuencias sobrecogedoras, en las que la violencia individual se confunde con la institucional de modo inquietante.
Mientras que en muchas películas americanas el retrato del asesino serial muestra a un ser maligno que mata por placer, esta película nos muestra a un hombre que siente la necesidad enfermiza de hacerlo no cuando quieren, sino cuando deben hacerlo. Pero quizá lo mejor de la película son las imágenes de la vida cotidiana en el último año de existencia del Tercer Reich, instalada la corrupción, la desilusión ante la realidad y el fracaso de las promesas hechas por el Fuhrer, a pesar de la propaganda permanente, pero de frases vacías. A la sombra del genocidio nazi, la pregunta final de si el condenado el inocente o culpable, es un hecho secundario.

CACERIA HUMANA (1941)

2009-05-19T18:39:00.000-07:00

Título original: Man hunt
Origen: Estados Unidos. Duración: 105 min.
Blanco y negro. Idioma: inglés, alemán. Subtitulado
CREDITOS
Dirección: Fritz Lang
Guión: Dudley Nichols y Geoffrey Household sobre su novela “Rogue Male”
Producción: Kenneth Macgowan
Música: Alfred Newman
Fotografía: Arthur C. Miller
Edición: Allen McNeil
Dirección artística: Richard Day
Escenografía: Thomas Little
Vestuario: Travis Banton
Sonido: Eugene Grossman
PROTAGONISTAS
Walter Pidgeon (Capitán Alan Thorndike)
Joan Bennet (Jerry Stokes)
George Sanders (Quive-Smith
John Carradine (Sr. Jones)
Roddy McDowall (Vaner)
Ludwig Stossel (Doctor)
Heather Thatcher (Lady Alice Risborough)
Frederick Worlock (Lord Gerald Risborough)
Roger Imhof (Capitán Jensen)
COMENTARIO
Es la primera de las varias películas de contenido antinazi filmadas por Fritz Lang en Estados Unidos. Un cazador inglés, de vacaciones en Bavaria, ve a Hitler a través de la mira telescópica de su arma, que está descargada. Pero es capturado y torturado por la Gestapo. Después de ser interrogado, es arrojado a un precipicio, pero sobrevive y logra escapar, regresando a Inglaterra, donde es ocultado por una prostituta. Debido a la vigencia del Código Hays – no se podía mostrar a prostitutas ni escenas de sexo ni nada que afectase la sensibilidad moral de los espectadoras de la época – en su habitación hay una máquina de coser – la mujer es una costurera, una ocupación tolerada por la censura. En Londres, es perseguido por agentes nazis y finalmente, decide regresar a Alemania para intentar en el futuro matar a Hitler.
Apenas llegado a Hollywood, Lang se adaptó rápidamente a la industria fílmica. Sin embargo, sus películas reflejan un sentimiento pesimista y desesperanzador. Lang comprende que las decisiones que toma una persona pueden limitar las posibilidades futuras. Y ello es lo que ocurre en esta película, donde el futuro del protagonista está predeterminado desde el comienzo de las acciones a partir de una acción totalmente ambigua. El cazador no está necesariamente, interesado en asesinar a Hitler. Primero juego con la idea y apunta con su arma descargada y luego, coloca una bala y dispara hacia una habitación. Esta decisión, determina todo lo que continuaría en el curso de la película: deberá realizar el acto que anteriormente había imaginado.

LA ZONA GRIS (2002)

2009-05-17T13:19:00.000-07:00

Título original: The grey zone
Origen: Estados Unidos. Duración: 108 min.
Color. Idiomas: ingles, alemán. Subtitulado
Filmada en Bulgaria
CREDITOS
Dirección: Tim Blake Nelson
Guión: Tim Blake Nelson, sobre su pieza teatral y el libro de Miklos Nyiszli (Auschwitz: el testimonio de un médico)
Producción: Avi Lerner, Danny Lerner, Christine Vachon
Fotografía: Russell Lee Fine
Música: Jeff Danna. Claudio Abbado dirige “Alto Raphsody”
Edición: Michelle Botticelli, Tim Blake Nelson
Casting: Will Carter, David Vaccari, Bernard Ttelsey
Diseño de producción: María Durkovic
Diseño artístico: Johnny Breedt, Tatiana Lund
Escenografía: Valentina Madenova
Vestuario: Marina Draghici
Maquillaje: Sofi Davidova, Ivon Ivanova, Claudia Moser
Sonido: Chris Barnett
Efectos especiales: Willie Botha, Vasill Dikov
Efectos visuales: Janos Pilenyi, Ariel Enriquez Saulog
PROTAGONISTAS
David Arquette (Hoffman)
David Chandler (Rosenthal)
Alan Corduner (Dr. Miklos Nyisli)
Steve Buscemi (Hesch Abramovics)
Harvey Keitel (SS Oberscharfuhrer Eric Muhsfeldt)
Henry Stram /Josef Mengele)
Karmela Grigorova (Niña)
Mira Sorvino (Dina)
Natasha Lyonne (Rosa)
COMENTARIOS
En 1996 Blake Nelson llevó al teatro esta obra. Ya en el comienzo de la película, los títulos nos informan que los nazis no emplearon a alemanes para conducir a los judíos a las cámaras de gas y luego llevar sus cadáveres a los crematorios, en el campo de Birkenau. Emplearon a judíos, en grupos llamados Sonderkommandos, a quienes se permitía comer razonablemente y vivir en el campo en mejores condiciones que otros prisioneros. Pero después de unos meses, ellos también eran ejecutados. La historia fue relatada más tarde por el Dr. Miklos Nyisli, un médico judío altamente capacitado, quien a cambio de mantenerse con vida, se ofreció voluntariamente para realizar experimentos médicos para el Dr. Mengele. Simultáneamente, vemos la llegada de un convoy de judíos húngaros. Con el acompañamiento casi surrealista de músicos judíos tocando valses de Strauss, son conducidos a las cámaras de gas. A su llegada deben colgar sus ropas en ganchos numerados antes de entrar a las cámaras para tomar una ducha y ser desinfectados. Luego, la puerta es cerrada. La próxima tarea es seleccionar la ropa y otras posesiones de los exterminados por parte de alemanes o los propios judíos. Después de la ejecución, los judíos del komanndo cargan los cuerpos a los hornos y la cámara es limpiada, preparada para una nueva carga humana. Mientras tanto, mujeres de una cercana fábrica de municiones, contrabandean pólvora para los prisioneros judíos en Birkenau, que están preparando una revuelta. Cuando los nazis descubren que ha desaparecido la pólvora, torturan a algunas de las trabajadoras para obtener información acerca de quien la recibió. Los guardias van matando una a una a las mujeres de las barracas mientras las resistentes esperan que les llegue el turno y con su muerte, poner fin a las otras muertes. La revuelta se da en dos crematorios, algunos nazis mueren, los participantes en la revuelta son fusilados, pero los crematorios no son reconstruidos. Los rusos van. Entretanto, avanzando en territorio polaco, acercándose a Auschwitz.
El comandante de Birkenau, Muhsfeldt, trata de controlar alos prisioneros psicológicamente. Pero la pregunta más profunda que les hace, es porqué un simple judío acuerda para realizar esta tarea en el kommando para prolongar su propia vida por apenas cuatro meses.
La película está centrada en el Sonderkommando 12, uno de los 13 que actuaron en Birkenau. Muhsfeldt fue considerado como criminal de guerra, juzgado, condenado a muerte y ejecutado.
Por el esfuerzo que significó llevar a la pantalla la poco conocida revuelta en Birkenau y retratar con crudeza la barbarie nazi, la Sociedad de Cine Político de Estados Unidos ha nominado a La zona gris como mejor película y mejor película acerca de derechos humanos del 2002.

ROGER EBERT (Adaptación)
“¿Cómo puede usted saber realmente lo que podría hacer para permanecer vivo, hasta que lo debe hacer? Se que la mayoría de nosotros responderá: nada” Así dice un miembro del Sonderkommando, un grupo de judíos en el campo de exterminio de Auschwitz II-Birkenau, que envía a sus paisanos judíos a las cámaras de gas y luego dispone de los cuerpos en el crematorio y las cenizas. Por este trabajo, reciben sábanas limpias, comida extra, cigarrillos y cuatro meses extra de vida. Próxima la finalización de la guerra cuatro meses extra representaban la posibilidad de sobrevivir. ¿Podía alguien negarse a aceptar esta oportunidad?
Tim Blake Nelson plantea consideraciones y elecciones morales en un sistema que es totalmente inmoral, perverso. Si cada uno en el campo está destinado a morir, ¿es una obligación del hombre morir en el momento que le fue asignado o es su obligación evitarlo? Dado que ambas opciones finalmente devienen en muerte, ¿es más noble negarse a cooperar o cooperar? Ninguna persona puede responder a estas preguntas sin haber estado allí.
La película está inspirada en la revuelta del 7 de octubre de 1944, cuando los integrantes del Sonderkoomando 12 logran destruidos de los cuatro crematorios del campo. Como no fueron reconstruidos, muchas vidas lograron ser salvadas. Pero otras se perdieron cuando los nazis usaron tortura física y mental para tratar de encontrar laforma que los prisioneros obtuvieron la pólvora y las armas
Esta película es diferente a muchas otras pues se ocupa de los detalles cotidianos de los grupos de trabajo, que mentían a los prisioneros cuando los conducían a las cámaras de gas, los mataban, quemaban sus cuerpos y disponían de sus despojos. Todos los pasos en este proceso están mostrados con claridad en una secuencia que comienza cuando una víctima judía acusa a otro judío, un guardia, de estar mintiendo u termina con manos golpeando la puerta de la cámara de gas.
“Carga” - es el nombre que le dan los trabajadores a los cuerpos. “Tenemos mucha carga hoy”.
¿Forma parte de la naturaleza humana que nos endurezcamos cuando debemos actuar por nuestra propia supervivencia? ¿Aquellos que pueden sacrificarse por un ideal ético son excepciones extraordinarias a esta norma? Cuando Rosa y Dina, dos mujeres prisioneras que trabajaban en la fábrica de municiones son torturadas para revelar el secreto de la pólvora y los métodos comunes fracasan, son enfrentadas a sus compañeras y el interrogador repite la pregunta y a cada negativa, mata a una de las prisioneras. ¿Qué conducta es la correcta en este caso? ¿Y si todos mueren, afecta esto a la elección?
En cierto sentido, el asesinato cometido por los nazis no es peor que la tortura mental provocada a sus víctimas. La muerte forma parte de la naturaleza, todos los días. Pero la muerte con sadismo, en un escenario forzando a las víctimas a afrontar elecciones imposibles y a sabiendas que esas elecciones son imposibles, es perversión, insensibilidad y maldad. Dice Hoffman, una de las víctimas: “Lo conocí Eramos vecinos. En 20 minutos toda su familia y todo su futuro se habrán ido de esta tierra”. El conocimiento de esta pérdida por parte de la víctima es peor que la muerte.
No hay un final feliz, excepto que finalice la guerra. No hay consuelo para las víctimas. Es una película acerca de elecciones que parecen no causar diferencias, acerca de intentar actuar con honor en un sistema cerrado donde el honor miente a la muerte. Se puede pensar: ¿si nadie lo sabrá, pero finalmente, yo lo sabré?. Si, pero entonces estarás muerto y entonces, ¿quién lo sabrá? ¿Y que importa? Por otra parte, vivir sabiendo que te has conducido vergonzosamente es otra forma de morir – una forma de matar la necesidad humana para protegernos. La zona gris refiere a un mundo donde todos están cubiertos con el gris de las cenizas de la muerte, y ha pasado tanto tiempo de esto, que nadie se ha dado cuenta…

Se proyectará el 21 de mayo a las 18.30 en el Museo de la Shoa, Montevideo 919, Buenos Aires

EL HOMBRE CON QUIEN ME CASE (1940)

2009-05-13T10:58:00.000-07:00

Título original: The man I married
Origen: Estados Unidos. Duración: 77 min.
Blanco y negro. Idioma: inglés. Subtitulado
CREDITOS
Dirección: Irving Pichel
Guión: Oliver H.P.Garret y Oscar Schisgall sobre su cuento corto
Producción: Darryl F. Zanuck
Música Original: David Buttolph
Fotografía: J. Peverell Marley
Edición: Robert Simpson
Dirección artística: Richard Day, Hans Peters
Escenografía: Thomas Little
Vestuario: Travis Banton
Sonido: Joseph Aiken
PROTAGONISTAS
Joan Bennet (Carol Hoffman)
Francis Lederer (Eric Hoffman)
Lloyd Nolan (Kenneth delane)
Anna Sten (frieda)
Otto Kruger (Heinrich Hoffman)
Maria Ouspenskaya (Sra. Gerhardt)
Ludwig stossel (Dr. Gerhardt)
Johnny Russel (Ricky)
COMENTARIO
Con el pueblo americano en pie de guerra y en el umbral de entrar en el conflicto, Darryl Zanuck, cabeza de la 20th. Century Fox, tuvo la iniciativa de realizar una serie de películas para mantener actualizados a sus compatriotas en las rápidas y cambiantes situaciones que se daban en Europa. Esta película es una de las muchas películas de este tipo. Trata acerca del ascenso del nazismo en Alemania y los devastadores efectos que habría de tener en las relaciones entre Carol Hoffman y su esposo germano-americano, Eric Hoffman. En su visita a la antigua patria, Eric abraza el régimen nazi mientras que su esposa se horroriza ante las manifestaciones del régimen. La película está basada en una serie de relatos publicados en la revista Liberty. Cabe destacar también que la filmación de la película es anterior al bombardeo de Pearl Harbor, y muestra la imagen que ciertos sectores americanos tenían de Alemania nazi. Este drama ayudó a las audiencias de Estados Unidos a conocer acerca de Alemania nazi mostrando las experiencias que en Alemania de 1938 vivía una mujer Americana.

EL TRIUNFO DEL ESPIRITU (1989)

2009-05-10T14:26:00.000-07:00

Título original: Triumph of the Spirit.
Origen: Estados Unidos. Duración: 120 min
Color. Idioma: ingles / alemán
CREDITOS
Director: Robert M. Young
Guión: Shimon Arama, Zion Haen, Andrzej Krakowski, Laurence Heath
Productores: Shimon Arama, Arnold Kopelson
Música original: Cliff Eidelman
Fotografía: Curtis Clark
Edición: Norman Buckley, Arthur Coburn
Dirección de reparto: Mike Fenton, Valorie Massalas, Judy Taylor
Diseño de producción: Jerzy Maslowski
Dirección artística: Krystyna Maslowska
Escenografía: Izabela Paprocka
Vestuario: Hilary Rosenfeld
Director de segunda unidad: Miguel Gil
Sonido: Gregory G. Gest
Efectos especiales: Eddie Surkin
PROTAGONISTAS
Willem Dafoe (Salamo Arouch)
Edward James Olmos (Gitano)
Robert Loggia (Arouch padre)
Wendy Gazelle (Allegra)
Kelly Wolf (Elena)
Costas Mandylor (Avram Arouch)
Kario Salem (Jacko)
Edward Zentara (Janush)
Hartmut Becker (Mayor Rauscher)
Burkhard Heyl (Ayudante de Rauscher)
Zofia Saretok (Madre)
Grazyna Krukówna (Julia)
Karolina Twardowska (Bemmi)
Juranda Krol (Sarah)
Wiktor Mlynarczyk (Beppo)
Jerzy Gralek (Kapo Kyr)
Ewa Lesniak .(Kapo Hilda)
COMENTARIOS
RYAN CRACKNELL
“El triunfo del espíritu” ofrece una visión no comprometida de los horrores del campo de concentración de Auschwitz, a partir del destino de los gitanos griegos y particularmente, de un campeón de boxeo, Salamo Arouch, que combatía para diversión de los brutales oficiales nazis y por su supervivencia y la de su padre. Permanecía vivo mientras sus oponentes derrotados eran llevados a la muerte. Basada en una historia real es sin duda una de las más devastadoras películas que se hayan realizado alguna vez acerca de los campos de la muerte. El realismo de su presentación se fortalece por haber sido filmada en el cruento invierno de 1989 en la locación de Auschwitz y seguramente debió haber afectado al elenco. La actuación de Willem Defoe demuestra los sentimientos adquiridos en la ocasión y ello se transmite a todo el reparto.
Ciertamente, no es una película fácil para ver, pero compensa y moviliza a quien hace el esfuerzo. Quizás en alguna forma este film puede prevenir acerca del mal que puede repetirse nuevamente en el mundo.
El Holocausto de la Segunda Guerra Mundial es uno de los momentos trágicos de la historia moderna. A lo largo de las décadas ha habido muchas películas, algunas que golpean fuertemente, otras que no reflejan lo ocurrido. “El triunfo del espíritu” trata de mostrar toda la maldad nazi con absoluta dureza a través de la actuación de Willem Dafoe. Dafoe es Salamo Arouch, un boxeador griego enviado pro los nazis a Auschwitz. Cuando su habilidad es descubierta, Salamo es incluido en una competencia con otros cautivos donde el triunfador se mantendrá con vida y recibirá algunos beneficios, como elegir un trabajo y una rebanada más de pan en cada reparto.
“El triunfo del espíritu” es exitosa en la presentación de los horrores del Holocausto, pero en forma superficial. Las familias son separadas, las caras conocidas desaparecen y los amigos son asesinados arbitrariamente. Es problemático para ver ciertamente pero hay una cercanía emocional con cada uno de los personajes.
PETER TRAVERS
“El triunfo del espíritu” es la historia real de un boxeador griego que sobrevivió combatiendo entre la vida y la muerte sobre un ring en Auschwitz. El productor Arnold Kopelson (Pelotón), pasó siete años desarrollando para la pantalla la historia escrita por Shimon Arama y Zion Haen, ante la indiferencia de los estudios.
Los autores no se centraron en la rebelión que culminó con la destrucción de uno de los crematorios de Auschwitz y la muerte de los rebeldes sino que lo hicieron en Salamo Arouch (Willem Dafoe), su familia y amigos incluyendo su amor por Allegra (Wendy Gazelle).
Las escenas de los combates no llegan sino a los 45 minutos, lo que hace que el film sea algo lento. En su mayor parte el film está dedicado a relatar la historia del Holocausto en una versión que, salvo caracteres distintivos, realza imágenes selectas. La película es breve en diálogos pero rica en imágenes.
Esta película, la primera filmada enteramente en Auschwitz, relata la historia real de Salamo Arouch, el campeón peso mediano griego de origen judío de la región de los Balcanes, que sobrevivió dos años de internación en el campo, ganando más de 200 combates organizados por sus captores nazis. Los derrotados eran enviados a la cámara de gas…
Arouch, que dirigió después de la guerra una empresa marítima en Israel, fue consultor de la película.

(Se proyectará en jueves 14 de mayo de 2009 a las 18.30 en el Museo de la Shoá, Montevideo 919, Buenos Aires)

PAISAJE DESPUES DE LA BATALLA (1970)

2009-04-26T14:27:00.000-07:00

Título original: Krajobraz po bitwie
Origen. Polonia. Duración: 101 min.
Color. Idioma: polaco, inglés. Subtitulado
Nominada Palma de Oro, Festival de Cannes 1970
CREDITOS
Dirección: Andrezj Wajda
Guión: Andrezj Brzozowski sobre relatos cortos de Tadeusz Borowski
Música original: Zygmunt Konieczny
Fotografía: Zygmunt Samosiuk
Edici+on: Halina Prugar-Ketling
Diseño de producción: Jerzy Szeski
Escenografía: Leonard Mokicz
Vestuario: Jerszy Szeski, Renata Wlasow
Maquillaje: Halina Ber
Sonido: Eugeniusz Maciaszek
PROTAGONISTAS
Daniel Olbrychski (Tadeusz)
Stanislawa Celinska (Nina)
Aleksander Bardini (Profesor)
Zygmunt Malanowicz (Sacerdote)
Tadeusz Janczar (Karol)
Leszek Drogosz (Tolek)
Stefan Friedman (Gitano)
Jerzy Zelnik (Comandante americano)
COMENTARIO
La película comienza con la liberación de un campo de concentración, donde jubilosos prisioneros corren hacia los campos cubiertos de nieve, rompiendo las ventanas de las barracas donde estuvieron encerrados, quitándose impulsivamente sus trajes del campo y echándolos a pozos de fuego, quemando as de esta manera los símbolos de su degradación como seres humanos y regocijándose con la llegada de las tropas aliadas.
Un pragmático intelectual y joven poeta, Tadeusz, observa distraídamente el espectáculo y lucha por retener sus libros que ha logrado esconder durante el caos. Pero detrás del constante movimiento de prisioneros liberados que están siendo reubicados en otros lugares y manifestaciones difundidas por un simpático pero culturalmente ingenuo oficial supervisor, los cambios en las austeras vidas de los prisioneros no han de ser grandes.
Incapaces de regresar a sus patrias, los prisioneros permanecen indefinidamente detrás de los portones y alambrados, de límites patrullados por fuerzas de seguridad. Tadeusz piensa, reflexionando ante la cámara, que la guerra terminó y 1945 pasó mientras estamos mantenidos detrás de alambrados de púas. Los victoriosos tienen miedo de esta gente y los mantienen y guardan muy bien para que no afecten su libertad.
Profundamente alterados por las atrocidades y horrores vividos y enfrentando un futuro incierto lejos de sus patrias, los prisioneros quedan reducidos al egoísmo destructivo y conductas inmorales: alcoholismo, favoritismo en el reparto de alimentos, seducción y a veces explotación de las mujeres vulnerables que llegan al campo. Entre ellas se encuentra una estoica y desilusionada Nina, que encuentra en Tadeusz cierta dosis de afecto. Pero como los protagonistas luchan para reconciliarse con su profunda pérdida e inercia emocional, ¿podrán amar y sobrevivir humanamente en el marco de su restricta libertad y el incierto futuro en la Polonia de la postguerra?
Basada en los relatos “La batalla de Grunwald” y “”Señoras y señores, este camino para el gas”, del sobreviviente de los campos Tadeus Borowski, la película es un cáustico retrato del desarraigo cultural y la alienación de la generación polaca de la postguerra. El director refleja el sentimiento de inercia, angustia y pesimismo de una generación desplazada, obligada a vivir un largo exilio mientras su nación lucha para reconstruirse bajo la incierta y turbulenta época soviética, controlante de la Polonia comunista.
Por medio de repetidas muestras de deshumanziación, degradación y barbarie, Wajda desarrolla un incisivo comentario y un cauto relato de la supresión de lass libertades personales y la propagación de una ideología destructiva, creadora de la atmósfera de la Guerra fría.

Se proyectará en el Museo de la Shoá, Montevideo 919, Buenos Aires, el jueves 28 de mayo de 2009, a las 18.30

EL ULTIMO TREN A AUSCHWITZ

2009-04-05T14:19:00.000-07:00

Título original. Der letzte zug
Origen. Alemania / República Checa. Duración: 123 min.
Color. Idioma: alemán, polaco. Subtitulada
Filmada en Berlín, Dusseldorf, Colonia, Lituania
Premio Estado de Bavaria 2007, Joseph Vilsmaier-Dana Vavrova
CREDITOS
Driección: Dana Vavrova, Joseph Vilsmaier
Guión: Stephen Glantz, Artur Brauner, sobre su historia
Producción: Artur Brauner, Alice Brauner, Wolf Brauner, Ivo Pavelec
Música original: Christian Heyne
Fotografía: Helmfried Kober, Joseph Vilsmaier
Edición: Uli Schon
Casting: Artur Brauner, Miroslava Hyzikova
Diseño de producción: Miroslav Schwarz
Vestuario: Jarmila Koecna
Maquillaje: Josef Lojik, Rene Stejskal
Sonido: Nico Krebs
Efectos visuales: Petr Masek, Boris Masnik, Andrej Vavrena
PROTAGONISTAS:
Gedeon Burkhardd (Henry Neumann)
Lale Yavas (Lea Neumann)
Lena Beyerling (Nina Neumann)
Sibel (Kekilli (Ruth Zilberman)
Roman Roth (Albert Rosen)
Brigitta Grothum (Gabrielle Helmann)
Hans-Jurgen Silberman (Jakob Noschik)
Sharon Brauner (Erika Friedlich)
Juraj Kukura (Dr. Friedlich)
Ludwig Blochberger (Crewes)
Vojtech Kotek (Izzy Perles)
Csongor Kassai (Avram Perles)
Magdalena Sidonova (Sylvia Perles)
Nina Diviskova (Rosa Wasserstein)
Stanislaw Zindulka (Samuel Wasserstein)
Jan Banik (Aron)
COMENTARIO
Alemania en 1943. La deportación de los judíos de Berlín a Auschwitz y otros campos de exterminio ha sido resuelta . La ciudad debe quedar “judenfrei”. Después de la deportación de 70.000 judíos, un transporte con 688 personas parte de la estación de Grunewald rumbo a Auschwitz. Entre ellos se encuentra la familia de Henry Neumann, un boxeador profesional, una joven pareja que se había ocultado pero fue encontrada, un médico, un antiguo actor de cabaret y su esposa pianista y muchos más.
Custodiados por un sádico oficial de las SS y tropas alemanas y finalmente ucranianas, encerrados en un vagón de ganado, el viaje habría de durar seis días, sin comida y sin agua y la muerte o suicidio de varios deportados.
Apenas iniciado el viaje, el grupo en el vagón se intenta organizar y pronto se destacan aquellos que no aceptan resignadamente su destino y aquellos que esperan que un milagro ocurra y los salve.
Después del fracaso de varios intentos, apenas dos personas logran huir durante el viaje, saliendo del vagón por un agujero hecho en el piso y recibiendo la ayuda de la resistencia polaca, que todas las noches esperaba en la última estación antes de Auschwitz que alguien lograra escapar, para salvarlo. Otros, van muriendo por el hambre, la sed o se suicidan ante la desesperación. Pero todo es inútil. El convoy llega finalmente a Auschwitz.
El mayor mérito de esta película es mostrar, como ninguna otra, el desarrollo del terrible viaje a la muerte, las sensaciones de los viajeros, los dilemas, los conflictos entre ellos. En definitiva, su carácter de seres humanos…

Se proyectará en el Museo de la Shoá, Montevideo 919, Buenos Aires, el jueves 7 de mayo de 2009 a lass 18.30 hs.

NO TODOS FUERON ASESINOS

2009-04-04T16:38:00.000-07:00

Título original: Nicht alle waren Mörder
Origen: Alemania. Duración: 92 min.
Color. Idioma: alemán. Subtitulado
Filmada en Berlín y Wroclaw
CREDITOS
Dirección: Jo Baier
Guión: Jo Baier, sobre el libro de Michael Degen
Producción: Gerhard Hegele, Nico Hoffman
Música original: Enjott Schneider
Fotografía: Gunnar Fuss
Diseño de producción: Klaus-Peter Platten
Dirección artística: Matthias Klemme
Escenografía: Klaus-Peter Platten
Diseño de vestuario: Ute Hofinger
Sonido: Friedrich M. Dosch, Philipp Sellier
Efectos especiales: Michael Apling, Thomas Schauer, ADolf Wojtinek
Efectos visuales: Denis Behnke, Frank Berbert, Sacha Bertram, Sven Martin, Tilman Paulin, Ingo Putze
Filmada en locaciones de Berlín, Alemania y Wroclaw, Polonia.
PROTAGONISTAS
Aaron Altaras (Michael Degen)
Nadia Uhl (Anna Degen
Hannelore Elsner (Ludmilla)
Dagmar Mantel (Martchen)
María Simon (Lona)
Richy Muller (Hotze)
Axel Pral. (Redlich)
Katharina Thalbach (Oma Teuber)
Mera Ninidze (Oficial rusa)
COMENTARIO
Basada en las memorias de la infancia del actor Michael Degen, la película se ocupa de la lucha cotidiana por la supervivencia como judío en la Alemania nazi. Después de la muerte de su padre en 1940, luego de ser liberado del campo de concentración de Sachsenhausen, Michael y su madre comenzaron a temer por su propia deportación. Intentaron entonces vivir en Berlín bajo identidades y documentación falsas y ocultados por varias personas, frecuentemente también en condiciones críticas como ellos.

MICHAEL DEGEN – Biografía
Nació el 31 de enero de 1932 en Chemnitz, Alemania. Logró sobrevivir a los horrores del nazismo junto a su madre, ocultos entre amigos que tenían en Berlín, mientras que su padre había sido deportado al campo de concentración de Sachsenhausen, donde muró poco después del estallido del a guerra.
En 1999 publicó su aclamada autobiografía “Nicht alle waren Mörder - Eine Kindheit in Berlin" (No todos fueron asesinos . Una infancia en Berlín)
Después de estudiar actuación, debutó en el Teatro Alemán en Berlín y en las décadas siguientes colaboró con algunos de los más importantes y prestigiosos directores en Alemania como Bertolt Brecht, Rudolf Noelte y Peter Zadek
Está casado en terceras nupcias. Su segunda esposa fue la actriz Dora Degen Borkoff, con quien tuvo dos hijos, Adina y Jakob Degen. De su primer matrimonio tiene también dos hijos. La actriz Elisabeth Degen y Gabi Degen.

(Se proyectará el jueves 30 de abril en el Museo de la Shoa, Montevideo 919, Buenos Aires, Argentina.18.30 hs)

LA OLA (2008)

2009-01-27T06:22:00.000-08:00

Título original: Die welle
Origen: Alemania. Duración: 101 min.
Color. Idioma: alemán. Subtitulado
EQUIPO TECNICO
Dirección: Dennis Gansel
Guión: Dennis Gansel , Peter Thorwarth sobre la novela de Todd Strasser
Protagonistas: Jurgen Vogel, Frederick Lau, Max Riemelt, Jennifer Ulrich, Christiane Paul, Jacob Matschenz, Cristina do Rego, Elyas M´Barek.
Producción: Christian Becker, Nina Maag, Martin Moszkowicz, Peter Schiller
Música original: Heika Maile
Fotografía: Torsten Breuer
Filmada en locaciones en Berlín
COMENTARIO
Dennis Gansel ya demostró en "Napola" que le interesan los jóvenes y la atracción que pueden ejercer en ellos las ideologías totalitarias. Éste es justamente el tema de La ola, aunque situado en un contexto contemporáneo en vez de nazi. La trama gira alrededor de Rainer Wenger, un carismático profesor de instituto que ansiaba dirigir un proyecto educativo en torno a la anarquía; un profesor se le ha adelantado, y debe conformarse con abordar en su clase la autocracia. Relacionándolo con el surgimiento de dictaduras, el fascismo y el nazismo, Wenger articula unas sesiones muy prácticas, en que presenta los elementos que explican su atractivo: espíritu de grupo, ideales comunes, ayuda mutua, uniformes y parafernalia exterior... Un día les pide que vengan todos con vaqueros y camisa blanca, o que diseñen un logo, o que... Los chicos empiezan a entusiasmarse con ese movimiento que denominan "La ola". Parece que ganan en autoestima y espíritu de iniciativa. Pero puede que dicha "ola" se transforme en "tsunami", un caldo de cultivo de actitudes violentas, abuso de poder y desprecio de las minorías.
Se puede decir que la trama de este film está mejor planteada que resuelta, es una pena que Gansel y Peter Thorwarth que adaptan a la Alemania de hoy una novela de Todd Strasser -la acción del libro ocurre en Estados Unidos-, no hayan ideado un final más redondo. La idea tiene pegada y se presta al debate, y advierte no sólo de los peligros de determinadas ideologías, sino también del adocenamiento juvenil, que se aburre soberanamente con su droga, su alcohol, su sexo y sus fiestas, y que necesita algo más. También es sugerente el dibujo del profesor protagonista, que pierde el control del experimento, y que no toma todas las medidas necesarias para que las aguas vuelvan a su cauce, por pura vanidad; entre los personajes de los estudiantes, algunos interesan más que otros, y el destino que aguarda a alguno se ve venir. Gansel imprime a la narración un ritmo dinámico, muy "heavy", tanto en las actividades clandestinas de los chicos, como en esas clases que galvanizan al alumnado y en los partidos de waterpolo (www.decine21.com)
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La autocracia, las dictaduras y el fascismo en todas sus formas son amenazas siempre latentes para los países democráticos y, por desgracia, constituyen todavía hoy el régimen político en no pocos estados de nuestro mundo. Las atroces consecuencias del auge y éxito de los fascismos en Europa en los años treinta del pasado siglo y de bastantes dictaduras, algunas de ellas disfrazadas de populismo y supuesto socialismo, han planteado la pregunta de cómo fue posible que poblaciones enteras con educación formal obligatoria no sólo llevarán al poder a estos movimientos, sino que luego los defendieran con celo enfervorizado. Se han dado toda clase de respuestas, desde culpar a los medios de comunicación, convertidos en instrumentos de propaganda ideológica, hasta la fascinación de las masas por el caudillaje en su versión mesiánica.
La ola, aborda este tema desde una perspectiva narrativa pero claramente didáctica. Inspirándose en el experimento que realizara en California en 1967 el investigador norteamericano William Ron Jones (relatado en su ensayo The Third Wave) y en el guión de Johnny Dawkins para un telefilme del mismo título de 1981, se nos cuenta la semana en la que un profesor de instituto, querido y respetado por sus alumnos, se ve obligado a impartir un curso, optativo, sobre la autocracia.
Aunque es hombre más proclive a la anarquía que a los regímenes totalitarios, se propone mostrar a sus alumnos las claves que convierten a una colectividad en pasto fácil para los dictadores. Aprovechando los sentimientos de carencia e insatisfacción de los muchachos, su necesidad de socialización grupal (un equipo donde encontrar seguridad, confianza y compañerismo), su deseo de ser respetados y temidos, el profesor Wenger pone en marcha un mecanismo, un movimiento, «la Ola», que muy pronto (en escasos cuatro días) se le va a ir de las manos y que, al estilo de La sociedad de los poetas muertos, acabará trágicamente porque los más débiles del aula sublimarán sus trastornos personales en la pertenencia y militancia en esa tropa y en ese líder al que van a sacralizar rápidamente.
La película juega al paralelo con el equipo de waterpolo del que es entrenador el mismo docente Rainer Wenger. No consigue ni coordinación entre sus miembros ni victorias en los partidos. Basta que la Ola «apadrine» al equipo para que el siguiente encuentro se convierta en un campo de batalla tanto dentro de la piscina como en el graderío, y los jugadores y espectadores den pruebas de una agresividad casi asesina. El profesor descubre, también él, que le gusta el ascendiente conseguido entre los chicos en tiempos en que la docencia para sus profesionales suele resultar un oficio penoso. El guión y el film está bien trabado y escalonado, pero siempre parece demasiado fácil y «mágico» que un puñado de adolescentes, que por lo general están muy poco interesados en la problemática de sus maestros, se conviertan de la noche a la mañana en unos dóciles combatientes a las órdenes de un líder que es su profesor y les supera en bastantes años. En especial, se hace inverosímil la rapidez con que aceptan el uniforme, aunque sólo se traten de camisas blancas. También la relación que mantiene el docente con su pareja, profesora del mismo centro, resulta escasamente convincente tal como se presenta.
A pesar de todo, la película discurre con buen ritmo, las secuencias son lógicas y la rapidez narrativa impide al espectador durante la proyección un distanciamiento crítico o el rechazo de las ingenuidades que contiene la trama. Sin embargo, hay que estar de acuerdo con el mensaje que se nos transmite. En efecto, la manipulación de los grupos y colectividades está a la orden del día y no pocos políticos y personalidades la cultivan con asiduidad apoyándose en todos los medios a su alcance. Siempre es positiva la revelación de algunos de los mecanismos que se utilizan para esta instrumentalización interesada de las masas. Y, en este sentido, el film es diáfanamente didáctico y defendible en tan noble propósito. No cabe duda de que resulta un material complementario de gran utilidad para debatir en clase.

En California, en 1967, un profesor de instituto realizó un experimento en su clase. Les convirtió en una unidad, eliminando sus identidades. Pronto el experimento se convirtió en un movimiento que empezó a autoespiarse, acosar a los que no formaban parte de él… El profesor puso fin al experimento.
Esta historia real es la base desde la que parte una novela de Todd Strasser, en la que a su vez se basa esta película alemana que demuestra que se puede insistir en un tópico nacional y hacer buen cine a la vez. La película lleva el experimento a un instituto de la Alemania actual. Allí los alumnos niegan que un nuevo movimiento autocrático pueda repetirse, pero pronto se ven unidos por “la Ola”, y llenan la ciudad de símbolos, crean su web oficial, su página de MySpace… el experimento se desborda, y algunos de ellos comienzan a luchar contra él. Jürgen Vogel encabeza un reparto en el que destaca sobre una buena representación de jóvenes talentos alemanes.
En su afán de demostrar cómo afecta “la ola” a demasiados personajes no se desarrollan lo suficiente algunos, ni tampoco se realiza un análisis más profundo del tema de fondo. Algunas reacciones de los chicos resultan poco verosímiles y forzadas. Y, además, el desenlace resulta demasiado predecible, especialmente cuando nos adentramos en la última media hora de película. Sin embargo, agujeros de guión aparte, el resultado es verdaderamente sólido, y muy recomendable. (www.cinemaspop.net)

ENTREVISTA CON EL DIRECTOR DENNIS GANSEL.

Después de hacer "Napola", has vuelto al tema de la Alemania Nazi en La Ola. ¿Es una coincidencia o se trata de uno de tus temas favoritos?

Siempre me ha interesado mucho este tema. Las preguntas de si el fascismo puede ocurrir de nuevo, de cómo funciona el sistema fascista, de cómo la gente puede dejarse llevar, tienen un gran interés para mi. Supongo que tiene algo que ver con mi propia historia familiar. Mi abuelo fue un oficial del Tercer Reich, un hecho con el que mi padre y mis tíos han tenido grandes problemas. De joven solía preguntarme cómo me hubiera comportado en una situación como aquella. En "Napola", indagué una respuesta a ese interrogante, “¿Cómo eran las cosas entonces? ¿Cómo engañaron los Nazis a la gente?” En La Ola, la pregunta es “¿Cómo se nos podría engañar de nuevo hoy? ¿Cómo podría funcionar el fascismo hoy de nuevo? ¿Sería posible? ¿Podría algo así suceder aquí y ahora en una escuela normal?” ¿Qué era lo que tanto te fascinaba del experimento de La Tercera Ola como para hacer una película de ello? Recuerdo perfectamente la primera vez que leí la novela. La primera pregunta que te haces cuando la lees es, por supuesto, “¿Qué habría hecho yo? ¿Habría seguido la corriente?,” y por supuesto te respondes que aquello era otra época, eran los 60 en Estados Unidos, pero que no podría ocurrir algo así en la Alemania actual, de ninguna manera. Pero creo que hay algo más. Ese fue nuestro punto de partida, situémoslo en la Alemania de hoy ya hagámonos la pregunta de si podría suceder de nuevo.

¿Cómo investigaste la historia?

Bueno, teníamos las notas originales de Ron Jones, claro. Así que teníamos una idea bastante fiel de cómo fue el experimento. Pero una vez que decidimos reubicar la historia en la Alemania de hoy, eso supuso reimaginaria como una historia alemana, con un entorno específicamente alemán. Ya que ambos crecimos en entornos parecidos, decidimos hacerla en una escuela muy similar al tipo de escuela al que fuimos. En esta película hay personajes con los que realmente fui a la escuela, al igual que Peter Thorwarth. Hay profesores que nos hubiera gustado tener y otros que realmente tuvimos. Conservar una perspectiva de mundo real fue una gran ayuda. A partir de ahí desarrollamos la historia basándonos en estos personajes. El modo en el que nos lo habíamos imaginado, lo que habrían hecho en ciertas situaciones, y dejar que las cosas se desarrollaran desde ahi de forma natural.

¿Dirías que el éxito del experimento depende de la popularidad y aceptación del profesor?

Desde luego ayuda tener una personalidad carismática. Alguien que realmente sea un líder, con capacidades reales de liderazgo, que pueda persuadir a la gente, a quien los alumnos admiren. Creo que el sistema fascista es tan pernicioso psicológicamente que fácilmente puede en cualquier otro sitio y momento. Le das a gente que antes no tenía voz una parcela de responsabilidad. Formas una comunidad. Eliminas las diferencias individuales, dándole a todos la oportunidad de distinguirse. Creo que eso es algo que puede funcionar en cualquier lugar. Especialmente en algo como el sistema escolar, y eso lo sabe cualquiera que haya ido al instituto: están los chicos populares, los líderes sociales, los que están arriba y luego un montón de gente que son más o menos tímidos y en quienes no te fijas. Estoy seguro de que si de repente le das la vuelta a un sistema como ese, ocurriría de nuevo.
Nuestra sociedad se define por el individualismo. ¿Es la necesidad de sobresalir de la multitud lo que hace que un experimento como La Ola sea posible?Cuando era joven, siempre deseaba tener algo con lo que identificarme. Envidiaba a mis padres por haber tenido el movimiento estudiantil de los 60, en el que todos tenían unas metas comunes, intentando cambiar el mundo y todo eso. Crecí en las décadas de los 80 y los 90, cuando ya había miles de movimientos políticos pero sin dirección real. Nada que te excitara realmente. Eso es algo que echaba de menos de veras. Creo que los chavales de hoy se sienten de la misma manera. No podemos definirnos solamente a través de la ropa y la música, creo. Pienso que la gente tiene una necesidad mayor de sustancia, una necesidad que crece más fuerte. La tendencia hacia el individualismo y la atomización completa de la sociedad en grupos muy reducidos no puede seguir indefinidamente. En algún momento se producirá un gran vacío. Ahí es donde reside el peligro de que otro régimen totalitario intente llenar ese vacío.

Ron Jones esta encantado con La Ola. ¿Qué significa esto para tí?

Evidentemente, para nosotros significa mucho. Él es el punto de partida, el creador del experimento original. La mayor parte de la historia se basa en sus propias experiencias. Decidimos hacer que Rainer (Jürgen Vogel) y su mujer (Christiane Paul) vivieran en un bote casa, y que su esposa fuera igualmente profesora, e introducir un elemento de conflicto entre ellos. Cuando le enseñamos algunas de las escenas a Ron Jones nos dijo: “¡Es increíble! Yo vivía en una casa en un árbol y tuve conversaciones idénticas con mi mujer” Realmente no teníamos forma de saber aquellas cosas, simplemente escribimos las escenas de forma intuitiva. Al escribir el guión, dimos con escenas que realmente se correspondían con vivencias reales de Ron Jones en los 60. Para nosotros fue increíble, claro, porque aunque estábamos hacienda una película de ficción, siempre intentas ser lo más realista posible con los personajes, y con todo lo que ocurre en el plano psicológico. Así que tener a Ron Jones diciendo que la historia es creíble al cien por cien es el mayor de los halagos

ENTREVISTA CON EL PROTAGNISTA JURGEN VOGEL

Durante el experimento, Ron Jones notó una profunda necesidad de conformidad en sus alumnos. ¿Crees que eso sigue vigente en nuestra sociedad moderna e individualista?

Creo que pertenecer a algún tipo de grupo sigue siendo muy importante hoy día. Especialmente ahora que las familias se desmoronan, cuando cada vez son menos las familias tradicionales y grandes con abuelos, tíos y demás. Tenemos un profundo anhelo de sentir pertenencia, no para sacrificar la individualidad, sino para que encontrar gente con la que identificarte. Alguien por quien estar dispuesto a dejar de lado el ego. Por ejemplo, te puedes sentir muy vinculado con Greenpeace, me refiero a que se trata de individuos con sus propias personalidades, pero que sienten la necesidad de sentir que forman parte de algo más grande que ellos mismos. Creo que esa es una necesidad humana básica. Y que se presta al abuso, claro, pero que fundamentalmente no se trata de algo malo.

¿Según el punto de vista de Rainer cómo fue el experimento?

El experimento cobra vida. Inicialmente se trata de crear un espíritu de equipo, algo que todos conocemos ya del mundo de los deportes. La pregunta es, una vez que aceptas la disciplina y la jerarquía, ¿qué puedes hacer con ellas? ¿Cómo usas este sistema? Puedes adoptar diferentes rumbos, hacia la izquierda o la derecha, pero al final se trata del abuso de poder y de la manipulación, y eso es lo que lo que lo hace peligroso, da igual que ideología haya detrás. Para empezar, Rainer realmente no tiene ideología, excepto el valor que le da al espíritu de equipo, pero todo lo que ocurre escapa a su control.

¿Alguna vez te has preguntado qué hubieras hecho tú en un experimento como este?Estoy convencido de que algo como La Ola le podría ocurrir a cualquiera en cualquier sitio. Así que realmente no me hice esa pregunta, es algo que todos hemos visto demasisado a menudo y a muy diferentes niveles: manipulación de masas, las formas en las que distintos grupos reaccionan entre sí, lo que hay que hacer para deshacerse de la gente que causa problemas, reintegrarlos o aislarlos. El profesor original, Ron Jones, encontró similaridades entre tu y él mimos. ¿Las compartes?Ron Jones es un gran tipo que ha hecho cosas increíbles en su vida. Por ejemplo, creo que es genial que aún siga tocando en grupos de punk, así que me halaga que él crea que soy como él.

RESISTENCIA (2008)

2009-01-27T06:02:00.000-08:00

Título original: Defiance
Origen: Estados Unidos. Duración: 120 min.
Color. Idiomas: inglés, ruso. Subtitulado
EQUIPO TECNICO
Dirección: Edward Zwick
Guión: Clayton Frohman / Edgard Zwick, en base al libro “Defiance: the Bielski Partisans” de Nechama Tec.
Protagonistas: Daniel Craig, Liev Schreiber, Jamie Bell, Alexa Davalos, Allan Corduner, Mark Feuerstein, Tomas Arana, Jodhi May, Kate Fahy, Ido Goldberg, Iben Hjele, Martin Hancock, Ravil Izyanov,George MacKay, Sam Spruell, Mia Wasikowska
Producción: Akex Breden, Pieter Jan Brugge, Alisa Katz, Andrew Litvin, Troy Putner, Roland Tec, Gary Tuck, Edward Zwick
Música original: James Newton Howard
Fotografía: Eduardo Sierra
Filmada en locaciones de Lituania, por la Bedford Falls Company
COMENTARIOS
La verdadera historia de los cuatro hermanos Bielski, en los años de la Segunda Guerra Mundial, en la Bielorrusia que los nazis se esfuerzan por conquistar. Tras el asesinato de sus padres, con la despreciable ayuda de colaboracionistas locales, Tuvia Bielski se refugia en el bosque con sus tres hermanos, asumiendo el liderazgo de una pequeña comunidad judía, que irá creciendo con el paso del tiempo. La supervivencia es la meta, y el enemigo no sólo es el alemán invasor, también el gélido invierno y el hambre causan estragos. Se imponen estrictas reglas: todos deberán ocupar su tiempo y realizar tareas que redunden en beneficio del grupo, de acuerdo con su conocimiento; prohibido tener niños, en esas penosas condiciones, serían una carga insoportable; hay que atenerse a una férrea disciplina. Por supuesto, atenerse a todo ello no es fácil, y surgirán los desacuerdos. Así, Zus Bielski prefiere la lucha directa con los alemanes, y abandonará al grupo para unirse al ejército ruso como partisano, experto en actos de sabotaje. Edward Zwick, el director, se ha convertido en un auténtico especialista en filmar películas bélicas, con el notable mérito de que las acciones de combate las pueda entender hasta el espectador menos avezado: Esta película logra incluir vibrantes escenas guerreras, como la del bombardeo del bosque, o la del grupo de soldados atrapado entre dos fuegos; la del ataque nocturno de un puesto alemán, con planos breves y ralentizados de un modo muy original, sorprende positivamente. Sin duda que la pericia del director de fotografía Eduardo Sierra y la partitura musical con mucho violín de James Newton Howard contribuyen, y mucho, al buen resultado de los pasajes de guerra. Pero no sólo de buenos momentos de acción bélica vive el género, y Zwick y su coguionista Clayton Forman saben además construir una historia razonable y humana, evitando las concesiones que podrían rebajar la realidad de que la guerra es un completo horror, que embrutece y degrada. Es cierto que al principio la larga narración avanza con un tono algo frío, poco emotivo, y que los hermanos se introducen de modo algo brusco. Pero poco a poco se van perfilando los mimbres de una historia que, aunque algo cansina, es sólida. Así, se pinta a los personajes y los dilemas que deben arrostrar, sobre todo a los tres hermanos con mayor presencia, los mentados Tuvia y Zus – Daniel Craig y Liev Schreiber - que están bien, sabiamente contenidos-, más Asael – Jaime Bell -. Y con verismo, se incluyen situaciones en que puede la sed de venganza sobre otras actitudes tan necesarias como el perdón y la compasión; a la hora de ejercer el mando, se toman decisiones muy crueles, que incluyen la muerte, y también se producen momentos en que las fuerzas flaquean; lo referente a la no-procreación tiene el contrapunto de un impactante caso límite, que introduce la necesaria humanidad en una norma muy cuestionable; la fe del elegido pueblo judío convive con la desesperanza, reflejada en la triste oración del rabino. También, con unas pocas pinceladas, las justas, se apuntan las relaciones amorosas que protagonizan los hermanos (Basado en www.decine21.com).

REFERENCIA HISTORIA
Tuvia Bielski pertenecía a una familia campesina de Stankiewicz, cercana a Novogrudok. A los 17 años ingresó al movimiento de pioneros sionista y en 1928 fue movilizado para el ejército polaco, donde alcanzó el grado de capitán. Se casó en 1930 y se asentó en la aldea de Subotnik, donde abrió un comercio en textiles. En septiembre de 1939, el área fue anexada a la Unión Soviética.
Cuando se produjo la invasión alemana en junio de 1941, Bielski fue movilizado. Al invadir los alemanes la región, huyó a los bosques y de allí a su lugar de nacimiento. Después de que sus padres y otros integrantes de la familia fueran muertos en el ghetto de Novogrudok, Bielski y sus hermanos Zusya, Asael y Aaron escaparon a los bosques. Habiendo conseguido armas, crearon un grupo de partisanos, integrado mayormente por miembros de la familia. Elegido Tuvia comandante, envió emisarios a los ghettos de la vecindad, convocando a los judíos a unirse a su grupo. Cientos de ellos, hombres, mujeres y niños, afluyeron al campamento de Bielski creciendo su grupo de partisanos diariamente, entre ellos, los judíos de Diatlovo.
Bielski aprendió a combatir según la forma partisana y consideró la salvación de vidas judías como un objetivo supremo. Su banda inspiraba terror en la región de Novogrudok, cuando se vengó de la policía bielorrusa y los campesinos que masacraban a judíos. Las autoridades alemanas ofrecieron una recompensa de 100.000 marcos a quienes ayudaran a capturarlo. Con la creación del grupo de partisanos judíos en los bosques de Naliboki, Bielski ganó la confianza de los partisanos soviéticos de la vecindad, especialmente de su jefe, el general Platon (Vasily Yehimovich Chernyshev).
Bielski se opuso a que sus 150 combatientes se unieran a los soviéticos, dejándolo con civiles refugiados en el campamento y para frustrar este intento, transformó su base en un campo de mantenimiento para los soviéticos. Su grupo no era una banda partisana en el sentido regular, sino un campamento familiar judío en el bosque, con una sinagoga, una corte de justicia, talleres, una escuela y un dispensario.
En el verano de 1943, iniciaron los alemanes una caza masiva en el bosque de Naliboki para destruir a las fuerzas partisanas, especialmente la de Bielski. Los partisanos retrocedieron a los sectores más densos del bosque y el comandante del área de Bielski le ordenó reducir su unidad e incluir solamente a los hombres solteros con sus armas; hombres casados, mujeres y niños debían abandonar el área donde estaba la unidad y no seguir a los combatientes al interior del bosque. Sabiendo que esta orden era una sentencia de muerte para los civiles de su grupo, Bielski la desobedeció y se dirigió al sector más tupido con toda su gente. Los combatientes protegieron a los civiles, hasta que pudieron salir y eludir a los alemanes que los rodeaban. En el verano de 1944, con la liberación del área, Bielski y sus 1.230 partisanos, conocidos como "Kalinin", marcharon hacia la ciudad de Novogrudek. Asael fue muerto en combate siendo soldado del ejército soviético en Königsberg, en 1944.
Después de la guerra, Bielski retornó a Polonia. El mismo año, 1945, se trasladó a Palestina y en 1954 emigró a Estados Unidos con sus dos hermanos sobrevivientes.

EL NIÑO CON EL PIJAMA A RAYAS (2008)

2009-01-27T05:10:00.000-08:00

Título original: The boy in the stripped pyjamas
Origen: Gran Bretaña / Estados Unidos. Duración: 94 min.
Color. Idioma: inglés. Subtitulado
EQUIPO TECNICO

Dirección: Mark Herman
Guión: Mark Hermann, sobre la novela de John Boyne

Música: James Horner

Fotografía: Benoit Delhomme

Protagonistas: Asa Butterfield, Zac Matón O´Brien, Domonkos Németh, Henry Kingsmill, Vera Farniga, Cara Horgan , Amber Beattie, Laszlo Aron, David Thewlis, Richard Johnson, Sheila Hancock, Attila Egyed, Rupert Friend
Filmada en locaciones en Hungría: en el orfanato Eot, Cementerio Kerepesi. Estudio Lloyd, Budaors, Mafilm, castillo Sacellary, Budafok, Zuglo, y en Budapest por la BBC Films, Heyday Films y Miramax Films

COMENTARIOS
Traslación a la pantalla de la novela de John Boyne, que ambientada en los años de la Segunda Guerra Mundial, describe el traslado de Bruno y su familia a una mansión cercana a un campo de concentración, de la que el padre ha sido nombrado comandante. Bruno es un niño de ocho años de poderosa imaginación, que se aburre en casa todo el día.. Es así como su atención es captada por lo que él cree que es una granja vecina, aunque muy rara ya que todos los trabajadores visten un poco convencional pijama de rayas. Ilusionado con ser explorador, y sin que lo sepan sus padres, logra acercarse a la alambrada del campo, donde conoce a un chico de su edad, Shmuel, internado ahí dentro. Ninguno de los dos entiende lo que ocurre, pero entre ambos, y en secreto, surge una amistad.
Se trata de una digna adaptación de la obra original, una especie de fábula cruel, cuya principal dificultad era preservar el punto de vista del niño, cuya ingenuidad aguanta el papel, pero que en imágenes podía resultar difícil de aceptar. Además, la sobrevalorada novela resultaba un tanto reiterativa en la acumulación de equívocos. Por todo lo dicho el director y autor del guión adaptado, Mark Herman, juega con la idea de que el pequeño protagonista se acerca un poco más al horror de la verdad, que lo que permitía traslucir el libro; también se amplía el protagonismo de la madre, de modo que también una adulta empieza a desembarazarse de su ceguera. El film se sigue con interés, sobre todo a través del niño, estupendo Asa Butterfield, y algo estereotipados el padre, un malvado nazi, o la simpleza con que es retratada la hermana (www.decine21.com)

La película es la escalofriante y conmovedora versión cinematográfica del best-seller escrito por John Boyne. Con un tono narrativo bastante ligero, el libro de Boyne plantea una fábula ingenua, centrada en la improbable amistad que surge entre Bruno, hijo de un comandante nazi, y Shmuel, un niño judío, detenido en un campo de exterminio. Boyne adopta un registro infantil en el mejor y también más restrictivo sentido del adjetivo. Pese a la desgarradora historia que nos transmite, hay en el texto un sesgo de cuento de hadas que contribuye a hacer difuso el horror.
A pesar que la película es una producción de Miramax, luce la marca de BBC Films. Esto último, sin duda, imprime carácter. Al igual que sucede con otros cineastas de la misma compañía, la realización de Mark Herman, un tanto fría, se aferra al clasicismo y sale bien parada y lo mismo cabe decir de la dirección artística: los decorados, construidos en Hungría, son excelentes y contribuyen a la verosimilitud del relato. En el reparto, sobresale Asa Butterfield en el papel de Bruno, que hace muy creíble a este niño introvertido, soñador y un tanto reacio a la doctrina que sostiene su familia. David Thewlis interpreta a su padre, un personaje en el que se alternan, sin aparente contradicción, la ternura, el refinamiento y la barbarie fanática. Pese a que su cometido es secundario, el verdadero triunfador del elenco es Rupert Friend, metido en la piel de un oficial de las SS que llega a helar la sangre del espectador.
En líneas generales, nos hallamos ante una película muy correcta, cálidamente alabada por la crítica británica, pero que tiene un inconveniente si pensamos en el espectador medio: la devastadora tristeza de su tramo final. Allí donde El pianista o La lista de Schindler dejan un resquicio para la esperanza y la redención del ser humano, El niño con el pijama de rayas plantea una lectura sincera, grave y definitivamente atroz del Holocausto. Tal como fue en realidad. (www.guzmanurrero.es)

ASPECTOS GENERALES
Berlín, década de 1940. Bruno, de ocho años, vuelve a casa después de jugar con sus amigos del colegio para descubrir una actividad febril: su padre, un oficial nazi, ha sido ascendido y su madre está preparando una fiesta. Bruno no entiende qué celebran ya que el nuevo destino de su padre es fuera de Berlín. Toda la familia tendrá que trasladarse al campo, obligándole a dejar la casa y los amigos que tanto adora. Su miedo a la soledad se confirma cuando la familia llega a su nuevo, aislado y siniestro hogar.
A Bruno le cuesta acostumbrarse a su nueva vida y se aburre cada vez más. No hay niños con los que jugar y su madre le prohíbe explorar los alrededores de la casa. Su hermana mayor, Gretel, no se molesta en hablarle: está demasiado ocupada con sus muñecas o hablando con uno de los hombres de su padre, el teniente Kotler. A Bruno le intriga la existencia de una especie de extraña granja que ve desde la ventana de su habitación, en la que todos sus habitantes parecen llevar pijamas de rayas. C uando intenta saber más cosas sobre la 'granja' le dicen que se olvide de ella y le prohíben acercarse por allí. Nosotros sabemos algo que Bruno no sabe, y es que la ‘granja´ es un campo de exterminio. Su madre también lo ignora. Cree que está viviendo junto a un campo de internamiento o de trabajo. Su marido ha jurado no revelar nunca su verdadero fin: una fábrica de matar diseñada para llevar a cabo la ‘Solución Final´, el exterminio sistemático del pueblo judío.
Bruno se hace amigo de Pavel, que trabaja en la cocina, que viste un pijama de rayas debajo del delantal. Mientras su madre está ausente de la casa, Bruno se cae del columpio del jardín y se hace un corte en la rodilla. Y es Pavel quien le cura la herida. Pavel le dice a Bruno que se dedicó a la práctica de la medicina y esboza una sonrisa cuando el niño le dice que no debía ser muy bueno si necesitaba practicar. T ras varias semanas dando vueltas alrededor de la casa, Bruno acaba desafiando a su madre y se cuela fuera de la casa por el jardín trasero en busca de aventuras. Deambula por los bosques y se topa con una alambrada. Al otro lado, un chico pequeño con un pijama de rayas está descargando escombros de una carretilla. Bruno está tan contento de haber encontrado alguien de su edad con quien jugar, que empieza a visitar todos los días a Shmuel, su nuevo amigo, sin decirle nada ni a sus padres ni a su hermana.
En las semanas siguientes, Bruno empieza a estar cada vez más inquieto por lo que ve y lo que escucha en casa y por lo que descubre en su vida secreta junto a la alambrada con Shmuel. Mientras su tutor le dice que los judíos son la encarnación del mal, su vínculo con Shmuel se va haciendo cada vez más fuerte. Es testigo de la brutal paliza que Pavel, el pinche de cocina, sufre a manos del imprevisible teniente Kotler. Además, su madre ha comenzado a darse cuenta de algunas cosas después de que una broma de muy mal gusto del joven teniente revele la verdadera fuente del nauseabundo humo que sale de las chimeneas del campo. Bruno también se siente algo confuso por los cambios que está sufriendo su hermana que, influenciada por las lecciones de su tutor y por la atracción que siente por el teniente Kotler, ha forrado las paredes de su habitación con propaganda nazi. El ambiente cada vez más enrarecido de su casa, junto con las historias que le cuenta Shmuel hacen que Bruno se pregunte si está sucediendo algo siniestro al otro lado de la alambrada, y si su padre es realmente el buen hombre que siempre había creído. Bruno se sorprende al ver a Shmuel limpiando la cristalería en su casa y le da un bizcocho, pero el teniente Kotler les sorprende juntos y acusa a Shmuel de robar comida. En lugar de defender a su amiguito del arrogante soldado, Bruno le dice al teniente Kotler que nunca había visto a Shmuel. Más tarde, atormentado por los remordimientos, Bruno visita varias veces la alambrada para pedir perdón a su amigo, pero el niño con el pijama de rayas no aparece. Cuando Shmuel vuelve por fin, su cara está marcada por una terrible herida causada por el puño del teniente Kotler, y Bruno siente una profunda lástima por él. Sin embargo, Shmuel le perdona y reanudan su amistad. Mientras tanto, la relación entre la madre y el padre de Bruno se ha vuelto tan tirante que su padre decide enviar a su familia a casa de una tía que vive en Heidelberg. El traslado, que Bruno había deseado desesperadamente desde que llegaron, es un duro golpe para él, ya que se da cuenta de que tendrá que separarse de su nuevo mejor amigo.
En uno de sus últimos encuentros, Bruno se entera de que el padre de Shmuel lleva tres días sin aparecer. Bruno promete ayudar a su amigo a buscar a su padre. Le parece una buena oportunidad para compensarle por haberle traicionado ante el teniente. El día del traslado a Heidelberg, Bruno se escapa para ver a Shmuel cargado con una pala y listo para embarcarse en una última aventura. Pero una vez que cruza la alambrada, Bruno se ve inmerso en una espeluznante carrera que decidirá su destino, el de su amigo y el de los inocentes que hay al otro lado de la alambrada.
EL ORIGEN DE LA PELICULA
Es una fábula cuya intención es proporcionar una perspectiva única sobre las consecuencias de los prejuicios, el odio y la violencia infligida a personas inocentes, particularmente en niños, en tiempos de guerra. A través de los ojos de un niño alemán de ocho años, a salvo de la terrible realidad de la guerra, somos testigos de la amistad prohibida que surge entre Bruno, hijo de un comandante nazi, y Shmuel, un niño judío preso en un campo de concentración. Aunque una alambrada les separa físicamente, las vidas de los niños acaba inevitablemente entrelazada.
“No es necesario decir que una historia de ficción que se desarrolla en el lugar y en el momento del Holocausto siempre levanta ampollas, y cualquier autor que decida escribir sobre este tema debe conocer muy bien cuáles son sus intenciones antes de empezar. Y puede que sea especialmente importante en el caso de un libro escrito para niños”, comenta John Boyne, el autor del libro. “A mí, un escritor irlandés de 34 años, me daba la sensación de que la única manera respetuosa de enfocar este tema era a través de la inocencia; una fábula contada desde el punto de vista de un niño ingenuo que no puede comprender los horrores del entorno en el que vive. Creo que esa inocencia es lo que mejor puede comprender alguien de mi generación en relación al horror de aquella época”.
Boyne continúa: “¿Qué sucede en este lugar?, se pregunta Bruno. ¿Por qué hay tanta gente al otro lado de la alambrada? Puede que sean preguntas sencillas, pero básicamente, ¿no son estas las preguntas que seguimos planteándonos hoy en día? Y puede que ese sea el trabajo de los escritores o de los artistas, seguir buscando respuestas, asegurarnos de que la gente sigue haciéndose preguntas para que nadie olvide nunca por qué tuvieron que formularse una primera vez.”
David Heyman, el productor de la saga de Harry Potter, llevaba tiempo interesado en la novela aunque fue el director y guionista Mark Herman quien compró los derechos del libro. Cuando él y Herman se reunieron y descubrieron que tenían ideas muy parecidas sobre el proyecto, decidieron trabajar juntos. Ambos reconocieron que una historia de ficción contada en el contexto del Holocausto podría ser muy polémica, pero a los dos les apasionaba la idea de llevar a la pantalla una historia dramática convincente y a la vez accesible con un mensaje importante y atemporal. Ambos estaban de acuerdo con Boyne en que cualquier intento de dilucidar el lado oscuro de la época nazi para las nuevas generaciones era tan legítimo como necesario: Nadie debería olvidar la historia ni repetirla.
“Cuando leí el libro, me imaginé inmediatamente la película”, afirma Mark Herman. “Pero también pensé que iba a ser muy complicado ya que se trataba de un material muy sensible”.
“Uno de los personajes de Graham Greene dice que el odio es falta de imaginación”, cuenta David Heyman. “Yo creo firmemente en ello, y también creo que la magnitud del Holocausto, toda la barbarie, el número de muertos, las vidas destrozadas... todo eso es imposible de medir, porque las cifras son realmente inconcebibles. Si intentas explicarle a un niño lo que ocurrió en una época no tan lejana, las cifras son demasiado elevadas para que lo entienda. Creo que John Boyne ha encontrado una manera increíblemente emotiva y efectiva de abordar el tema centrando su historia en dos niños y una familia”.
Heyman continúa diciendo: “Me atraen mucho las historias profundamente humanas, y ante todo esta es una historia humana. Aunque es una historia del Holocausto que se desarrolla en Alemania en la década de 1940, para mí, esta historia es intemporal. Con todos los conflictos que vivimos hoy en día, tanto en Ruanda, Somalia, Palestina, Israel, Darfur, Zimbabwe o Irak, me parece que esta historia es tan relevante ahora como en cualquier otro momento de la Historia. Nos ha tocado muy profundamente tanto a mí como a miles de lectores de todo el mundo. Esos niños tienen el potencial y la capacidad de superar las diferencias culturales e identitarias y de esta forma demuestran que los seres humanos pueden llevarse bien si nadie les anima a odiarse; que los gobiernos, las instituciones y los medios de comunicación pueden cultivar y cultivan el conflicto y la desconfianza. Son ideas muy actuales con una relevancia universal, y creo que esta historia las hace accesibles para todo el mundo”.
“El Premio Nobel Elie Wiesel dice que si no has estado allí, no escribas sobre ello”, comenta el autor John Boyne. “Y en cierto modo, estoy de acuerdo con él. Pero al mismo tiempo nos dicen que no debemos olvidar. Así que creo que a medida que van pasando las décadas, es responsabilidad de los artistas encontrar nuevas formas de contar esta historia, de recordar al mundo todas las personas que murieron. Si enfocas el tema sin explotarlo, intentando no trivializar sino contar la historia de otra manera para llegar a otro tipo de público, habrás logrado tu meta. A los niños que han leído mi libro siempre les digo: ‘Si te ha conmovido, si te ha interesado la historia de estos dos chicos, aquí tienes una lista de libros que deberías leer’. Y esos libros son de figuras como Wiesel, Primo Levi y Anna Frank, escritores que vivieron el Holocausto en sus propias carnes y que tienen autoridad moral para hablar sobre ello. Espero que los creadores actuales puedan lograr que los niños se interesen lo suficiente para querer leer otras cosas”.
Todos los miembros del equipo de producción que hay detrás de (El niño con el pijama de rayas) tenían muy claro que estaban rodando una historia de ficción y no un documental. Sin embargo, como el guión es histórico, todos fueron muy meticulosos a la hora de respetar el contexto en el que se desarrolla.
“Nos preocupaba muchísimo la autenticidad”, afirma Mark Herman. “Cuando estábamos realizando la adaptación, descubrí que los comandantes del campo de concentración juraban confidencialidad bajo amenaza de muerte para que sus actividades fueran del máximo secreto. Tenían prohibido contar a nadie, incluidas sus propias familias, en qué consistía su 'trabajo'. Esto fue de gran ayuda a la hora de escribir el guión, especialmente para explicar por qué el comandante no le había contado nada a su mujer sobre el programa de exterminio: Ella cree que se trata de un campo de trabajo y descubre la verdad por casualidad. Hoy en día, el público tiene la ventaja de saber lo que pasó en realidad, por lo que algunas cosas les resultarán obvias. Puede que los espectadores no comprendan que la mujer no lo supiese; estaba viviendo junto a un campo de concentración, así que tenía que saberlo. Pero algunas personas no sabían nada. En Auschwitz, por ejemplo, la mujer del comandante vivió prácticamente encima del campo durante dos años sin tener ni idea de que aquello era un campo de exterminio. Lo increíble de esta historia es que estos dos chicos, cada uno a un lado de la alambrada, no saben lo qué está pasando”.
“Mark ha hecho más hincapié en la historia de la familia al ofrecer el punto de vista adulto de la madre, que va descubriendo gradualmente lo que sucede en el campo. Esa parte de la historia está mucho menos desarrollada en el libro”, comenta la coproductora Rosie Alison de Heyday Films, que ha coordinado la documentación histórica de la película. “También ha añadido una película de propaganda nazi que descubrimos durante nuestro trabajo de documentación. Se trata de un repulsivo cortometraje de 14 minutos cuyo objetivo era mostrar cómo era la vida en los campos de concentración: actividades recreativas, comidas cordiales, caras sonrientes. Mark decidió rodar una versión de la película para que Bruno pudiera hacerse una idea de lo que era. De esa forma creía que sabía lo que pasaba en el campo ya que había visto el cortometraje. Esto hace que recupere por un momento la fe que tenía en su padre”.
Alison continúa: “Es una historia basada en hechos históricos, y la hemos tratado con el máximo respeto”, afirma. “Se trata de una historia contada de forma bastante indirecta. Casi hasta el final, todo lo que se ve es desde el otro lado de la alambrada, y lo que ocurre en el campo de concentración no se hace evidente hasta las últimas escenas. El aspecto más polémico de la película, y tal vez en el que nos hemos permitido cierta licencia artística, es la presencia de Shmuel en el campo de concentración. Esta es seguramente la parte de la película en la que la ficción y la realidad están más separadas, porque la terrible realidad es que la mayoría de los niños que llegaban a los campos eran asesinados de inmediato. Sin embargo, en 1944, en Auschwitz en particular, sobrevivieron algunos niños y hay casos aislados de niños a los que se mantenía con vida, tanto para realizar experimentos médicos con ellos como para trabajos específicos (como en el caso documentado de dos niños a los que se mantuvo con vida en Treblinka para dar de comer a los patos del estanque). Hay fotografías muy conocidas de niños supervivientes al llegar la liberación de los campos, pero es cierto que por lo general solían pasar directamente del transporte en el que llegaban a las cámaras de gas. Por eso la historia de Shmuel puede resultar algo inverosímil”.
“La Historia suele repetirse y creo que es muy importante que se hable de todos estos temas, como sea y por quien sea, siempre y cuando el contenido emocional sea real y verdadero”, afirma el productor David Heyman. “Esta es la historia de una familia normal, de gente normal que, a través de la ignorancia, la inocencia o una inquebrantable obediencia a la autoridad, independientemente de la crueldad de esa autoridad, encarna a la perfección la 'banalidad de la maldad' de Hannah Arendt. Espero que a la gente joven y al resto del público le llegue a emocionar la pelicula y así puedan comprender mejor el precio que se pagó por aquella tragedia y las consecuencias para los que vivieron aquella tragedia, ya sea sus autores como las víctimas.
La película la han realizado con gran honestidad y pasión personas que sienten un inmenso respeto y admiración por los que sobrevivieron, así como por aquellos que no lo hicieron. Creo que es muy importante mantener viva esta historia con el fin de que no se repita; cualquier paso que demos que pueda cambiar la visión del mundo de una persona merece la pena
REPARTO Y PERSONAJES
Dice el director Mark Herman: “Vimos a muchísimos jóvenes actores antes de decidir quién interpretaría a Bruno, el hijo del comandante del campo”. Yañade: “La primera película que recibí fue la de Asa Butterfield y fue la tercera persona a la que vi. Me pareció fantástico, pero seguimos buscando porque queríamos asegurarnos de que no nos dejábamos a nadie. Al final decidimos que sería él porque necesitábamos un niño que se comiese la cámara. Y Asa lo hace. Tiene la mezcla perfecta de inocencia y curiosidad que exige el papel, además de unos ojos penetrantes y observadores”.
“Mark me ayudó mucho diciéndome lo que tenía que hacer”, afirma el actor de 10 años Asa Butterfield. “Lo único que no me gusta de hacer películas es tener que repetir las escenas una y otra vez, ¡pero supongo que así son los rodajes!” Antes de trabajar en esta película, Asa ya sabía algo del contexto histórico de la película. “Sabía algunas cosas”, comenta. “Pero no sabía que se llamaba Holocausto. Casi me puse a llorar cuando leí el guión”.
Sobre el casting para Shmuel, el niño judío del otro lado de la alambrada, Herman comenta: “Vi a Jack Scanlon cuando el proceso de selección ya estaba bastante avanzando y habían pasado cientos de niños. Jack puede emocionar sin ser demasiado sentimental; tiene cierta dignidad natural. Pero era necesario comprobar que se producía química con nuestro Bruno antes de elegirle para interpretar el papel de Shmuel. Cuando reducimos el grupo de aspirantes a sólo tres, probamos diferentes parejas con Asa. Jack y Asa lo hacían muy bien juntos”.
Jack Scanlon, de ocho años, debuta en la gran pantalla en el papel de Shmuel. Su relato de esa época lo completa con una conclusión que demuestra que ha comprendido a la perfección la injusticia que vivieron las víctimas: “Los alemanes perdieron ante los ingleses en la Primera Guerra Mundial. Así que Hitler quiso vengarse cogiendo a todos los judíos y a la gente que estaba en contra de los alemanes metiéndolos en ‘guetos’. Luego los llevaron a los campos de concentración. Y Bruno cree que se debe a que los judíos son los que mejor trabajan. Pero en realidad, Hitler los interna para castigarles. Aunque no debería haber sido así, porque ¿qué mal han hecho?”
Para Gretel, el papel de la hermana de Bruno, Herman eligió a la joven actriz Amber Beattie. “Estuvo fantástica en las audiciones”, recuerda Herman. “Y al igual que Asa, Amber se convirtió en el modelo que sirvió de comparación para el resto de las candidatas. Pero ninguna consiguió superarla; se mantuvo en cabeza del pelotón durante todo el proceso. Amber es muy sincera, y al igual que Gretel, a pesar de que desprecia Bruno y se sienta atraída por la Juventud Alemana, a medida que la historia va desarrollándose, consigue ganarse nuestra simpatía”.
La adolescente Amber lloró leyendo el libro y cuando vio la película por primera vez. Su mensaje es sencillo pero acertado: “Creo que la Iección de la película es no juzgar a los demás, tratar a todos como iguales. Porque en realidad todos somos iguales”.
Al productor David Heyman le impresionó la buena relación de Mark Herman con el reparto, y en especial su habilidad para comunicarse con los miembros más jóvenes. “Es muy fácil consentirles o tratarles con condescendencia”, dice Heyman, “pero Mark no lo hizo. Trataba a los niños como personas maduras con sus propias decisiones e ideas; les trataba con el respeto que merecen y creo que los niños respondían de acuerdo a ese trato. Se daban cuenta de que estaban haciendo algo serio y dramático, algo que requería esfuerzo y atención, que merecía la pena y tenía un gran valor. Como resultado, trataban el trabajo con el mismo respeto con el que Mark les trataba a ellos. Mark Herman es un director muy compasivo – siente una verdadera compasión por los personajes sobre los que escribe y por lo actores a los que dirige”.
La actriz estadounidense Vera Farmiga interpreta a Elsa, la madre de Bruno y esposa del comandante. El director Mark Herman quería sacar provecho a las cualidades camaleónicas que habían despertado el interés de directores de la talla de Martin Scorsese y Anthony Minghella: “Lo que más me atrajo de Vera fue la forma de ponerse en la piel de los personajes que interpreta. Es totalmente diferente, casi irreconocible en todas sus películas. Aparecía todas las mañanas en el plató como una dama de los años 40 y era prácticamente imposible reconocer a Vera Farmiga. Tiene un físico muy europeo y es una fantástica actriz. Ha conseguido captar la ambigüedad moral y aporta una humanidad y una compasión muy particulares al papel de la esposa del comandante que va descubriendo poco a poco las cámaras de gas. Creo que Vera y David han hecho un trabajo mucho mejor de que lo nunca hubiese esperado”.
Vera Farmiga llevó a cabo una investigación exhaustiva para su papel, y su interpretación de Elsa es una amalgama de todos los diarios y periódicos que leyó: “Es una especie de mezcla de todas las mujeres del Tercer Reich, desde Paula Hitler hasta Emmy Goering, Magda Goebbels, Eva Braun o Leni Riefenstahl, de todas ellas. También estudié mucho la propaganda sobre la maternidad, el culto a la maternidad y lo que eso significaba, lo que se exigía a las madres y cuál era su posición en aquella época”.
“En cierto modo, Elsa es la guardiana de la alambrada; su misión es esconder su existencia y lo que hay detrás de ella, y cuando Bruno descubre la alambrada, su misión es impedirle que se acerque”, afirma Farmiga. “Hay un diálogo en la novela que, en mi opinión, es la clave del personaje de Elsa: poco después de llegar a la casa junto al campo de concentración, Bruno dice: ‘Pienso que esto no ha sido una buena idea’. Y su madre contesta: ‘No podemos permitirnos el lujo de pensar’”.
Farmiga continúa: “Elsa no piensa. No tiene opiniones propias, no analiza nada. Decide ignorarlo todo y preocuparse únicamente de la seguridad de su familia y de su posición social; todo lo demás queda al margen. Es una especie de cómplice y ayudante en lo que se refiere a los ideales de su marido, sus deseos, sus valores y sus ambiciones. Pero cuando empieza a abrir los ojos y a darse cuenta de lo que está sucediendo, cuando empieza a investigar, comienza a perderle el respeto a su marido y a desconfiar de él. Al final se rebela. Decide condenar lo que está sucediendo. Incluso intenta hacer ver a su marido el horror del que es responsable. Pero es demasiado tarde: creo que su comportamiento inicial al negarse a ver lo que estaba sucediendo delante de sus narices, al otro lado de la alambrada, le cuesta una vida. En cierto modo ella labra el destino de sus hijos, porque cuando empieza a investigar ya es demasiado tarde. Intuye algo; sabe que están tratando muy mal a la gente que está internada. Pero no quiere saber; no quiere verlo porque eso implicaría a su marido y a ella”.
Farmiga opina que la película atraerá e interesará al público actual en muchos sentidos: “El personaje de Elsa, con su indiferencia, apatía e ignorancia iniciales, es crucial a la hora de saber cómo se pudo asesinar a tantas personas ante los ojos de todo el mundo sin que nadie lo supiera. Porque esto está sucediendo en todo el mundo. Esta historia podría haberse basado en Irak, Afganistán, Kosovo o Darfur. Ese odio racial sigue existiendo".
David Thewlis interpreta al padre de Bruno, el comandante del campo de concentración. “Siempre he sido un gran fan de David”, afirma Herman. “Su papel es uno de los más difíciles, porque en la primera parte interpreta a un padre muy cariñoso y humano. Aunque los espectadores saben exactamente lo que hace este padre. En estas circunstancias interpretar a un hombre que lleva una vida familiar normal es muy complicado. David borda el papel de hombre cariñoso. No comprendes que alguien así pueda tener una parte oscura”.
“Creo que la diferencia en este guión es que está visto desde un punto de vista alemán, a través de los ojos de un niño alemán. Al principio parece que mi papel, el de un padre cariñoso (a pesar de que el espectador sabe desde el principio cuál es su trabajo), puede inspirar cierta compasión”, comenta David Thewlis. “El desafío no es interpretar a un típico y malvado nazi que tiene dos caras. En mis investigaciones descubrí que mi personaje estaba basado en hechos reales. En la película no se menciona qué campo de concentración es, pero es obvio que no es Auschwitz, porque entonces tendría que interpretar a Rudolf Hoess, que tenía cinco hijos que crecieron en Auschwitz, donde podían ver el crematorio. Y tampoco interpreto a Joseph Goebbels que se llevó a sus seis hijos al búnker al final de la guerra. Él y su esposa los envenenaron y luego se suicidaron. No es impensable que una historia como esta fuera real. Es una obra de ficción, pero está basada en situaciones bastante verosímiles. Sólo hemos aumentado la distancia entre la casa y el campo, que en realidad sólo estaban a unos metros”.
Thewlis continúa: “Hace años que no investigaba tanto para una película. Pero me sentía obligado a hacerlo. Normalmente me inspiro en alguien que forma parte de mi vida de alguna manera o en alguna persona que he conocido y la comparo con el personaje intentando aplicar sus características. Pero nunca he conocido a nadie que se parezca al personaje que interpreto en esta película. Resulta bastante complicado pensar en un padre cariñoso que se despide de sus hijos después del desayuno, y se va (literalmente) a la puerta de al lado para pasarse el día rodeado de terribles atrocidades. ¿Cómo se puede acostumbrar uno a eso?”
Al igual que Vera Farmiga, Thewlis leyó muchos documentos privados escritos por arquitectos y autores de la Solución Final a la hora de prepararse para su papel de comandante del campo de concentración: “Me dieron una carta que Rudolf Hoess había escrito a sus hijos justo antes de su ejecución. La carta estaba en la mesa de la cocina, y unos vecinos habían venido a verme. No les había contado en qué estaba trabajando. Vieron la carta y empezaron a leerla, y cuando la terminaron me miraron y me dijeron: ‘¡Qué carta más bonita y entrañable ha escrito este hombre a sus hijos! ¿Quién era? ¿Por qué iba a morirse? ¿Estaba enfermo?’. Les respondí: ‘Sí, ¡estaba MUY enfermo!’. No hay duda de que la carta está escrita por un hombre que siente un gran amor por sus hijos; todo está muy bien expresado y es muy conmovedora, casi poética. Intenten comprender a un ser humano, un ser humano sensible que sea capaz de hacer algo así. Yo no he encontrado nada con que justificarlo o perdonarlo. Pero mi trabajo consistía en encontrar algún rastro de humanidad en el personaje y no como lo que son, monstruos. Pero eran seres humanos. Y hoy en día, sigue habiendo gente como ellos”.
“Para mí, El niño con el pijama de rayas es interesante en muchos sentidos”, afirma Thewlis. “Está mi papel, que es bastante directo; luego está el de mi mujer, que acepta la idea de un campo de concentración pero que poco a poco empieza a darse cuenta de que estoy implicado en el genocidio, y se aprecia el efecto que eso tiene en nuestro matrimonio. También está mi hija, Gretel, que se siente atraída por la retórica, la política, la patria. Su flirteo con el joven soldado es casi una seducción ideológica. Su padre apoya totalmente al Reich, pero su madre odia todo lo que significa el fascismo y lo dice abiertamente. Así que dentro de una misma familia tenemos cinco o seis puntos de vista diferentes que van evolucionando a lo largo de la película. Además está Bruno, cuyo punto de vista cambia varias veces durante el curso de la historia hasta el final. En la película vamos asistiendo a la paulatina desintegración de la familia, y ese es el castigo por los pecados del padre”.
Para el papel del teniente Kotler, Mark Herman eligió al joven actor británico Rupert Friend. “Es un actor que pude hacer cualquier cosa”, afirma Herman. “Puede interpretar a una persona muy agradable y a otra absolutamente horrible. Y en este papel, es una persona horrible. Ha hecho un trabajo fantástico. Es escalofriante y peligrosamente seductor. Comprendemos perfectamente que una niña de la edad de Gretel pueda sentirse atraída por él y por lo que representa. Al mismo tiempo, Rupert pone al descubierto la gran vulnerabilidad del teniente Kotler en el 'interrogatorio' de su padre que se desarrolla durante la cena”.
El Teniente Kotler es el catalizador del romance de Gretel con la ideología nazi (descrito memorablemente por Sir Hugh Trevor-Roper como ‘una gigantesca aberración nórdica’) así como de la destrucción del matrimonio del comandante del campo de concentración. Friend describe su personaje como un miembro del “círculo íntimo” de la familia: “Es Kotler quien cuenta a la madre que lo que están haciendo es quemar los cuerpos de los judíos”, comenta. “Por lo tanto, el padre culpa a Kotler de la desintegración de su familia. Por supuesto, el padre es el que supervisa las atrocidades, pero culpa a Kotler de que su mujer se entere de lo que ocurre. Es el fin de la carrera de Kotler, porque el padre le envía a primera línea de fuego, lo que es prácticamente una sentencia de muerte”.
Junto con sus compañeros de reparto, Friend se dedicó a investigar para interpretar su papel estudiando de primera mano relatos y otros documentos que pudieran hacerle comprender el funcionamiento de las mentes de los asesinos: “El tema de la película es muy delicado, y por eso debíamos tratarlo con mucho cuidado”, nos cuenta. “Tenía que encontrar la forma de comprender la mentalidad del Partido Nazi, comprender por qué alguien querría obedecer las órdenes de implicarse en un genocidio sin hacer ninguna pregunta. Entre muchas cosas, leí una biografía del Comandante de Auschwitz, Rudolf Hoess, y las maravillosas memorias de una niña que vivía en las montañas de Hitler. También leí algo sobre la psicología de la guerra y la forma en que los soldados se enfrentaban al acto de matar. Lo más aterrador de la gente que cometía estos crímenes es que eran seres humanos, eran hombres reales, que respiraban y pensaban. No estaban trastornados. Tal vez no tenían los mismos límites morales que nosotros, pero no hay duda de que eran seres humanos. Creo que es importante observarlos, sin simpatizar con ellos, con cierta humanidad para que podamos recordar que sólo estamos a un paso de una atrocidad como aquella”.
Al igual que John Boyne, autor de la novela, el actor David Hayman, que interpreta a Pavel, el simpático preso pinche de cocina, había visitado el campo de concentración de Auschwitz: “Hace muchos años estuve de gira en Polonia con una compañía de teatro y fui a Auschwitz”, comenta. “La visita me produjo un gran impacto. Dicen que los pájaros no cantan y que las flores no crecen Auschwitz. Y no es una leyenda, es la verdad. Cuando sales de allí sientes que algo ha cambiado en tu interior. Sientes la necesidad de hacer algo, cualquier cosa para desprenderte del horror que sientes. Creo que todos los colegios del mundo deberían llevar a sus alumnos a Auschwitz y decirles: ‘Esta es la inhumanidad del hombre con el hombre’. De esto es capaz el hombre, y no debemos dejar que vuelva a suceder nunca’. Por desgracia, sigue pasando. Está pasando ahora”.
LAS LOCACIONES
Todo el equipo creativo de la película, incluido el director de fotografía Benoit Delhomme, el diseñador de producción Martin Childs y la diseñadora de vestuario Natalie Ward, estaba decidido a aportar autenticidad, respeto y atención al detalle para recrear los periodos más oscuros de la Historia.
Hay que mencionar las emociones y el impacto que produjo el rodaje de la película, sobre todo en los miembros húngaros del equipo. “El equipo siempre fue consciente de que Hungría había apoyado a Alemania durante las dos Guerras Mundiales, y comprendía que la historia se ceñía a los años 40”, afirma el productor David Heyman. “Han pasado por regímenes muy autoritarios, y creo que se identificaban con lo que ocurrió en aquella época. Me di cuenta enseguida de los sentimientos encontrados que suscitaba esta película”.
El director de fotografía Benoit Delhomme había leído el libro de una vez y estaba entusiasmado con darle vida. “Esta no es una película de imágenes bonitas”, afirma David Heyman: “y Benoit ha conseguido captar de forma brillante todos los momentos de malestar, el horror pero también la belleza. Algunas veces el fotograma es un poco lioso; se ve un primer plano un poco borroso de la cabeza de un personaje. La imagen no siempre es clara, pero el plano habla por sí mismo”.
“Cuando comencé esta película”, comenta el diseñador de producción Martin Childs, “ya se había elegido Budapest. Viajé por primera vez allí para ver qué tipo de localizaciones había. Fue una visita muy productiva. Sabía que teníamos mucho trabajo por delante para que las cosas salieran bien pero la ciudad ya tiene ese aspecto tan centroeuropeo que encajaba perfectamente con la película. 'En el guión, parecía que los escenarios se diseñaban solos; la historia tiene una geografía bastante clara, con lugares diferentes que me parecían perfectos; todos los espacios encajaban muy bien, funcionaban a la perfección'.
Por ejemplo, las primeras escenas de la película son parte de un montaje de Bruno y sus amigos corriendo por las calles e imitando a los Messerschmitts. Se sienten atraídos por el ‘glamour’ de la guerra y vuelven a casa desde el colegio. Quería que su recorrido pasase por zonas diferentes de la ciudad: los barrios más ricos de Berlín y esos lugares por los que sus madres no querrían que pasasen. No queríamos un montaje de lugares emblemáticos, sino reflejar los diferentes estratos sociales en la primera secuencia de la película”.
“Lo primero, tenía que construir la casa del campo de concentración”, afirma Childs. “Quería encontrar algo que funcionase, pero al final la construimos de cero, al lado de un bosque, que era lo que la historia necesitaba. Tuvimos que investigar mucho para crear el campo de concentración, porque descubrimos que había muchas diferencias entre unos y otros, aunque todos tuviesen el mismo fin. Tuvimos mucho cuidado a la hora de diseñar la alambrada donde se conocerían Bruno y Shmuel, con un fondo gris y azul detrás de Shmuel y los verdes bosques detrás de Bruno. Como la historia se cuenta desde el punto de vista de Bruno, pasé mucho tiempo colocándome a su altura, arrodillándome para imaginarme los planos”.
“Tenía que parecer real, tenía que ser auténtico para que los espectadores se creyesen que estaban dentro de ese mundo”, comenta la diseñadora de vestuario Natalie Ward. “No es algo que necesite un enfoque muy imaginativo, porque queríamos que el público reconociese a estas personas. Se han hecho muchas películas sobre esa época, pero aunque creemos saber cómo era, queríamos hacerlo de la forma más perfecta posible. Una vez que empezamos a centrarnos en los detalles nos dimos cuenta de que no sabíamos tanto como pensábamos. Por eso hice miles de preguntas e investigué muchísimo”.
En cuanto a los platós de las últimas escenas de la película, el diseñador Martin Childs sabía que necesitaría el mayor grado posible de autenticidad. “Para el escenario de la antesala de la cámara de gas y la propia cámara de gas, tuve que investigar muchísimo, y no fue nada agradable”, comenta. “Hay una conocida fotografía de la cámara de gas de Auschwitz que se parecía extrañamente al sótano que había debajo del estudio en el que estábamos rodando algunas escenas. Pudimos modificarlo y afortunadamente no tuvimos que construir una cámara de gas de la nada”.
“Ahora hay muchísimos libros y muchas pruebas contrastadas recopiladas por documentalistas y grupos judíos que intentan poner en contexto al Holocausto. Como tema y época de la Historia, existe mucho material que hace referencia a este periodo”, afirma el director de supervisión artística Rod McLean. “El documental de 1955 de Alain Resnais "Noche y Niebla" provocó un gran impacto. Nunca estás preparado para ver algo así. Así que aunque hay mucho material de investigación disponible, las imágenes y las descripciones siguen impactando; tardas unos cuantos días en recuperarte después de acceder a todo esto.
Budapest, la capital de Hungría, fue elegida como localización de la película porque la geografía de la ciudad y de los alrededores encajaban muy bien con las necesidades visuales y cinemáticas del guión y del rodaje. Sin contar con un presupuesto muy bien ajustado y la posibilidad de disponer de excelentes profesionales y estudios. Lo que no habían previsto los directores de fotografía era la reacción extremadamente visceral de muchos de los miembros del reparto y del equipo al saber que esta historia se iba a rodar en un país en el que se habían llevado a cabo todas estas atrocidades, cuando el caos de la Segunda Guerra Mundial se apoderó del país y de su pueblo.
Ubicada a ambas orillas del Danubio, Budapest une las colinas de Buda y los bulevares de Pest. Aunque durante la Segunda Guerra Mundial, y más adelante, en la Revolución de 1956, se destruyeron alrededor de 30.000 edificios, siguen quedando detalles arquitectónicos de las estructuras. La ciudad ha servido como localización para muchas producciones internacionales, interpretando a Londres, París, Berlín Oriental y Occidental e incluso Buenos Aires.
Después de una extensa búsqueda, el director Mark Herman, que volvía de una misión de reconocimiento, dio con la localización del exterior de la casa de Berlín en una transitada calle del distrito de Zugló, en Budapest. Los interiores de la casa se filmaron en el Castillo Sacelláry, que está reformado y situado en Budafok, el distrito XXII de Budapest.
En el montaje inicial, un complejo de edificios que era como una ciudad dentro de una ciudad sirvió para rodar las redadas nazis de residentes judíos. Los colegiales, imitando a pilotos de aviones de caza, vuelan por una elegante plaza que está justo detrás del Hotel Kempinski y pasan al otro lado, en una zona anexa a la Opera.
Después de recorrer la zona más próxima buscando de todo, desde refugios de caza hasta estaciones de tren, el director Mark Herman y el diseñador de producción Martin Childs decidieron construir el exterior de la casa del campo de concentración del comandante en las tierras del orfanato de Fót, conocido como la “Ciudad de los Niños”. Los bosques de la “Ciudad de los Niños” se utilizaron para crear el tramo que recorre Bruno para ir y volver a la alambrada donde se encuentra con Shmuel.
Los barracones donde se filmaron las escenas del campo de concentración fueron construidos para la película de John Huston, "Escape a la victoria". Desde entonces, han sido modificadas en varias ocasiones para cumplir con las necesidades de diversas producciones húngaras e internacionales.
Los escenarios de las habitaciones de los niños se construyeron en el recién reformado Lloyd Studio. Las últimas semanas de rodaje tuvieron lugar en el Róna Street Studio de Mafilm.

ACERCA DE LIBRO
LA VIDA ESTÁ EN OTRA PARTE por Daniela Vilaboa
Con más de seis ediciones en español, una treintena de otros idiomas a los que espera ser traducida, y un contrato con Miramax para ser llevada al cine, la última novela del irlandés John Boyne se erige como un interesante relato alegórico de uno de los momentos más atroces de la historia de la humanidad.
“Nada de prosa del espanto, nada de crepúsculo de los dioses recalentado. Lo vi todo, pero no escribí nada sobre ello”. Mi siglo. Gunter Grass
Hay acontecimientos que funcionan como puntos de inflexión en la vida de las personas, pues se insertan en el vasto terreno de la memoria con el mismo embate con el que una cuña se clava en el mármol liso de una roca y agrieta su superficie. Así es como a veces un ínfimo contacto entre Uno y “el afuera” puede torcer para siempre la dirección de un espíritu que permanecía sosegado. Ahora bien, la dimensión o la relevancia de ese quiebre está –en gran medida– en directa relación no sólo con el peso específico del acontecimiento que irrumpe, sino también con el mayor o menor grado de desconocimiento respecto del mismo con el que se haya vivido hasta ese momento. Sin embargo, aún cuando algo de su mesura haya podido preverse o quizás intuirse, la textura de la realidad palpada de cerca resulta siempre una verdad irrefutable.“Llegamos vírgenes a todos los acontecimientos de la vida”, decía la belga Marguerite Yourcenar, aunque hay –por cierto– algunas virginidades que duelen más que otras cuando se pierden, pues son como cruzar el cerco de una frontera, cuya intimidante estructura no permite augurar grandes destellos de felicidad más allá del horizonte. Algo de esa inocencia vulnerada intenta recuperar la quinta novela del joven escritor irlandés John Boyne, El niño con el pijama de rayas, que ya lleva seis ediciones en España y que permaneció primera en ventas durante 35 semanas en su país de origen. Y lo hace a partir de la historia de un niño de nueve años, Bruno, quien, entre la impavidez y la inquietud, se vuelve testigo –y parte– del derrumbe irrevocable de su tranquilidad cotidiana. La novela es el despliegue en el tiempo de esa trayectoria, de ese pasaje que se opera en Bruno a partir de una intempestiva mudanza que lo obliga, junto a su familia, a cambiar de ciudad. Una migración que comienza, con el correr de los días, a producir modificaciones tanto dentro del mundo familiar y rutinario del pequeño, como dentro de su universo simbólico, y a las que el niño deberá hacerle frente solo. La presencia de un extraño cerco junto al fondo de su nueva casa se convierte en el disparador de una miríada de preguntas, cuya respuesta final sólo puede hallarla en un punto de no retorno. Bruno percibe que existe otra vida más allá de esa frontera, una vida que lo inquieta, que lo perturba y que lo llama, pero no termina de decodificar con claridad las señales que desde allí le llegan. En gran medida por su corta edad, en parte porque vive bajo el peso de una figura paterna retórica y represiva, que se ocupa de tergiversarle el mundo que lo circunda, y asimismo porque algo de sí aun se resiste a saberlo. Estos sentimientos encontrados libran una batalla en su interior, en la que finalmente uno de ellos termina por vencer al resto, a instancias de la amistad que de pronto surge entre Bruno y un niño que habita del otro lado de la verja, y que los enfrenta a ambos a un vínculo especular que será determinante para resolución del conflicto. Esto que en principio parece la trama de un relato simple, con elementos fantásticos, tal vez, o propios de la literatura juvenil, pronto deja traslucir un registro más alegórico que realista, aun cuando da cuenta en su trasfondo histórico de una realidad apodíctica. La novela se mueve lingüísticamente con un tono llano, alejado de cualquier esbozo de manierismo, pues aspira a reproducir algo de esa mirada ingenua que aqueja a un niño de nueve años al enfrentarlo a la cara más inquietante y ominosa del mundo que habita, a su sino trágico. Pero esta nota no va a dar cuenta de ello, así como tampoco lo hace el editor desde la contratapa del libro, en un claro gesto de respeto hacia las decisiones estilísticas que el autor acertó a tomar al momento de la escritura, en pos de una mejor articulación entre la forma y el fondo de la cuestión. Pues, en definitiva, lo que El niño con el pijama de rayas intenta no es hundirnos a los lectores en la negrura de las grietas del mármol resquebrajado, sino mostrarnos el instante previo al golpe de la cuña y la imposibilidad de que frente a tamaño azote el mundo decida mirar para otro lado.

GENERACION

2008-10-14T06:26:00.000-07:00

Título original: Pokolenie. Año: 1955
Origen: Polonia. Duración: 88 min.
Blanco y negro. Idioma: polaco
EQUIPO TECNICO
Director: Andrezj Wajda
Guión: Bohdan Czeszko, sobre su novela
Música: Andrezj Markowski
Fotografía: Jerzy Lipman
Edición: Czeslaw Raniszewski
Diseño de producción: Roman Mann
Escenografía: Jozef Galewski / Jerzy Skrzepinski
Vestuario: Jerzy Sexy
Supervisión artística: Alexander Ford
REPARTO
Tadeusz Limnicki (Stach Mazur)
Urszula Modrzynska (Dorota)
Tadeusz Janczar (Jasio Krone)
Janusz Paluszkiewicz (Sekula)
Ryszard Ktys (Jacek)
Roman Polanski (Mundek)
Ludwik Benoit (Grzesio)
Zofia Czenwinska (Lola)
Zbigniew Cybulski (Kostek)
Zygmunt Hobot (Abram)
Zygmunt Zintel (Ziano)
COMENTARIO

Durante la ocupación nazi de Polonia, una joven generación llega a la adultez. Stach y sus amigos desafían espontáneamente al ocupante, sin una organización previa. Mientras en el trabajo como aprendiz, aprende conocimientos elementales de economía marxista de boca de Sekula, quien luego pasa a la clandestinidad . Cuando ve a la joven y valiente Dorota, una líder de la juventud resistente clandestina, se ofrece como voluntario. Recluta a sus amigos y se convierten en una célula, mostrando coraje, disciplina. En el trasfondo subyace el potencial conflicto entre los comunistas y los partisanos, ambos antinazis, pero polacos, siguiendo su propio curso de enfrentamiento. La película hace referencia a la rebelión judía en el ghetto de Varsovia en abril de 1943 y la ayuda que directa o indirectamente brinda la resistencia polaca a los rebeldes. Aquí reaparece Sekula, rescatado por una salida de las cloacas por los polacos, lo que nos permite suponer que era un miembro de la organización judía de resistencia que actuaba en el “lado ario” de Varsovia.
“Generación” conforma con “Kanal” (1957) y “Cenizas y diamantes” (1958) la “trilogía sobre la guerra”, una muestra apasionante y sobrecogedora de la visión de Wajda sobre el tema bélico.

Esta película se proyectará el jueves 16 de octubre de 2008 a las 18.30 en el Museo de la Shoá, Montevideo 919, Buenos Aires.

SOBIBOR, 14 DE OCTUBRE DE 1943, 16 HORAS

2008-07-20T09:01:00.000-07:00

Título original: Sobibór, 14 octobre 1943, 16 heures
Origen: Francia. Año: 2001
Duración: 95 min.
Blanco y negro / Color. Idioma: francés / hebreo
EQUIPO TECNICO
Dirección y guión: Claude Lanzmann
Fotografía: Caroline Charpentier / Dominique Chapuis
Edición: Chantal Hymans /Sabine Mamou
Sonido: Bernard Aubouy
COMENTARIO
Estamos frente a una película muy difícil de ver. No es un film para el público normal ni tampoco para el cinéfilo, por la forma en que está hecha. Este documental parece dirigido a especialistas en el tema del Holocausto, porque es precisamente el contenido lo que es todo y la forma fílmica es nada.
Dentro de la propia obra cinematográfica de Lanzmann, Sobibor es un desprendimiento de Shoa cuya duración es de nueve horas y media. Es un desprendimiento temático y formal. El material de Sobibor fue rodado junto con el de Shoa, pero no se incorporó a la obra madre porque la anécdota no cuadraba con el planteamiento general.
El tema lo es todo. La rebelión de prisioneros en el campo de concentración nazi de Sobibor, ubicado en Polonia, y que representó un éxito en tanto que varios pudieron escapar.
Para Lanzmann este hecho histórico de Sobibor representa “la reapropiación del poder y la violencia” por parte de los judios, en una legítima defensa contra el genocidio nazi. También, con su punto de vista busca con ello derrumbar algunos mitos del Holocausto y decir la verdad:
Los judíos no fueron al Holocausto como ovejas al matadero, dóciles y resignadas. Fueron víctimas de engaños planeados a lo largo de todo el procedimiento que los arrancó de sus hogares hasta su muerte en las cámaras de gas. Cuando algunos grupos se dieron cuenta de la realidad, implementaron sublevaciones, resistencia, rebeliones. Las frustró el desconocimiento técnico del manejo de las armas y el condicionamiento psicológico al que fueron sometidas las poblaciones judías.

(Se proyectará en el Museo de la Shoá, Montevideo 919, Buenos Aires, el jueves 31 de julio de 2008, a las 18.30)

GHETTO

2008-06-28T16:58:00.000-07:00

(Se proyectará en el Museo de la Shoá, Montevideo 919, Buenos Aires, el 3 de julio a las 18.30 hs. con posterior debate)

Título original: Ghetto. Año: 2006
Origen: Alemania / Lituania. Duración: 105 min.
Color. Idioma: inglés. Subtitulado
EQUIPO TECNICO
Dirección: Audrius Juzenas
Guión: Joshua Sobol, sobre su obra teatral
Productores: Almone Cepìene /Audrius Juzenas /Tees Klahn
PROTAGONISTAS
Meskauskas Darius (Arntgent)
Heino Ferch (Gens)
Sebastián Hule (Kittel)
Jorg Lamprecht )Dessler)
Erika Marozsan (Haya)
Andrius Zebrauskas (Srulik)
Música original: Anatolijus Senderovas
Fotografía: Andreas Hofer
COMENTARIO
La acción se desarrolla en el ghetto de Vilna, Lituania, durante la ocupación nazi, donde el 95% de la población judía fue aniquilada durante la Segunda Guerra. Se presta para explorar el dilema que debieron afrontar los judíos que colaboraron con los alemanes ya sea para ganar tiempo mientras los rusos iban retomando el control del país, ya sea para poder sobrevivir.
Cuando comienza la historia, ya solo quedan unos cuantos miles de judíos. En la realidad, el proceso fue largo y requirió de la participación de cientos de soldados alemanes y colaboradores locales a lo largo de dos años. Sobol aprovecha el caso real de un teatro que funcionó en el ghetto durante ese mismo período desafiando a muchos judíos que encontraban indigno que haya un teatro “en un cementerio”.
El comandante Kittel es un hombre culto, que toca el saxofón y el piano, lo que no equipara su habilidad musical con su integridad- Es tan sádico como los demás nazis, aunque se sienta atraído por una cantante judía. Buena parte de la película se centra en Jacob Gens, quien dirige el ghetto con mano dura, con el argumento que “procura salvar la mayor parte de vidas judías.
ACERCA DE LOS JUDIOS EN VILNA DURANTE LA SEGUNDA GUERRA MUNDIAL
Después de la Primera Guerra, tanto Polonia como Lituania reclamaron la ciudad, siendo ésta ocupada por fuerzas polacas en 1920. Antes del estallido de la Segunda Guerra la ciudad formaba parte del noreste de Polonia
Al firmarse el pacto entre Alemania y la Unión Soviética, Vilna, junto con el resto de Polonia del este, fue ocupada por las fuerzas soviéticas a finales de septiembre de 1939. En octubre, la URSS transfirió la región de Vilna a Lituania. La población de la ciudad era de 200.000 personas, incluidos más de 55.000 judíos. Además, entre 12.000 y 15.000 refugiados judíos Polonia ocupada por Alemania encontraron refugio en la ciudad. Las fuerzas soviéticas ocuparon Lituania en junio de 1940 y en agosto de 1940 incorporaron Vilna, junto con el resto de Lituania, a la Unión Soviética. El 22 de junio de 1941, Alemania atacó la URSS y ocupó Vilna el 24 de junio de 1941.
En julio de 1941, la administración militar alemana dispuso medidas antijudías. Durante ese mismo mes, los Einsatzgruppen (grupos móviles de matanza), apoyados por auxiliares lituanos, mataron a 5.000 hombres judíos en el bosque de Ponary, a 13 km de Vilna. Una administración civil alemana tomó el control de Vilna en agosto de 1941. Al final del mismo mes, los alemanes mataron a otros 3.500 judíos en Ponary. A principios de septiembre de 1941 los alemanes establecieron dos ghettos (el ghetto nº 1 y el ghetto nº 2) en Vilna. Aquellos judíos considerados incapaces para trabajar se les concentraba en el ghetto nº 2. En octubre de 1941, los destacamentos de los Einsatzgruppe alemanes y los auxiliares lituanos destruyeron el ghetto nº 2 y mataron a su población en Ponary. La prisión de Lukiszki servía como lugar de concentración de los judíos a llevar a Ponary. A finales de 1941, los Einsatzgruppen habían matado a cerca de 40.000 judíos en este lugar. Quienes estaban en el ghetto nº 1 fueron obligados a trabajar en fábricas o en proyectos de construcción fuera del ghetto. Algunos judíos fueron enviados a los campos de trabajo de la región de Vilna. En operaciones de matanza periódicas, la mayoría de los habitantes del ghetto fueron masacrados en Ponary. Desde la primavera de 1942 hasta la primavera de 1943, en Vilna no se realizaron operaciones de masacre. Los alemanes reanudaron las matanzas durante la liquidación final del ghetto nº 1 a finales de septiembre de 1943. Los niños, los ancianos y los enfermos fueron enviados al campo de exterminio de Sobibor o fueron fusilados en Ponary. A los hombres que sobrevivieron los enviaron a los campos de trabajo de Estonia, mientras que las mujeres fueron enviadas a los campos de trabajo de Letonia.
El ghetto fue llamado “Yerushalayim de los ghettos” por sus actividades culturales e intelectuales. El centro de la vida cultural dentro del ghetto fue la biblioteca Mefitze Haskole, la que además de biblioteca contuvo la oficina de correos, la oficina del censo del ghetto, archivos. Se estableció una institución científica para la enseñanza de ciencias y sociales, y sus intelectuales escribieron gran cantidad de ensayos esperando poder publicarlos al finalizar la guerra. También se creó una orquesta sinfónica y un teatro.
En el ghetto hubo un movimiento de resistencia. En 1942 se formó un grupo de partisanos judíos conocidos como la Organización de Partisanos Unidos (Fareynegte Partizaner Organizatsye; FPO) que funcionaba dentro del ghetto y dirigida por Itsik Wittenberg, siendo sus segundos Abba Kovner y Joseph Glazman.. La resistencia creó lugares para esconder armas y se preparó para luchar contra los alemanes. A principios de septiembre de 1943, al darse cuenta de que los alemanes pretendían llevar a cabo la destrucción final del ghetto, los miembros de la resistencia lucharon contra los alemanes, que habían entrado en el ghetto para comenzar las deportaciones. El Consejo Judío, sin embargo, acordó cooperar en las deportaciones de judíos desde el ghetto, con la esperanza de reducir al mínimo la matanza. Por lo tanto, el FPO decidió huir a los bosques próximos para luchar contra los alemanes. Algunos combatientes del ghetto escaparon de la destrucción final del mismo, huyendo a través de las alcantarillas para unirse a los guerrilleros en los bosques de Rudninkai y de Naroch en las afueras de la ciudad. En septiembre de 1943, en un intento de destruir la evidencia de la matanza de judíos en Ponary, los alemanes obligaron a los destacamentos de trabajadores judíos a abrir las fosas comunes y quemar los cadáveres Las fuerzas soviéticas liberaron Vilna en julio de 1944.
Itzjak Rudashevski tenía catorce años cuando fue enviado al ghetto de Vilna en junio de 1941. Hasta su muerte, en 1944, guardó un diario donde escribió sobre sus experiencias. […]

11 de diciembre: 1942: El ghetto celebró hoy la llegada de cientos de libros a la biblioteca del ghetto. Un festival fue llevado a cabo en el auditorio del teatro. Fuimos para nuestras lecciones. Había un programa artístico y se hicieron varios discursos.

7 de febrero de 1943: Tenemos buenas noticias. La gente en el ghetto está de celebración. Ha caído Stalingrado los alemanes han sufrido una derrota gigantesca. La ciudad de Stalin es el sepulcro del enemigo.

25 de marzo de 1943: El régimen alemán ha publicado un edicto sobre la liquidación de cinco ghettos pequeños en la provincia de Vilna. Están transportando a los judíos a Vilna y al ghetto de Kovno. Los judíos de las pequeñas ciudades vecinas han comenzado a llegar hoy.

28 de marzo de 1943: El humor del ghetto es muy melancólico. El peligro está asomando en el aire. ¡No! Esta vez no permitiremos que nos conduzcan como perros a la matanza.

6 de abril de 1944: Ahora sabemos todos los detalles horribles. En vez de Kovno, llevaron 5.000 judíos a Ponary donde fueron matados. Como animales salvajes antes de morir, la gente comenzó desesperadamente a romper los vagones del tren. Centenares fueron matados. La línea del ferrocarril se cubre con los cadáveres. Por la tarde salí a la calle.

MEMORIAS DE UNA CAMPESINA

2008-06-10T11:23:00.000-07:00

Título original: Herbstmilch
Origen: Alemania occidental. Año: 1989
Duración: 111 min.
Color. Idioma: alemán
EQUIPO TECNICO
Dirección: Joseph Vilsmaier
Guión: Willi Segler / Peter Steinbach
Producción: Joseph Vilsmaier
Música original: Enjott Schneider
Fotografía: Joseph Vilsmaier
Edición: Ingrid Broszat
Diseño de producción: Wolfgang Hundhammer
Vestuario: Ute Hofinger / Marianne Schulz
Maquillaje: Heiner Niegues / Ruth Philipp
Efectos especiales: Helmut Klee / Jeinz Ludwig
PROTAGONISTAS
Dana Vavrova (Anna Wimschneider)
Werner Stocker (Albert Wimschneider)
Claude-Oliver Rudolph (Oficial)
Eva Mattes (Fotógrafa)
Ilona Mayer (Resl)
Herta Schwarz (Tía)
Renate Grosser (Suegra)
Julius Mitterer (Tío Otto)
Albert Wischneider (Tío Albert)
Marie Bardischewski (Madre)
COMENTARIO
La película narra una conmovedora historia de una campesina alemana antes y durante la Segunda Guerra mundial. El libro está basado en la autobiografía de esta mujer bávara, Anna Wimschneider. Como hija mayor en la familia, debía tomar bajo su responsabilidad a sus cinco hermanastros menores y encargarse del sostén del hogar, incluyendo dos hermanos mayores y su padre, después del a muerte de su madre. En aquel tiempo, Anna tenía ocho años. Diez años, y en contra de la voluntad de su familia, se casa con Albert Wimschneider, poco antes del estallido de la Guerra, y se convierte en una campesina. En lugar de sus jóvenes hermanos y hermanas, tiene a su cuidado algunos parientes “indeseables” y la suegra, que siente por ella un profundo odio. Durante la guerra, debe realizar todo el trabajo en el campo, incluso durante su embarazo.
Esta película muestra en forma conmovedora y sin sentimentalismos la lucha cotidiana en los años 30 y 40 en los campos en Alemania. Anna nunca pierde su fe y guarda en su corazón el recuerdo y vive su propia vida, a pesar de todas las dificultades.
El personaje real falleció uno años después de realizada la película, en cuya parte final aparece, mientras que su esposo, Albert, desempeña el papel de uno de los tíos.

UNA CHICA MUY REBELDE

2008-06-08T07:56:00.000-07:00

Título original: Das schreckliche madchen
Origen: Alemania. Año: 1990
Duración: 94 min. Color
Idioma: alemán
FICHA TECNICA
Director: Michael Verhoeven
Guión: Michael Verhoeven
Productores: Helmut Rasp /Michael Senftleben
Música origjnal: Lydie Auvray /Billy Gorlt /Mike Herting / Elmar Schloter
Fotografía: Axel de Roche
Edición: arbara hennings
Diseño de producción: Hubert Popp
Vestuario: Ute Truthmann
PROTAGONISTAS
Lena Stolze (Sonja)
Hans-Reinhard Müller (Juckenack)
Monika Baumgartner (Madre de Sonja)
Michael Gahr (Paul Rosenberger)
Robert Giggenbach (Martin)
Barbara Gallaumer (Señora Juckenack)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Oscar 1991, Nominada Mejor Película Extranjera
Globo de Oro, 1991, Mejor Película Extranjera
BAFTA 1991, Mejor Película en Idioma Extranjero
Festival Internacional de Cine de Berlín, 1990, Oso de Plata a Mejor Director
Premio de los Lectores “Berliner Morgenpost”
Festival Internacional de Cine de Vancouver, 1990, Premio Película más Popular
COMENTARIO
La historia relata cómo una joven en un pequeño pueblo de Bavaria comienza a investigar la historia del lugar durante el Tercer Reich. Cuando encuentra obstáculos en su investigación, se da cuenta que algún oscuro secreto se halla detrás de estas dificultades que se le presentan. La película se basa en hechos reales y está realizada combinando ele estilo documental con recreaciones del pasado y algo de formato teatral y ciertos pasos de comedia muy logrados.

EN UN LUGAR DE AFRICA

2008-06-03T14:20:00.000-07:00

Título original: Nirgendwo in Africa
Origen: Alemania. Año: 2003
Duración: 140 min. Color
Idioma: alemán / swahili / inglés

FICHA TECNICA
Dirección: Caroline Link
Guión: Carolina Link, sobre le libro de Stefanie Zweig
Producción: Andreas Baris / Meter Herrmann
Música original: Niké Reiser
Fotografía: Gernot Roll
Edición: Patricia Rommel
Diseño de producción: Susann Bieling / Uwe Szielasko
Vestuario: Barbara Grupp
Maquillaje: Renate Bauer
Efectos visuales: Andrea Geiger
PROTAGONISTAS
Juliane Kohler (Jettel Redlich)
Merab Ninidze (Walter Redlich)
Sidede Onyulo (Owuor)
Mathias Habich (Walter Suskind)
Lea Kurka (Regina Redlich niña)
Karoline Eckertz (Regina Redlich adolescente))
Gerd Heinze (Max)
Hildegard Schmal (Ina)
Maritta Horwarth (Liesel)
Regine Zimmermann (Kathe)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Ganadora del Oscar 2003, Mejor Película extranjera
Ganadora Mejor Película y Guión, Festival de Burdeos la Mujer en el Cine, 2002
Globo de Oro, 2003, Nominada a Mejor Película Extranjera
Festival de Karlovy Vary, 200, Premio de FIPRESCI y Premio Especial del Jurado
COMENTARIO
En la inminente Segunda Guerra Mundial, los Redlich, una familia judeoalemana, logran escapar del terror nazi a último momento. Regina, de cinco años, emprenderá una nueva y sorprendente vida junto a sus padres en una granja aislada de Kenia. Crudamente apartados de su país y de sus raíces, Walter Redlich, anteriormente un abogado, debe encarar la dura rusticidad del trabajo de la tierra y su esposa, hija de una acomodada familia burguesa, sufre enormemente su incapacidad de adaptación. Por el contrario, la tímida Regina pronto se impregna de la magia de Africa, su idioma y sus costumbres, gracias al cocinero nativo, Owuor, su buen amigo, mientras el matrimonio de sus padres, abrumado por las pérdidas y la soledad, tambalea. Walter no logra arrancar de su corazón su nostalgia por su Alemania perdida, pero con el tiempo su mujer e hija aprenden a amar a Kenia, en lo que parece una reconciliación con su nuevo destino.

(SE PROYECTARA EN EL CICLO DE CINE-DEBATE EN EL MUSEO DE LA SHOA, MONTEVIDEO 919, EL JUEVES 5 DE JUNIO, A LAS 18.30)

LOS HIJOS DE HITLER

2008-05-17T15:40:00.001-07:00

Título original: Hitler´s Children
Origen: Estados Unidos. Año: 1943
Duración: 82 min. Blanco y negro
Idioma: inglés

FICHA TECNICA
Dirección: Edward Dmytryk
Guión: Emmet Lavery, sobre el libro de Gregor Ziemer “Educando para la muerte”
Producción: Edgard Golden / Robert Golden
Música original: Roy Webb
Fotografía: Russel Metty
Edición: Joseph Noriega
Dirección artística: Carrol Clark / Albert D¨Agostino
Escenografía: Harley Millar / Darrell Silveira
Vestuario: Renie
Efectos especiales: Vernon Walker
PROTAGONISTAS
Tim Holt (Teniente Kart Bruner)
Bonita Grabville (Anna Miller)
Kent Smith (Profesor Nichols)
Otto Kruger (Coronel Henkel)
H.B. Warner (El Obispo(
Lloyd Corrigan (Franz Erhardt)
Erford Gage (Dr. Schmidt)
Hans Conried (Dr. Graf)
COMENTARIO
La filosofía del nazismo y de cómo la misma moldeó a la juventud alemana transformándola en una orden militar, es el tema central de esta película.
Un joven alemán, formado en una de estas escuelas, se convierte en su adultez en oficial de la Gestapo, pero no puede olvidar su amor juvenil por una estudiante de origen alemán, pero ciudadana estadounidense, alumna de la escuela americana vecina a su propia escuela.
Ambos se reencuentran con los años, en posturas opuestas, ella opositora al régimen y el fanatizado por el régimen, hasta que la historia deriva en un final trágico.
Es interesante destacar en los diálogos las descripciones de lo que ocurría en Alemania en los días previos a la guerra, la descripción de cómo se iba construyendo el régimen de terror, las instituciones que lo respaldaban, los planes de mejoramiento de la raza y un fragmento a destacar, es el discurso del Obispo, en abierta condena al régimen de Hitler.
También se intercalan escenas documentales mostrando los sucesivos avances nazis sobre los países vecinos, después de cada uno de los cuales se oyen lo discursos de Hitler anunciando que éste sería el último avance y que no quiere una guerra con Francia e Inglaterra.
El film puede considerarse como una efectiva muestra de la propaganda antinazi que se manifestó después del ingreso de Estados Unidos en guerra, como una convocatoria a la población a apoyar el esfuerzo de guerra y para neutralizar la acción de los simpatizantes del nazismo en Estados Unidos.

EL VERDUGO DE HITLER

2008-05-17T14:44:00.000-07:00

Título original: Hitler´s Madman
Origen: Estados Unidos. Año: 1943
Duración: 84 min. Blanco y negro
Idioma: inglés

FICHA TECNICA
Director: Douglas Sirk
Guión: Peretz Hirschbein, : Melvyn Levy y Doris Malloy sobre un relato de Albrecht Joseph, una historia de Emil Ludwig y el poema de Edna Saint Vincent Millay
Productores: Rudolph Joseph y Seymour Nebenza
Música original: Kart Hajos / Nathaniel Shilkret
Fotografía: Jack Greenhalgh
Edición: Dan Milner
Diseño de producción: Edgar Ulmer
Dirección artística: Fred Preble /Edward Willnes
PROTAGONISTAS
Patricia Morison (Jarmilla Hanka)
John Carradiee (Reinhard Heydrich)
Alan Curtis (Karen Vavra)
Howard Freeman (Heirich Himmler)
Ralph Morgan (Jan Hanka)
Edgar Kennedy (Nepomuk el ermitalo)
Ludwig Stossel (Herman Bauer, el alcalde)
Al Shean (Padre Cemlanek)
Elizabeth Russel (María Bartonek)
COMENTARIO
“El verdugo de Hitler” es la primera película que dirige Sirk n Estados Unidos, después de haber abandonado Alemania. Es una de las más detalladas miradas sobre el nazismo que el clásico cine estadounidense ofrece. Es una obra de considerable complejidad y fue realizada por gente que en su mayoría, se refugiaron en Estados Unidos después de abandonar la Alemania nazi. A pesar de ser realizada en California, constituye un estudio de la Alemania nazi realizado por refugiados de la misma Alemania.
Penetramos en la mente de un villano nazi, responsable de la comisión de numerosos crímenes en la Europa central ocupada por los nazis a través del relato del asesinato de Heydrich por guerrilleros checos y la posterior y cruel represalia contra el pueblo de Lidice,
La película está basada en el poema “Lidice”, de Edna St. Vincent Millay, escrito poco después que la aldea fuese diezmada en represalia por el asesinato de Heydrich. El poema es recitado por una voz femenina a lo largo de distintos pasajes del film, pero las líneas finales son dichas por una voz masculina.
Las escenas de la visita de Himmler a Heydrich en su lecho de muerte y el elogio que postmortem realiza el Reichsführer no tienen asidero histórico. Por mucho tiempo ambos fueron rivales encarnizados y tanto Himmler como Borman, Goebbels y el propio Hitler conocían el rumor que el padre de Heydrich, un músico, podía ser de descendencia judía. Pero esto nunca fue probado. Sus oponentes pensaban que podían controlarlo de esta manera. Tan pronto como pudo, Heydrich comenzó a recolectar información de cada uno de sus rivales y sus familias, incluyendo al propio Hitler. Eventualmente fue su determinación suceder algún día al Führer. Himmler, Hitler y los demás, oficialmente lo hayan honrado como un mártir nacional, pero en su fuero interno cada uno de ellos estaba contento por su elimnación.
La razón verdadera de la represalia, era desalentar otras acciones similares. Los checos fueron entrenados en Londres y tenían el consentimiento de Churchill para llevar a cabo el plan de asesinato. Sin duda, hubiesen continuado las acciones contra otros líderes Nazis. La represalia servía para recordar a la población local que Alemania no dudará en despoblar cualquier pueblo, aldea, villa si ocurría otro episodio similar. También servía para recordar a los Aliados que si querían salvar vidas, mejor no planear nuevas acciones similares. El objetivo buscad por los nazis fue conseguido pues no hubo más intentos de este tipo. El sufrimiento provocado por las heridas que recibió del metal de su asiento del automóvil destrozado y la agonía lenta, previa a su muerte, no tiene comparación con el sufrimiento que provocó en los miles y miles de encerrados en los campos de muerte. Su título de “Protector” tampoco le sirvió para amedrentar a nadie y así lo cuenta una historia: cuando un soldado alemán trataba desesperado que un checo que pasaba a su lado y veía al herido, lo ayudara a transportarlo a un hospital, levantó los hombros y dijo: “El hospital está dando la vuelta a la esquina. Puede caminar hasta allí”. Después abandonö el lugar…

LOS FALSIFICADORES

2008-04-23T11:57:00.000-07:00

Título original: Die Fälscher. Año: 2007
Origen: Austria – Alemania. Duración: 98 min.
Color. Idioma: alemán, ruso, hebreo, inglés

EQUIPO TECNICO
Director: Stefan Ruzowitzky
Guión: Stefan Ruzowitzky / Adolf Burger, sobre su propio libro
Productores: Josef Aichholzer / Nina Bohlmann
Música original: Marius Ruhland
Fotografía: Benedict Neuenfels
Edición: Britta Nahler
Diseño de producción; Isidor Wimmer
Escenografía: Christian Kruger / Gerhard Krummeich / Johannes Slapa
Vestuario: Nicole Fischnaller
Maquillaje: Waldemar Pokromski
Efectos visuales: Joerg Bruemmer
PROTAGONISTAS
Karl Markowics (Salomon Sorowitsch
August Dehl (Adolf Burger)
Devid Strtiesow (Freidrich Herzog)
Martin Brambach (Holst)
August Zirner (Dr. Klinger)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Oscar de la Academia de Cine de Hollywwod 2008, Mejor Película Extranjera
Festival Internacional de Cine de Berlín, 2007, Nominado Mejor Director (Stefan Ruzowitzky)
Academia de Cine de Alemania, Premio a Mejor Actor de Reparto (Devid Striesow); nominada a Mejor Ftografía (Benedict Neuenfels); Mejor Vestuario (Nicole Fischnaller); Mejor Actor Principal (Kart Markowics)Mejor Diseño de Producción (Isidor Wimmer); Mejor Guión (Stefan Ruzowitszky)
COMENTARIOS
Del director Stefan Rusowitzky
"Grandes cineastas austriacos han trabajado aquí en Hollywood. Billy Wilder, Fred Zinnemann, Otto Preminger; muchos de ellos debieron dejar mi país escapando de los nazis. De alguna manera, tiene sentido que la primera película austriaca ganadora del Oscar sea sobre los crímenes del nazismo". Con la estatuilla entre las manos, el director Stefan Ruzowitzky (46 años) agradecía el galardón por Mejor Película Extranjera el pasado domingo 24 de febrero. La distinción obtenida por "Los falsificadores" ("Die Fälscher", 2007) hacía que una vez más un drama inspirado en el Holocausto acaparase el elogio de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas. "Quise hacer un filme que no torturase al público. La idea no era hacer sufrir porque sí, sólo porque el tema es terrible", comenta Ruzowitzky a Artes y Letras desde su Viena natal.Cuenta que, en dos semanas, dos productores distintos se acercaron a él con la misma idea en mente: adaptar y dirigir las memorias de Adolf Burger, un judío eslovaco sobreviviente de la guerra que participó en la Operación Bernhard, el caso de falsificación de dinero más grande de la historia. Así se gestó el proyecto que unos años más tarde entregaría el primer Oscar a su realizador, no sin antes reabrir heridas en Austria y Alemania, donde lidiar con el pasado nazi aún crea encendidas controversias.

La jaula de oro

La película de Stefan Ruzowitzky se basa en uno de los planes secretos más ambiciosos del nazismo durante la Segunda Guerra Mundial. La operación que la inspira fue echada a andar en 1942 y tomó el nombre de "Bernhard", aludiendo a quien fuese su jefe, Bernhard Krüger (Friedrich Herzog en la película). El proyecto consistía en imprimir libras y dólares falsos con una doble misión: hundir las economías de los enemigos mediante una inflación sin precedentes y financiar los gastos de guerra que por entonces debilitaban fuertemente a Alemania. Krüger, bajo las órdenes de Himmler, seleccionó a judíos confinados en distintos campos de concentración, quienes, según sus antecedentes de detención, sobresalían en cada una de sus destrezas. Ciento cuarenta prisioneros -artistas, coloristas, impresores, dibujantes y expertos banqueros- fueron trasladados a las barracas 18 y 19 del campo de Sachsenhausen, en Brandenburgo. Así, "Los falsificadores" se centra en la historia de uno de ellos, el ruso Salomon Smolianoff (Sorowitsch en el filme), criminal experto en impresión de documentos falsos que queda a la cabeza de la misión. La vida en esta "jaula de oro", como se conocía a las barracas, era un paraíso comparado con la realidad que se vivía afuera en el campo de concentración. Los prisioneros tenían camas individuales, colchones y frazadas; la comida no faltaba, no usaban uniforme e incluso existía una sala de juegos. No obstante, por el alto grado de confidencialidad de la operación, las amenazas de muerte eran habituales y todos esperaban ser eliminados una vez finalizado el trabajo.Ruzowitzky contó con el apoyo y la supervisión de uno de los falsificadores reales, Adolf Burger, quien escribió sus recuerdos de aquellos días en "The devil's workshop" ("El taller del diablo", 2006). Consciente de que el cineasta no intentaba hacer un documental, Burger permitió que varias partes de sus memorias fuesen adaptadas, lo que generó más de alguna molestia entre quienes conocían la historia verdadera. Tal fue el caso del periodista estadounidense Lawrence Malkin, autor del libro "El falsificador de Hitler" (Aguilar Santillana, 2006), quien ha criticado duramente la forma en que el director y guionista modificó la historia real en pos de un guión atrayente y efectivo. "Mi crítica es simple y concisa: Ruzowitzky dice estar contando una historia real y establece una falsa moral a partir de ésta", comenta.

Mentira millonaria

El complot nazi para destruir la economía del imperio británico se esbozó dos semanas después del comienzo de la guerra, el 18 de septiembre de 1939, aunque no se pondría en marcha hasta tres años más tarde. Entre 1942 y 1944, un total de 132 millones de libras esterlinas (siete billones de dólares de hoy) fueron producidos en Sachsenhausen, "cuatro veces el valor de las reservas del Banco de Inglaterra", según se especifica en la película. El nivel de perfección que alcanzaron los billetes fue tal, que ninguno de los empleados bancarios ingleses y suizos que los examinaron antes de aceptarlos notó que se trataba de falsificaciones. Al poco tiempo, una gran suma de este dinero fue introducido exitosamente en los mercados internacionales y los billetes de 5, 10, 20, y 50 libras comenzaron a circular sin dificultad por los países neutrales y las Bolsas de Turquía, Suiza, España, Suecia e Italia.Luego de los resultados obtenidos con la libra, vino una nueva tarea: el dólar. Mientras parte del equipo falsificador intentaba boicotear el plan atrasando el trabajo, el Ejército Rojo avanzaba hacia Berlín, forzando a los nazis a huir hacia otras ciudades. En la película, los prisioneros permanecen en Sachsenhausen hasta su liberación, no así en la vida real: cuando cayó el frente oriental de Alemania, el taller y los reclusos fueron trasladados a Austria, donde luego serían liberados por las tropas estadounidenses. Según el libro de Malkin, la potencia del Eje usó el dinero falso, entre otras cosas, para comprar materias primas, adquirir oro, reforzar a las tropas de la SS en los Balcanes y financiar las misiones del famoso espía albanés apodado "Cicero". Varias cajas de libras falsas fueron encontradas en 1959 en el lago Toplitz, en los Alpes austriacos, donde los nazis arrojaron toda posible evidencia de la operación. El resto del dinero fue lentamente sacado de circulación por el Banco de Inglaterra, hasta desaparecer completamente de los flujos monetarios durante la década del '80.

La moral y la resistencia

El conflicto que atraviesa a toda la película se centra en la pugna interna de cada prisionero, que debe confrontar sus anhelos de supervivencia con la vergüenza de llevar una existencia cómoda, en contraste con el frío, la inanición y la muerte que reina alrededor de las barracas. "No les doy el placer a los nazis de sentirme avergonzado para vivir", afirma en la película el ruso Sorowitsch, cuando Burger, su colega falsificador, le reprocha que es más digno morir antes que colaborar en el triunfo de los alemanes. "Para un austriaco o un alemán, imaginar que los prisioneros podían elegir entre la cooperación y la resistencia, implica que las víctimas abrazaban una cuota de la culpa de sus torturadores", opina Malkin. "De hecho, cuando el filme fue estrenado, en Alemania se creó un crudo debate respecto a si los prisioneros debían haber elegido la muerte antes que el deshonor", asegura.Para quienes vivieron el horror del Holocausto, la situación extrema y viciada que supone un campo de concentración no puede ser comprendida sino por aquellos que la experimentaron. Aun así, para ellos tampoco es fácil adoptar una postura frente a quienes trabajaron en la operación nazi. Según ha contado el realizador en varias entrevistas, en Austria y Alemania "Los falsificadores" obtuvo algunas críticas por atreverse a hablar de un tema extremadamente sensible con fines "de entretenimiento". Los 63 años que han pasado desde el fin de la guerra aún no curan del todo la herida que dejó el nazismo en la memoria de ambas naciones europeas. Sensibilidad histórica El asunto todavía es capaz de irritar los ánimos austriacos, sobre todo a raíz de las duras críticas que han surgido desde el mundo intelectual. Así lo demostró el repudio nacional que en sus tiempos obtuvo el novelista y dramaturgo Thomas Bernhard por arremeter contra la "mentalidad nacionalsocialista oculta" de Austria; como también se advirtió en los dichos que más tarde manifestaría la escritora Elfriede Jelinek hacia su país -al que expresamente no le dedicó su Nobel 2004-, referidos a que en él aún existe un "fascismo latente". "El nazismo todavía es un tema muy sensible, aunque eventualmente la situación está mejorando. La gente que se involucró con la ideología está muy vieja, y pocos de ellos aún viven en la actualidad", afirma Stefan Ruzowitzky. "Lo de Bernhard y Jelinek fue mucho tiempo atrás, y mientras más tiempo pasa, más fácil es hablar de estos asuntos. Lo que ellos hicieron fue mostrar que el pensamiento nazi todavía era muy fuerte. Esto, por supuesto, es algo que ofende a la gente en Austria". Cuenta que sus abuelos fueron simpatizantes del régimen nazi, como muchos otros austriacos que "después de la guerra se dieron cuenta de que estaban peleando en el lado incorrecto. Sacrificaron mucho por la ideología y les fue muy difícil descubrir que fue por razones erróneas", comenta. Por ello, explica, "para mi generación es menos problemático hablar de ello. Se trata de la culpa y la responsabilidad de nuestros abuelos, lo que es bastante más fácil de decir que si se tratase de nuestros padres. Creo que hoy en Austria todo el mundo va a concordar que el Holocausto fue un gran crimen. Pero aun así, todavía hay gente que cree que fue una suerte de daño colateral", afirma el realizador. En las últimas décadas, el tema ha permanecido vigente, debido a que políticos austríacos de la extrema derecha, cuya cara más visible es Jörg Haider, han sido vinculados con el nazismo por sus dichos xenófobos. "Él fue de alguna manera una fuente importante de inspiración para la película. Haider hizo algunas declaraciones verdaderamente increíbles en favor del Tercer Reich y los nazis", comenta el director. "Ésa es la razón por la que la gente se levantó contra él; porque todavía es gobernador de la provincia de Corintia y porque nadie hace algo al respecto". Ruzowitzky, no obstante, lo hizo: encubrió su declaración política antinazi en 98 minutos de largometraje.

Crítica:
Falsificaciones, sabotajes y dramas morales fueron sus excusas.Obsesión y convención Christian Ramírez

Cambiadas para siempre después de "La lista de Schindler", las películas ambientadas en campos de concentración y de prisioneros en la Segunda Guerra han evitado en forma sistemática evocar de nuevo las patrioteras fantasías de películas como "El gran escape" y dejarse atrapar por cualquier género que no sea el drama. De algún modo, se "sacudieron" a Hollywood de encima y éste no ha vuelto a encontrar un modo de volver a insertar esa clase de emociones dentro de la más monstruosa de las tragedias. Simplemente, ya no tiene sentido. Quizás por eso es que "Los falsificadores" ganó el Oscar 2008 a Mejor Película Extranjera. A su manera, este filme posee los niveles de dramatismo, peligro y tensión que solían atraer al público de las antiguas películas de batalla, pero al mismo tiempo se las arregla para evitar varias de sus simplificaciones. El argumento le habría gustado a Billy Wilder. Apresado por la policía alemana poco antes del comienzo de la guerra, el brillante falsificador Salomon Sorowitsch de pronto se convierte en un instrumento crucial para los nazis: el mismo oficial que lo apresó por imprimir billetes falsos ahora lo quiere encabezando un plan que
desestabilizará la economía del enemigo. La obsesión de Sorowitsch por realizar su "obra maestra" es una pasión que lo devora, pero Adolf Burger -uno de sus colegas- le recuerda permanentemente que, a sólo unos metros de distancia, la maquinaria de la muerte funciona, inexorable. En términos dramáticos, Burger vendría a ser la voz de la conciencia que consigue despertar al protagonista, pero el gran acierto del filme es hacer de éste un personaje antipático, el antagonista que obstaculiza los deseos del héroe (y el público) de que "la gran estafa" salga adelante.¿Tan enquistadas se encuentran las convenciones cinematográficas en nosotros? La verdad es que sí. La increíble y terrible historia de "Los falsificadores" nos lo refriega en la cara

PADRE

2008-03-24T15:01:00.000-07:00

Título original: Father
Origen: Australia. Año: 1990
Duración: 100 min. Color
Idioma: inglés
EQUIPO TECNICO
Director: John Power
Guión: Tony Cavanaugh / Gram. Hartley
Productores: Paul Barron / Tony Cavanaugh / Gram. Hartley / Damián Parer
Música original: Peter Best
Fotografía: Dan Burstall
Edición: Kerry Regan
Diseño de producción: Philip Peters
Diseño artístico: Bernadette Wynack
Vestuario: Jeanie Cameron
PROTAGONISTAS
Max Von Sydow (Joe Mueller)
Carol Drinkwater (Anne Winton)
Julia Blake (Iya Zetnick)
Steve Jacobs (Bobby Winton)
simona Robertson (Rebecca Winton)
Kahli Sneddon (Amy Winton)
Nicholas Bell (Paul Jamieson)
Tim Robertson (George Coleman)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Instituto de Cine de Australia, 1990, Ganador Mejor Actor protagónico: Max Von Sydow; Mejor Actriz secundaria: Julia Blake
Festival Internacional de Cine de Moscú, 1991, Nominada Mejor Director (John Power)
COMENTARIO
“Padre” fue producida en 1989 pero su tema no perdió vigencia, dado que plantea la temática de los criminales de guerra y sus acciones a lo largo de la Segunda Guerra. La cámara, después de mostrarnos los campos de muerte en Europa, nos contacta con Joe Mueller llevando a sus nietas a la escuela, pero a la distancia, es observado por una mujer y una cámara de televisión. Joe será acusado de ser un criminal de guerra por la sobreviviente Iya y frente a los cargos, su hija lo defiende en forma consciente, pero al progresar el desarrollo de la película, comienza a dudar de su inocencia. ¿Puede este hombre que ella ha amado y confiado en él, haber cometido estos crímenes? ¿Puede este abuelo, que llama a sus nietas “pequeños monstruos”, haber sido responsable de lo que se le acusa?
Algunos críticos objetaron el énfasis puesto en la cuestión del perdón, pero nadie escapa a las consecuencias de sus acciones

BAJO EL ARBOL

2008-03-24T14:56:00.000-07:00

Título original: Etz Hadumim Tafus
Origen: Israel. Año: 1994
Duración: 100 min. Color: 102 min.
Idioma: Hebreo
EQUIPO TECNICO
Director: Eli Cohen
Guión: Guila Almagor / Eyal Scher /Eli Cohen
Productores: Guila Almagor / Eytan Evan
Música original: Beni Nagari
Fotografía: David Gurfinkel
Edición: Danny Schick
Diseño de producción: Eitan Levi
Escenografía: Miguel Markin
Vestuario: Rona Doron
PREMIOS Y NOMINACIONES
Nominada por la Academia de Cine de Israel, 1994, Mejor Fotografía (David Gurfinkel) y Mejor Actriz de Reparto (Guila Almagor)
Festival Internacional de Cine, Santa Bárbara, 1994, Premio a la Excelencia artística
Festival Internacional de Cine de Valladolid, 1995, Nominada Mejor Película
PROTAGONISTAS

Guila Almagor (Henya)
Juliano Mer (Ariel)
Uri Avrahami (Señor Segal)
Yael Perl )Señora Segal)
Alexander Peleg (Juez)
Kaipo Cohen (Aviya)
Orli Peral (Yola)
Riki Blich (Mira)
Ohad Knoller (Yurek)
COMENTARIOS
Producida en Israel, es un estudio psicológico más que una narración convencional. Se desarrolla en una aldea juvenil creada en los años 50 para los huérfanos rescatados de lso campos de concentración nazis a lo largo de Europa. Ekl grupo es mayormente de origen polaco, pero también hay holandeses. Una joven, Aviya, es israelí, cuyo padre ha sido asesinado antes de haber ella nacido y su madre está alojada en un hospital de enfermos mentales. La madre de Aviya se cree una sobreviviente del Holocausto que huyó a Israel antes del comienzo de la guerra. La joven sufre por no haber conocido a su padre y por no poder comunicarse con su madre.
Paralelamente, la película cuenta la historia de los demás jóvenes sobrevivientes y los dilemas que deben afrontar, especialmente respecto de su futuro.
La película está basada en un relato autobiográfico de Guila Almagor, una de las actrices israelíes más famosas.

ROSE WHITE

2008-03-24T12:34:00.000-07:00

Título original: Mrs. Rose White.
Origen: Estados Unidos. Año: 1992
Duración: 100 min. Color
Idioma: Inglés
EQUIPO TECNICO
Dirección: Joseph Sargent
Guión: Anna Sandor, sobre la obra de Bárbara Lebow “A sheyne meidl”
Productores: Andrea Baynes / Anne Hopkins
Música original: Billy Goldenberg
Fotografía: Kees Van Oostrum
Edición: Corky Ehlers
Diseño de producción: Fred Harpman
Escenografía: Robert Checchi
Vestuario: Judianna Makovsky
Maquillaje: Karen Bradley
PREMIOS Y NOMINACIONES
Nominada por la Asociación de Directores Cinematográficos de Estados Unidos, 1993; Director Destacado, Joseph Sargent
Premio Emmy, 1992, Mejor Director de Miniserie o Programa especial: Joseph Sargent; Mejor Película realizada para Televisión; Mejor Actriz de Reparto: Amanda Plumier;
Nominada al Globo de Oro, 1993: Mejor Película para Televisión; Mejor Actriz Principal (Kyra Sedgwick); Mejor Actriz de reparto (Amanda Plumer);
PROTAGONISTAS
Maximilian Schell (Mordejai Weiss)
Kyra Sedwick (Rose White)
Maureen Stapleton (Tía Perla)
Gina Gershon (Angie)
Penny Fuller (Kate Ryan)
Amanda Plummer (Lusia Weiss)
Milton Selzer (Tío Simón)
D.B.Sweeney (Dan MacKay)

COMENTARIO
Rose White, magníficamente interpretada por Kyra Sedgwick, es una joven judía que cambia su nombre (Reyzel Weiss) para dejar atrás su herencia. Paulatinamente asciendo en la gran tienda departamental donde trabaja. Vista a su padre y otros familiares solamente en sábado. Tiempo atrás. Su madre y hermana habían quedado en Polonia, donde fueron deportadas a campos de concentración. Y entonces llegan buenas noticias: la hermana ha sobrevivido y finalmente, llega a Estados Unidos. La hermana ha cambiado mucho y Rose se ve obligada por el padre a compartir su vivienda con la hermana, una virtual desconocida. La culpa de cada hermana contribuye a dificultar que cada una acepte a la otra. Lentamente, la calidez de una hacia la otra, las va acercando. Por su autenticidad y manifestación de sentimientos, estamos ante una película que nos fascinará y conmoverá por sus dilemas y tribulaciones que afrontan los personajes centrales de la historia.

LA PASAJERA

2008-03-24T09:59:00.000-07:00

Título original: Pasazerska
Origen: Polonia. Año: 1963
Duración: 62 min. Blanco y negro
Idioma: polaco
EQUIPO TECNICO
Directores: Andrzej Munk / Witold Lesiewicz
Guión: Andrzej Munk / Sofía Posmysz-Piasecka
Música original: Tadeusz Baird
Fotografía: Krzysztof Winiewicz
Edición: Zofia Dwornik
Diseño de producción: Tadeusz Wybult
Dirección artística: Romuald Korczak
Escenografía: Leonard Mikicz
Vestuario: Wieslawa Cojkowska / louise Stjernsward
Maquillaje: Mieczyslaw Posmiechowicz / Tersea Tomaszewska

PREMIOS Y NOMINACIONES
Festival Internacional de Cine, Cannes, 1964, Acreedor Mención Especial: Andrzej Munk;
Nominada a la Palma de Oro, Mejor Película.
Festival Internacional de Cine, Venecia, 1964, Ganadora del Premio de la Crítica
PROTAGONISTAS
Alexandra Alaska )Liza)
Anna Ciepielewska (Marta)
Janusz Bylczynski (Kapo)
Maria Koscialkowska (guardiana Inga Weniger)
Jan Kreczmar (Walter)
COMENTARIOS
El director Andrzej Munk fue uno de los mejores de la Nueva Ola de directores polacos surgida después de la desaparición del stalinismo, de la eliminación de los intelectuales y las ciudades en ruinas. Punk murió antes de llegar a los 40 años en un trágico accidente, pero su potencial se pudo apreciar en los trabajos que había realizado.
Nacido en el seno de una familia judeopolaca en Cracovia, en 1921, combatió en la resistencia polaca durante la Segunda Guerra, Más tarde, asistio a la Escuela de Cine de Lodz y dirigió documentales. “El hombre de la cruz azul” (1955), su primera lpelícula, cuenta la historia real de una misión de rescate de guerrilleros polacos detrás de las líneas enemigas durante la guerra. En “Heroica” (1958) dibuja sus experiencias en la reprimida rebelión polaca en Varsovia en 1944. Su crítica es más explícita en “Mala suerte” (1960), la historia de Jan, quien hace todo lo posible para ascender socialmente en la Polonia de la pre-guerra, pero se ve dificultado por su “parecer judío”.
En 1961, mientras filma “La pasajera” muere y su amigo Witold Lesiewicz completó la película a partir de su edición, imágenes fijas y relato en off. Una mujer vuelve a Alemania después de una larga ausencia y cree que reconoce en la cubierta del barco, a una prisionera del campo donde ella había sido guardiana. La película es una exploración en la psicología del verdugo, cargada de preguntas sin respuestas, acerca de la memoria y la necesidad humana de exculpación.

LA CALLE DE LAS ROSAS

2008-03-16T12:52:00.000-07:00

Título original: Rosenstrasse. Año: 2003
Origen: Alemania. Duración: 136 min.
Color. Idioma: alemán / inglés

EQUIPO TECNICO
Directora: Margarethe von Trotta
Guión: Pamela Katz / Margarethe von Trotta
Productores: Herbert G. Kloiber / Henrik Meyer / Richard Schöps / Markus Zimmer Música original: Loek Dikker
Fotografía: Franz Rath
Edición: Corinna Dietz
Directora de reparto: Sabine Schroth
Diseño de producción: Heike Bauersfeld
Vestuario: Ursula Eggert
Maquillaje: Maike Heinlein
Sonido; Christian Bischoff / Eric Rueff
Efectos especiales: Bernd Wildau /Adolf Wojtinek
Efectos visuales: Markus Drayss
REPARTO
Katja Riemann (Lena Fischer – 33 años)
Maria Schrader (Hannah Weinstein)
Martin Feifel (Fabian Israel Fischer)
Jürgen Vogel (Arthur von Eschenbach)
Jutta Lampe (Ruth Weinstein)
Doris Schade (Lena Fischer – 90 años)
Fedja van Huêt (Luis Marquez)
Carola Regnier (Rachel Rosenbauer)
Svea Lohde (Ruth Süssmann 8 años)
Plien van Bennekom (Marian)
Jutta Wachowiak (Señora Goldberg)
Romijn Conen (Ben Weinstein)
Jan Decleir (Nathan Goldberg)
Julia Eggert (Emily)
Thekla Reuten (Klara Singer)
Lilian Schiffer (Erika)
Lena Stolze (Miriam Süßmann)
Nina Kunzendorf (Litzy)
Martin Wuttke (Joseph Goebbels)
Harald Burmeister (Stacey Denham)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Premios de Cine Bavaria 2004, Mejor Fotografía: Franz Rath
Premio Camerimage 2003 Nominada Mejor Fotografía: Franz Rath
Premio David di Donatello, Italia, 2004: Mejor Película europea compartida con “Dogville”
Premios Europeos de Cine 2003, Nominada Mejor Actriz: Katja Riemann
Festival de Cine de Venecia,2003, Ganadora Mención de Honor: Margarethe von Trotta
Festival de Cine de Venecia Premio UNICEF: Margarethe von Trotta
Festival de Cine de Venecia, 2003 Copa Volpi a Mejor Actriz: Katja Riemann
Festival de Cine de Venecia, 2003 Nominada al León de Oro: Margarethe von Trotta
COMENTARIOS - MATT LANGDON
En la escena de apertura de “Rosenstrasse”, una mujer judía llamada Ruth (Jutta Lampe) que vive en el Nueva York contemporáneo está de duelo por la pérdida de su esposo, siguiendo estrictamente las costumbres judías. Sus hijos, que vinieron para el funeral, no comprenden por qué lo hace, pues su esposo era alemán. Y más aún, demuestra mayor hostilidad y se niega a hablar de cualquier tema, incluso su pasado.
La hija de Ruth, Hannah (Maria Schrader) sabe que su madre estuvo en Berlín durante la Segunda Guerra Mundial, pero ella quiere saber más acerca de esa época. Por eso, con ayuda de una tía, viaja a Berlín para encontrarse con una anciana llamada Lena (Doris Schade) que se hizo cargo de Ruth (Svea Lohde) cuando su madre fue una de las miles de judías internadas durante la guerra.
La película, dirigida por la alemana Margarethe von Trotta, va y vuelve en el tiempo, entre el presente y la Guerra en Berlín. Mezcla dos historias personales que tratan específicamente con la larga lucha en Rosenstrasse. Las historias personales son acerca de Lena (Katja Riemann), una mujer alemana concertista de piano casada con Fabien (Martin Feifel), un violinista de ascendencia judía que fuera internado durante la Guerra, y Ruth, de quien Lena se hace cargo mientras espera la liberación de su esposo.
La película esté basada en hechos reales que ocurrieron en Berlín, en el invierno de 1943, cuando los nazis convirtieron una fábrica en la Rosenstrasse en uno de los muchos centros de internación para miembros judíos de matrimonios interraciales antes de su deportación a lugares como Auschwitz.
Lo que convierte a las acciones de “Rosenstrasse” especialmente significativa fue que las esposas alemanas de los varones judíos se reunieron en la calle al frente de la fábrica para pedir, protestando pacíficamente, la liberación de sus esposos. Con esta conducta, demostraron su coraje frente a los hombres armadas, arriesgando sus vidas y reputación
La fuerza de la película se apoya en la búsqueda de Hannah persiguiendo la verdad acerca de su madre. Los lazos entre madre e hija se fortalecen por el nuevo reconocerse en la búsqueda de los actos heroicos de las mujeres alemanas en el pasado.
Más aún, Lena – una mujer alemana – salva la vida de Ruth – una niña judía – y ayuda a enriquecer la vida de la hija de Ruth, Hannah. El pasado y el presente se unen efectivamente.

UNA SEÑAL DE ESPERANZA

2008-03-09T15:47:00.000-07:00

Título original: Jakob the Liar. Año: 1999
Origen: Francia / Estados Unidos / Hungría Duración: 120 min.
Color. Idioma: inglés
EQUIPO TECNICO
Director: Peter Kassovitz
Guión: Peter Kassovitz / Didier Decoin, sobre la novela de Jurek Becker
Productores: Nick Gillott / Lew Rywin / Robin Williams
Música original: Ed Shearmur
Música adicional: Hector Berlioz (De "Marcha Rakoczy"); Johannes Brahms (De
"Gestillte Sehnsucht Op.91 No.1"); Wladimir A. Timm (Canción "Beer Barrel Polka)
Fotografía: Elemér Ragályi
Edición: Claire Simpson
Dirección de reparto: Kerry Barden / Billy Hopkins / Suzanne Smith
Diseño de producción: Luciana Arrighi
Vestuario: Wieslawa Starska
Maquillaje: Elzbieta Bumbul
Director de segunda unidad: Marek Brodzki
Sonido: Jay Boekelheide
Efectos especiales: Miroslaw Bartosik
Efectos visuales: Heather Davis Baker
REPARTO
Robin Williams (Jakob Heym / Narrador)
Hannah Taylor-Gordon (Lina Kronstein)
Éva Igó (Madre de Lina)
István Bálint (Padre de Lina)
Justus von Dohnanyi (Preuss)
Bob Balaban (Kowalsky)
Alan Arkin (Max Frankfurter)
Michael Jeter (Avron)
Mark Margolis (Faingold)
János Gosztonyi (Samuel)
Liev Schreiber (Mischa)
Armin Mueller-Stahl (Dr. Kirschbaum / Professor)
Mathieu Kassovitz (Herschel)
János Kulka (Nathan)
Nina Siemaszko (Rosa Frankfurter)
COMENTARIO
Esta película es una remake de otra, realizada en Alemania oriental en 1974. Hace referencia a un ghetto en Polonia en 1944, donde hombres y mujeres trabajan pesadamente. Filmada en Hungría y Polonia, el ghetto está separado el resto de la ciudad con alambrados de púa y altos muros. A los judíos les está prohibido abandonar el ghetto sin compañía de guardias militares, hay toque de queda a partir de las 8 de la noche y no se les permite tener aparatos de radio o cualquier medio de información. Cuando comienza la película, Jacob recoge una hoja de diario que el viento ha traído desde el otro lado del muro mientras un guardia le ordena reportarse pues ha violado el toque de queda, aunque faltan unos minutos para las 20. Mientras espera en una oficina la llegada de un oficial, escucha una emisión radial donde informan que las tropas rusas están a 400 km. de distancia, en Bezanika, Polonia. El oficial libera a Jakob pues la queda no había comenzado, pero cuando Jakob intenta retornar al ghetto, los portones están cerrados. Buscando desesperadamente un camino, se encuentra con la niña de 10 años Lina Kronstein (Hannah Taylor-Gordon), que escapó de un tren que la llevaba junto a sus padres a un campo de muerte. Encontró un agujero en el alambrado ambos pasan al ghetto. Jacob la aloja en el ático de su café, a la manera de Ana Frank.
Jacob le cuenta a su amigo Mischa (Leiv Schreiber) de la proximidad de las tropas rusas, noticia que comienza a difundirse en el ghetto sosteniendo que Jakob oculta un aparato de radio y entonces la pudo oír. A continuación, los amigos de Jakob empiezan a pedirle mas noticias y él les cuenta, inventando mentiras que serán creíbles a los oídos de la gente. Los suicidios en el ghetto comienzan a disminuir; la esperanza ha devenido en alegría. Sin embargo, empieza a crecer el temor que los alemanes se enteren por medio de los informantes y habrá represión en el ghetto. Jacob confiesa a la Gestapo que estaba mintiendo y ante la exigencia que lo haga públicamente ante los judíos reunidos en la plaza, se niega. Jacob es fusilado ante la negativa. El avance de las tropas rusas fuerza a los alemanes a abandonar la ciudad, pero antes cargan a los judíos en un tren de la muerte, que será interceptado pro los tanques soviéticos.
La película no muestra cuerpos de muertos y por el contrario, nos muestra un mundo más cercano a la irrealidad de lo que era la vida en el ghetto. Está basada en una novela de Jurek Becker, que pasó parte de su adolescencia en el ghetto de Lodz y en campos de concentración en Polonia. El mensaje es más elocuente y de mayor peso que en “La vida es bella”, una película de la misma época y de características similares: los judíos han sobrevivido por miles de años a la opresión porque han tenido fe, esperanza y ambos son mucho más fuertes que la espada.
Mientras que el desempeño de Robin Williams es flojo, el resto del elenco es sólido: Hannah Taylor-Gordon es efectiva y su personaje se ve real y convincente; Liev Schreiber cumple con su rol de atontado que trata de integrarse a la resistencia que surge cuando se conocen las noticias por la radio; Alan Arkin es Frankfurter, quien cree que la radio debe ser destruida; Bob Balaban es el amigo cobarde compelido a un acto heroico y el veterano Armin Mueller-Stahl es quien impulsa a Jacob a continuar la farsa pues de esa manera los judíos tienen una razón para vivir.

ADICIONAL: Jakob Heym: Hitler recurre a una adivina y le pregunta “¿Cuándo moriré?”. Ella le contesta: “En un día de festividad judía”. “¿Cómo lo sabes?” pregunta Hitler. Y ella contesta: “Cualquier día que mueras, será una fiesta judía.”.

SHOAH

2008-03-09T15:29:00.000-07:00

Título original: Shoah. Año: 1985
Origen: Francia Duración: 566 min.
Color. Idioma: inglés / alemán / hebreo / polaco / idisch / francés
EQUIPO TECNICO
Director: Claude Lanzmann
Asistente de dirección: Corinna Coulmas / Iréne Steinfeldt-Levi
Fotografía: Dominique Chapuis / Jimmy Glasberg / William Lubtchansky
Edición: Ziva Postec / Anna Ruiz
Sonido: Bernard Aubouy / Danielle Fillios / Michel Vionnet
Traductores: Sra. Apflebaum (idisch) / Barbra Janica (polaco) / Francine Kaufmann (hebreo)
TESTIMONIOS
Simon Srebnik
Michael Podchlebnik
Motke Zaidl
Jan Piwonski
Itzhak Dugin
Richard Glazer
Paula Biren
Pana Pietyra
Pan Filipowicz
Pan Falborski
Abraham Bomba
Czeslaw Borowi
Henrik Gawkowski
Rudolf Vrba
Inge Deutschhkron
Franz Suchomel
Filip Müller
Joseph Oberhauser
Anton Spiess
Raul Hilberg
Franz Schaliing
Martha Michelsohn
Claude Lanzmann
Moshe Mordo
Armando Aaron
Walter Stier
Ruth Elias
Jan Karski
Franz Grassler
Gertude Schneider
Itzhak Zuckermann
Simha Rotem
PREMIOS Y NMINACIONES
BAFTA, 1987, Premio Flaherty al Mejor Documental
Festival Internacional de Cine de Berlín, 1986, Premio a Claude Lanzmann)
Premio FIPRESCI Berlín, 1986: Foro del Nuevo Cine
Premio OCIC, Berlín 1986: Mención de Honor a Claude Lanzmann
Asociación de Críticos de Cine de Boston, 1986: Mejor película documental
Premio César, Francia 1986:Premio César honorario a Claude Lanzmann
Asociación Internacional del Documental, 1986: Premio a Claude Lanzmann
Asociación de Críticos de Cine de Kansas City, 1987: Premio al mejor documental
Asociación de Críticos de Cine de Los Angeles, 1985: Premio especial a Claude Lanzmann
Asociación Nacional de Críticos de Cine, Estados Unidos, 1986: Premio a mejor película documental
Circulo de Críticos de Cine de Nueva York, 1985: Premio a mejor película documental
Festival Internacional de Cine de Rotterdam, 1986: Premio a mejor película documental
COMENTARIO
La película se centra en las personas que fueron enviadas a tres campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial. También nos presenta a quienes se vieron envueltos en las deportaciones y ejecuciones de quienes arribaban a los campos. Su duración, e incluso si hubiese durado más, hubiese sido insuficiente para captar en toda su magnitud el drama vivido en aquellos años. Es un testimonio que complementa la numerosa documentación sobre el Holocausto aparecida durante toda la época de la postguerra. Pero la película muestra menos del Holocausto sino nos cuenta acerca de la gente, los comandantes que intimidaban a los judíos, los individuos que trabajaban en las granjas en las proximidades de los campos e incluso las propias víctimas. Todas son personas que tienen historias para contar.
Hay momentos que "Shoah" es más un coro de voces que de experiencias, donde a pesar de algunas reticencias, como ordena Lanzmann a uno de los entrevistados: "Tenemos que hacerlo, usted lo sabe". Y esto transforma al film en un film sobre la ética, sobre una tragedia real, sobre eventos reales y sobre gente real.

"SHOAH", DE CLAUDE Lanzmann / Simone de Beauvoir
Clarín, "Cultura y Nación", 9 de marzo de 1989
No es fácil hablar de Shoah. Hay magia en ese film y la magia no puede explicarse. Después de la guerra hemos leído cantidad de testimonios sobre los ghettos, sobre los campos de exterminación: estábamos conmovidos. Pero al ver el extraordinario filme de Claude Lanzmann nos damos cuenta de que no sabíamos nada. A pesar de conocerla, la horrorosa experiencia seguía distante de nosotros.
Por primera vez la vivimos en nuestra cabeza, nuestro corazón, nuestra carne. Pasa a ser la nuestra. Ni ficción ni documental. Shoah logra esta recreación del pasado con una sorprendente economía de medios: lugares, voces, caras. El gran arte de Claude Lanzmann es hacer hablar a los lugares, resucitarlos a través de las voces y más allá de las palabras, expresar lo indecible por las caras.
Los lugares. Una de las grandes preocupaciones de los nazis fue hacer desaparecer todas las huellas, pero no pudieron borrar todos los recuerdos y, bajo los camuflajes - bosques jóvenes, hierba nueva - Claude Lanzmann supo encontrar las horribles realidades. En esa pradera de verdor había fosas ene forma de embudo donde los camiones descargaban los judíos asfixiados durante el trayecto.
En este riachuelo tan bonito se tiraban las cenizas de los cadáveres calcinados. Acá están las granjas pacíficas desde donde los campesinos polacos podían oír y aún ver lo que pasaba en los campos. Aquí, los pueblos de bellas casas antiguas desde donde toda la población judía fue deportada.
Claude Lanzmann nos muestra las estaciones de Treblinka, de Auschwitz, de Sobibor. Busca con los pies las rampas, hoy cubiertas de pasto, por donde centenares de miles de víctimas fueron empujadas hacia las cámaras de gas. Para mí una de las más descarnadas de las imágenes es la que representa un amontonamiento de valijas apiladas, unas modestas, otras más lujosas, todas con nombres y direcciones. Allí unas madres habían acomodado cuidadosamente la leche en polvo, el talco. En otras, la ropa, los alimentos, las medicinas. Y ninguna necesitó nada.
Las voces. Cuentan, y durante la mayor parte de la película dicen todas las mismas cosas: la llegada de los trenes, la apertura de los vagones de donde se desploman los cadáveres, la sed, el desconocimiento al que invade el pavor, el desvestirse, la desinfección, la apertura de las cámaras de gas.
Pero ni por un instante se tiene la sensación de algo repetido. Primero por la diferencia de las voces. Está la fría, objetiva - apenas la comienzo con algunos temblores de emoción - de Franz Suchomel, el SS Unterscharführer de Treblinka: él es el que hace la exposición más precisa, más detallada, de la exterminación de cada convoy. Están las voces un poco perturbadas de algunos polacos: el conductor de la locomotora, que los alemanes sostenían con vodka, pero que no podía
soportar los gritos de los niños sedientos, el jefe de la estación de Sobibor, inquieto por el silencio repentino que caía sobre el campo cercano.
Víctimas y técnicos
A menudo las voces de los campesinos son indiferentes, un poco burlonas. Además, están las voces de los escasos judíos sobrevivientes. Dos o tres han conquistado una aparente serenidad. Pero muchos apenas soportan hablar, sus voces se quiebran, se deshacen en lágrimas. Nunca cesa la concordancia de sus relatos; al contrario, hace pensar en la repetición deseada de un tema musical o de un leitmotiv. Porque la sutil construcción de Shoah evoca una composición musical, con sus momentos donde culmina el horror, los pasajes apacibles, sus playas neutras.
Y el conjunto tiene el ritmo que da el fragor casi insoportable de los trenes que ruedan hacia el campo.
Rostros. A menudo dicen mucho más que las palabras. Los campesinos polacos muestran compasión. Pero la mayor parte parecen indiferentes, irónicos o aun satisfechos. Los rostros de los judíos están acordes con sus palabras. Lo más curioso son los rostros de los alemanes. El de Franz Suchomel permanece impasible, salvo cuando canta una canción a la gloria de Treblinka y se iluminan sus ojos. Pero, en el caso de los otros, la expresión de molestia, de falsedad, desmiente sus protestas de ignorancia, de inocencia.
Una de las grandes habilidades de Claude Lanzmann ha sido contarnos el Holocausto desde el punto de vista de las víctimas, pero también desde el de los "técnicos" que lo hicieron posible y rehúsan toda responsabilidad. Uno de los más característicos es el burócrata que organizaba los transportes. Los trenes especiales, explica, eran puestos a disposición de los grupos que partían en excursión o de vacaciones y que pagaban media tarifa.. No niega que los convoyes dirigidos hacia los campos eran también trenes especiales. Pero él pretende no haber sabido que los campos significaban la exterminación. Pensaban que eran campos de trabajo, donde los más débiles morían. Su fisonomía molesta, huidiza, lo contradice cuando alega ignorancia. Un poco más adelante, el historiador Hilberg nos informa que los judíos "transferidos" eran considerados como turistas en vacaciones por la agencia de viajes y que sin saberlo, se autofinanciaban la deportación, ya que la Gestapo la pagaba con los bienes que les había confiscado.
Otro ejemplo del mentis que dan los rostros a las palabras es el de uno de los "administradores" del ghetto de Varsovia: él quería ayudar para que sobreviviese el ghetto, preservarlo del tifus, afirma. Pero a las preguntas de Claude Lanzmann responde balbuceando, sus rasgos se alteran, su mirada se hace huidiza, está totalmente turbado.
Una cantata fúnebre
El montaje de Claude Lanzmann no obedece a un orden cronológica; yo diría - si se puede emplear estas palabras en referencia a un tema tal - que es una construcción poética. Sería necesario un trabajo de mayor extensión que este para indicar las resonancias, las simetrías, las asimetrías, las armonías sobre las que reposa.
Así se explica que el ghetto de Varsovia no sea descrito sino hacia el final del filme, cuando conocemos ya el destino implacable de los reclusos. Allí tampoco la narración es unívoca, es una cantata fúnebre de muchas voces diestramente entrelazadas.
Karski, el entonces correo del gobierno polaco en el exilio, cediendo a los ruegos de dos importantes responsables judíos, visita el ghetto para dar al mundo su testimonio (además, en vano). El vio solo la espantosa inhumanidad de ese mundo agonizante.
Los pocos sobrevivientes de la sublevación, despedazada por las bombas alemanas, hablan, por el contrario, de los esfuerzos hechos para preservar la humanidad de esa comunidad condenada. El gran historiador Hilberg discute largamente con Lanzmann sobre el suicidio de Czerniakow, que creyó poder ayudar a los judíos del ghetto y que perdió toda esperanza el día de la primera deportación.
El fin de la película es, a mi entender, admirable. Uno e los pocos sobrevivientes de la sublevación se encuentra solo en medio de las ruinas. Dice que ahora siente una especie de serenidad al pensar: "Soy el último de los judíos y espero a los alemanes". Y enseguida vemos pasar un tren que lleva un nuevo cargamento hacia los campos.
Como todos los espectadores, mezclo el pasado y el presente. Dije que es en esta confusión donde reside el lado milagroso de Shoah. Añadiría que jamás hubiera imaginado una parecida alianza del horror y la belleza. Es cierto que una no sirve para enmascarar al otro; no se trata de estetismo, al contrario: la pone en evidencia, con tanta inteligencia y rigor que tenemos conciencia de contemplar una gran obra. Una real obra maestra.
Traducción de Susana Gauna
Publicado en "Le Monde"

EL CAMPO DE LA CONCIENCIA / Claire Devarrieux
"Clarín", Cultura y Nación, 9 de marzo de 1989
Reconstruir el horror en el cine, es reinventarlo. Mirarlo es tolerarlo. ¿Cómo se podría poner en escena el "holocausto"? Un filme tuvo este título, Holocausto1 y otros han hecho diversas evocaciones, pero no se logra, en la ficción, el dominio de lo inmostrable: la masacre organizada de los judíos.
En Shoah, el cine se ubica entre las palabras y las imágenes que confronta Claude Lanzmann. Es allí donde lo inmostrable está respetado como tal. Es allí donde el espectador reacciona.
Shoah es un filme apasionante porque amplia el campo de la conciencia, de la conciencia activa. Para las generaciones jóvenes el Holocausto es una alegoría; el infierno. ¿La "solución final"? Una de la cual uno toma conciencia repentinamente de que ha sido ocultada, absorbida por la imagen de los campos de concentración, infernal, absoluta. La solución final ha tenido sus ejecutores, sus técnicos en la más infinitesimal progresión de los detalles.
Los burócratas, un día, pasarán a ser inventores. La conversión de los judíos, la ghettización, la expulsión...leyes seculares. Queda para los nazis imaginar la anulación, que hace desaparecer hasta la identificación misma de la muerte. Cuando fue necesario desterrar y quemar a los judíos de Vilna, estaba prohibido emplear las palabras muertos, víctimas". Cuando se hicieron las previsiones para mejorar los camiones para gasear, la nota administrativa solo mencionaba "la carga".
Esta nota, que lee Claude Lanzmann, es alucinante. Si no existe ningún documento - evoca el historiador Raúl Hilberg - donde se diga que odos los judíos serán matados, este texto simbólico lleva en sí el doble espanto: está en marcha una masacre de proporciones nuevas y es necesario mejorar sin cesar el funcionamiento de la máquina de matar.
El texto es loco. Observa que el "cargamento", si la lámpara no está prendida en el camión, "se precipita hacia las puertas, es decir, naturalmente hacia la luz". "Los gritos surgen siempre en el momento de cerrar las puertas"; entonces en el futuro será recomendado a los encargados del convoy el prender la luz antes y durante los primeros minutos del transporte.
El campo de la conciencia se amplía aún más. Zonas enteras de las ciudades se despueblan. Seis millones de muertos y, en torno, ¿cuántas personas que los han visto desaparecer? En Grabow, los polacos recuerdan bien a los judíos. Eran ricos, vivían en "las casas de adelante". ¿Qué se los ha gaseado? No, seguro que eso no los pone "contentos". Ellos hubieran estado contentos "si se hubieran ido solos".
También existen los que han sacado partido. Existen sobre todo en Francia y en otras partes, en las oficinas, las familias, los inmuebles, los barrios, la campaña, gente que hbiera querido que la otra gente se fuera sola. Después de Shoah, las escenas de racismo ordinario, de la intolerancia cotidiana, van por sí mismas a juntarse al enigma de "la solución final".
Sin explicarlo. Simplemente, Shoah se encarniza con nosotros, no para aumentar nuestra culpabilidad, sino para prevenirla.
Traducción Susana Gauna
Publicado en "Le Monde"

1 Referencia a la miniserie para televisión filmada en 1978 (N. del R)

LA BUSQUEDA

2008-03-07T10:05:00.000-08:00

Título original: The search
Origen: Estados Unidos /Suiza
Año: 1948. Duración: 105 min.
Idioma .inglés. Blanco y negro

FICHA TECNICA
Director: Fred Zinnemann
Guión: Richard Schweizer /David Wechsler
Productores: Oscar Düby /Lazar Wechsler
Música original: Robert Blue
Fotografía: Emil Berna
Edición: Hermann Haller
PREMIOS Y NOMINACIONES
Ganadora del Oscar de la Academia de Cine de Hollywood, 1949 Mejor Historia original
Nominada al Oscar de la Academia de Cine de Hollywood, 1949, Mejor Director, Mejor Actor Protagónico (Montgomery Clift), Mejor Guión
Premio a la Revelacion Juvenil ,1949, Ivan Jandl
PROTAGONISTAS
Montgomery Clift (Ralph “Steve” Stevenson
Aline MacMahon (Sra. Murray)
Jarmila Novotna (Hanna Malik)
Wendell Corey (Jerry Fisher)
Ivan Jandl (Karen “Jimmy” Malik)
Mary Patton (Sra. Fisher)
William Rogers (Tom Fisher)
Leopold Borkowski (Joel Markowsky)
Claude Gambier (Raoul Dubois)
COMENTARIO
En la Alemania de posguerra, un niño sobreviviente de Auschwitz arriba en tren a Berlín y debe ser llevado a un campo de la UNRRA (organización de las Naciones Unidas de Ayuda a los Refugiados de Guerra) en una ambulancia de la Cruz Roja junto con otros niños, que, asustados y atravesados por el pánico ante la idea de que se trata de un camión de la muerte empleado por los nazis, huyen dispersándose y perseguidos por soldados americanos. El niño es encontrado por un soldado americano, que lo toma bajo su cuidado. El niño, Karen Malik, entrevistado por especialistas para poder determinar su origen y ubicar a familiares no recuerda su nombre. Había crecido y se había educado en el seno de una familia de músicos checos y en el campo de concentración fue separado de su madre, Hanna. Al término de la guerra, Hanna comienza la búsqueda de su hijo. . Cada uno, madre e hijo, piensa que el otro está muerto. El soldado decide llevarse al niño a Estados Unidos. Finalmente y en forma absolutamente casual, se produce el reencuentro entre ambos.
El valor de la historia reside en mostrar los esfuerzos realizados en la posguerra para reunificar a las familias, de manera que puedan recomenzar sus vidas y alejarse del pasado que les había sido nefasto.
Aunque el final es hollywoodesco, la película, de estilo neorrealista, casi documental, conmueve por su historia y por la actuación de sus protagonistas. Es la primera película interpretada por Clift que se proyectó (aunque su primera actuación fue en “Rio Rojo”, no estrenada cuando se estrenó “La búsqueda”).

(Esta película será proyectada en el Museo de la Shoá de Buenos Aires, el jueves 27 de marzo de 2008, a las 18.30, en una versión hablada en castellano)

LOS ASESINOS ESTAN ENTRE NOSOTROS

2008-03-05T08:21:00.000-08:00

FICHA TECNICA
Título original: Die morder sind unter uns
Origen: República Democrática de Alemania. Año: 1946
Duración: 85 min. Blanco y negro
Idioma: alemán
Director: Wolfgang Staude
Guión: Fritz Staude / Wolfgang Staude
Productor: Herbert Uhlich
Música original: Ernst Roters
Fotografía: Friedl Behn-Grund / Eugen Klagemann
Edición: Hans Heinrich Egger
Diseño de producción: Otto Hunte / Bruno Monden
Sonido: Kalus Jungk
PROTAGONISTAS
Hildegarde Knef (Susanne Wallner)
Erna Sellner (Elise Brueckner)
Hilde Adolphi (Daisy)
Marlise Ludwig (Sonja)
Arno Paulsen (Ferdinand Brueckner)
Wilhelm Borchert (Dr. Hans Mertens)
Robert Forsch (Sr. Mondschein)
Albert Joahnnes (Bartolomaeus Timm)
Wolfgang Dohnberg (Fritz Knochenhauer)
COMENTARIO
La historia gira alrededor de una sobreviviente de un campo de concentración, Susanne, que regresa a su hogar y su encuentro con el doctor Hans Mertens, un cirujano que ha vuelto del frente de guerra profundamente conmovido. Ambos construyen una relación que bordea con dudas el romance. Alrededor de ellos, todo está en proceso de reconstrucción. Las escenas de destrucción son movilizadoras: no es una escenografía reconstruida sino los restos del paisaje urbano. Hay quienes tienen la suerte de tener un techo sobre sus cabezas o vidrios en sus ventanas.
El espectro de las experiencias alemanas de la guerra está representado por los personajes de la película: una joven mujer regresa a su hogar para reconstruir su fe en la humanidad, un médico que ha servido en el ejército siente la culpa porque no pudo prevenir las acciones que presenció, un ex capitán vive en el lujo y no siente ninguna culpa, convencido que siguió órdenes y un anciano que espera el regreso de su hijo.
Este fue el primer film argumental realizado en Alemania oriental después de la guerra y también el primero producido por DEFA ((Deutsche Film-Aktiengesellschaft), el estudio cinematográfico estatal alemán. Es un fuerte recordatorio que la vida debe ser reconstruida no sólo en Alemania, sino en toda Europa. Mientras que el resto del continente debía ser mayormente reconstruido en lo físico, muchos alemanes debían reconstruir sus vidas personales. Debían afrontar la culpa intensa en muchos casos, ante lo actuado en el pasado. Debían reconstruir la confianza en los nuevos políticos y dirigentes. Pero si estos cambios fueran pocos, Alemania oriental también debía hacer la transición del fascismo al comunismo…El interés de esta película no es puramente histórico sino también tiene un planteo argumental interesante. El romance es algo inalcanzable bajo las condiciones que imperan en el país; el contenido pretende un planteo de la moral en la posguerra, mostrando lo mejor y lo peor que le quedó a cada ser humano al finalizar el conflicto bélico

NOTA: Esta película será proyectada en el ciclo La Shoá en el Cine, el jueves 13 de marzo de 2008 a las 18.30, en el Museo de la Shoá de BUenos Aires, Montevideo 919

NOCHE Y NIEBLA

2008-02-27T11:36:00.000-08:00

Título original: Nuit et brouillard. Año: 1955
Origen: Francia. Duración: 32 min.
Blanco y Negro - color. Idioma: francés
Premio Jean Vigo a mejor película de cortometraje documental 1956
EQUIPO TÉCNICO
Director: Alain Resnais
Guión: Jean Cayrol
Productores: Anatole Dauman / Samy Halfon / Philippe Lifchitz
Música original: Hanns Eisler
Fotografia: Ghislain Cloquet - Sacha Vierny
Editor: Alain Resnais
Directores de segunda unidad: André Heinreich / Jean-Charles Lauthe / Chris Marker
Departamento de sonido: Jacqueline Chasney / Henri Colpi
Efectos especiales: Henry Ferrand
Orquestración: Georges Delerue
Consultores historicos: Henri Michel / Olga Wormser
Narracion: Michel Bouquet

COMENTARIO
Como si fuera una alegoría al significado universal que representa, la sigla N.N, identifica las iniciales de "Noche y Niebla" (en alemán Nacht und Nebel). Este film encierra en tan sólo 32 minutos de duración "una meditación sobre los hechos más atroces del siglo XX", tal como lo definiera Francois Truffaut.
En manos de Resnais, el tema se convierte en un alucinante contrapunto de imágenes mostrando los campos de concentración de Auschwitz o Buchenwald, con sus barracas y edificios abandonados rodeados por una naturaleza luminosa y estival e intercalando trozos de documentales bañados entre el gris y el verdoso, única manera posible para registrar el macabro desfile de muerte, impudicia y miseria.
Todo el film está construido con un mecanismo preciso, usando la máxima objetividad que puede pedirse ante tamaña atrocidad. Lentos desplazamientos de cámaras, repetición de imágenes, donde sólo varía el encuadre, afán por detallar los objetos como si en ellos quedara aún palpitante la angustia y el sufrimiento humanos...
Fue sin duda una larga noche de bruma, de esas que para no avergonzarnos queremos relegar en el olvido, aunque conviene que no sea definitivo, porque como se dice en el film, "...aquella noche y aquellos lugares sintieron correr un agua fría y opaca como nuestra mala memoria".
"Noche y Niebla" es un consciente y desgarrador interrogante sobre el destino del hombre, una película bella e intensa, quizá la mejor realización sobre el Holocausto y las atrocidades de la guerra.

Guión de la película - Jean Cayrol, de la Academia Francsa
Incluso un paisaje tranquilo.
Incluso una pradera con vuelo de cuervos, con cosechas y con fuegos de hierba.
Incluso una carretera por donde pasan coches, campesinos, parejas.
Incluso un pueblo de veraneo con una feria y un campanario, pueden conducir sencillamente a un campo de concentración.
Struhof, Oranienburg, Auschwitz, Neuengamme, Belsen, Ravensbruck, Dachau fueron nombres como los otros sobre los mapas y las guías.
La sangre se ha coagulado, las bocas se han callado, los bloques sólo son visitados por una cámara. Una extraña hierba ha crecido y ha cubierto la tierra gastada por el paso de los concentrados. Los edificios: la corriente ya no pasa por los cables eléctricos.
El nuestro es el único paso.

La máquina se pone en marcha. Se necesita una nación sin notas discordantes, sin querellas. Todos manos a la obra.
Un campo de concentración se construye como un estadio, o un gran hotel: con contratistas, con presupuestos, con competencia; sin duda con gratificaciones. Ningún estilo obligado. Se deja libertad a la imaginación. Estilo alpino, estilo garaje, estilo japonés, sin estilo. Los arquitectos inventan tranquilamente los porches destinados a ser atravesados una sola vez.
Durante ese tiempo, Burger, socialista alemán; Stern, estudiante judío de Amsterdam; Schmulszki, comerciante de Cracovia; Annette, colegiala de Burdeos, vivían su vida cotidiana, sin saber que a mil kilómetros de distancia tenían ya un lugar asignado. Y llega el día en que los bloques se han terminado, solamente faltan ellos. Capturados de Varsovia. Deportados de Lodz, de Praga, de Bruselas, de Atenas, de Zagreb, de Odesa o de Roma. Internados de Pithiviers. Capturados de Vel de Hiv. Resistentes reunidos en Compiegne, la multitud de los capturados con las manos en la masa, de los capturados por error, de los capturados por casualidad inicia la marcha a los campos.
Trenes cerrados a cal y canto.
Acumulación de los deportados, cien por vagón. Ni día ni noche, el hambre, la sed. La asfixia, la locura. Cae un mensaje, a veces recogido. La muerte hace su primera selección. Una segunda se hace a la llegada en la noche y la niebla.

Hoy, sobre el mismo camino, es de día y brilla el sol. Lo recorremos lentamente, en busca ¿de qué? ¿De las huellas de los cadáveres que se desplomaban al abrir las puertas?
O bien del paso de los primeros descendidos, empujados a culatazos hasta la entrada del campo, entre los ladridos de los perros, los resplandores de los proyectores y, a lo lejos, la llama del crematorio, en una de esas escenografías nocturnas que tanto gustaban a los nazis.

Primera mirada sobre el campo: es otro planeta. Bajo pretexto higiénico, la desnudez; de buenas a primeras, entrega al campo de un hombre ya humillado. Rapado, tatuado, numerado, atrapado en el juego de una jerarquía todavía incomprensible, cubierto del hábito azul a rayas, clasificado a veces "Nacht und Nebel': "Noche y Niebla".
Marcado con el triángulo rojo de los "políticos': el deportado afronta al principio los triángulos verdes de los delincuentes comunes, señores entre los infrahombres.
Por encima: el kapo; casi siempre un delincuente común. Por encima todavía: el SS, el intocable. Se le habla desde tres metros. En lo alto: el comandante, preside lejano los ritos. Afecta ignorar el campo. No lo ignora.
Inútilmente intentamos descubrir los restos, la realidad de los campos, despreciada por los que la fabrican, incomprensible para los que la sufren. Ninguna imagen puede devolver su verdadera dimensión a esos bloques de madera, a esas camas de madera donde dormían tres, a esas madrigueras donde se escondían, donde comían a hurtadillas, donde el mismo sueño era una amenaza, la de un miedo ininterrumpido.
Haría falta el jergón que servía de despensa y de caja de caudales, la manta por la cual se peleaban, las denuncias, las blasfemias, las órdenes retransmitidas en todas las lenguas, las bruscas entradas del SS con ganas de controlo de broma.
De este dormitorio de ladrillo, de esos sueños amenazados, solamente podemos mostrar la corteza, el color. Este era el decorado: edificios que podrían ser cuadras, granjas, talleres. Un terreno pobre convertido en solar, un cielo de otoño indiferente, esto es todo lo que nos queda para imaginar una noche surcada de llamadas, de controles, de piojos; una noche que hace castañetear los dientes; hay que dormir rápidamente. Despertarse a golpes; se empujan, se buscan las cosas robadas.
Las cinco. Interminable reunión sobre la Appel-platz. Los muertos de la noche siempre falsean las listas. Una orquesta toca una marcha de opereta a la salida para la cantera, para la fábrica.

Trabajo en la nieve que enseguida se convierte en barro helado.
Trabajo en el calor de agosto, con la sed y la disentería. Tres mil españoles murieron para construir esta escalera que lleva a la cantera de Marienbad.
Trabajo en las fábricas subterráneas. Mes a mes se soterran, se hunden, se esconden, matan. Las fábricas llevan nombres de mujer: Dora, Laura.
Pero estos extraños obreros de treinta kilos son poco seguros. Y el SS los espía, los vigila, los reúne, los inspecciona y los registra antes de volver al campo. Pancartas de estilo rústico mandan cada uno a su casa. Al kapo sólo le resta hacer el recuento de sus víctimas de la jornada.
El deportado encuentra de nuevo la obsesión que dirige su vida y sus sueños: comer.
La sopa. Cada cucharada de sopa no tiene precio. Una cucharada de menos, es un día menos de vida. Se cambian dos, tres cigarrillos por una sopa.
Muchos, demasiado débiles, no pueden defender su ración contra los golpes y los ladrones. Esperan que el barro, la nieve, se los lleve. Estirarse en cualquier parte y tener una agonía propia.

Las letrinas, los abortos. Esqueletos con vientre de bebé iban allí siete, ocho veces por noche. La sopa era diurética. Desgraciado aquel que encontraba un kapo borracho al claro de luna. Se miraba con miedo, se espiaban síntomas muy pronto familiares: sangrar era signo de muerte. Mercado clandestino: se vendía, se compraba, se mataba en silencio. Se visitaban. Se corrían las falsas y las verdaderas noticias. Se organizaban grupos de resistencia.
Una sociedad tomaba forma. Una forma esculpida en el terror, menos loca sin embargo que el orden de los SS que se expresaba en estos preceptos:
"La limpieza es salud." "El trabajo es libertad."
"A cada uno su merecido."
"Un piojo es tu muerte ... " ¡Y un SS qué!
Cada campo reserva sorpresas: Una orquesta sinfónica. Un zoo.
Invernaderos donde Himmler cultivaba plantas frágiles. El castaño de Goethe en Buchenwald. Construyeron el campo en torno, pero respetaron el castaño.
Un orfanato efímero, constantemente renovado. Un bloque especial para los inválidos.
Entonces el mundo verdadero, el de los paisajes tranquilos, el del tiempo de antaño, puede aparecer a lo lejos, no tan lejos.
Para el deportado, era una imagen.
El solamente pertenecía a este universo cerrado, acabado, limitado por los miradores desde donde los soldados vigilaban el buen aspecto del campo, vigilaban incesantemente a los deportados, los mataban a veces, por aburrimiento. Cualquier pretexto era bueno para molestias, para castigos.
Para humillaciones.

Las llamadas horas duras. Una cama mal hecha: veinte palos. No hacerse notar, no mostrarse ante los dioses. Tienen su cadalso, su terreno para matar. Este patio del bloque 11, escondido a las miradas, dispuesto para el fusilamiento, con las paredes protegidas de las señales de las balas; este castillo de Hartheim, donde autocares de cristales oscuros conducen viajeros que nunca se volverán a ver.
Transportes negros que salen de noche y de los cuales nadie sabrá nunca nada.
Pero un hombre es increíblemente resistente: con el cuerpo quemado por el cansancio, el espíritu trabaja, las manos cubiertas de vendas trabajan, se fabrican cucharas, marionetas que se esconden, monstruos, cajas. Se consigue escribir, tomar notas, ejercitar la memoria con sueños.
Se puede pensar en Dios.
Incluso se llega a organizarse políticamente, a disputar a los delincuentes comunes el control interior de la vida del campo, se cuida de los camaradas más débiles, se crea un sistema de ayuda. Como último recurso, se lleva angustiosamente a los más amenazados al hospital, al “Revier”.
Acercarse a esta puerta, era la ilusión de una verdadera enfermedad, la esperanza de una cama. Era también el riesgo de una muerte por inyección.
Los medicamentos son ridículos. Las vendas de papel. La misma pomada sirve para todos los enfermos, para todas las llagas. A veces el enfermo, hambriento, se come las vendas. Al final todos los deportados se parecen. Se alinean sobre un modelo sin edad que muere con los ojos abiertos.
Había un bloque quirúrgico. Por poco uno se creería ante una verdadera clínica. Doctor SS, enfermera inquietante.
Hay un decorado, pero detrás...Operaciones inútiles, amputaciones, mutilaciones experimentales. Los kapos, como los cirujanos SS podían entrenarse, adquirir un oficio.

Las grandes fábricas químicas envían al campo muestras de sus productos tóxicos. O bien compran directamente un loe de deportados para sus pruebas. De esos cobayos, algunos sobrevivirán, castrados, quemados con fósforo. Hay algunos cuya carne quedará marcada para toda la vida, a pesar del regreso.
De esos hombres, de esas mujeres, las oficinas administrativas conservan sus rostros, depositados a la llegada. También se han depositado los nombres. Nombres de veintidós naciones. Llenan centenares de registros, millares de ficheros. Un trazo rojo señala los muertos. Los deportados llevan esa contabilidad delirante, siempre falsa, bajo la mirada de los SS, y de los kapos privilegiados. Esos son los "prominentes", la élite del campo.
El kapo tiene su propia habitación donde guardar sus cosas y recibir de noche a sus jóvenes favoritos.
Muy cerca del campo, el comandante tiene su villa, donde su esposa contribuye a mantener una vida familiar y a veces mundana, como en cualquier otra guarnición. Quizás ella se aburre un poco: la guerra parece que no quiere acabar. Más afortunados, los kapos tenían un burdel. Prisioneras mejor alimentadas, pero destinadas, como las otras, a la muerte.
A veces, de estas ventanas ha caído un pedazo de pan para una camarada del exterior.
De esta forma, los SS habían llegado a reconstituir en el campo una verdadera ciudad, con hospital, barrio reservado, e, incluso -sí - una cárcel.
Inútil describir lo que ocurría en sus calabozos.
Cajas calculadas para no poder estar de pie ni acostado; hombres y mujeres fueron atormentados conscientemente durante días. Las bocas de ventilación no retienen el grito.

1942. Himmler visita los campos.
Es preciso aniquilar, pero productivamente. Dejando la productividad a sus técnicos, Himmler se ocupa del problema del aniquilamiento .
Se estudian planos, maquetas. Se ejecutan, y los mismos deportados participan en los trabajos.
Un crematorio podía tener, si era preciso, un agradable aire de tarjeta postal. Más tarde (hoy) los turistas se hacen allí fotografías.
La deportación se extiende a toda Europa.
Los convoyes se extravían, se detienen, vuelven a salir, son bombardeados, llegan finalmente.
Para unos ya está hecha la selección.
Para los otros, se elige enseguida. Los de la izquierda irán a trabajar. Los de la derecha ...
Estas imágenes están tomadas unos instantes antes de una exterminación.
Matar a mano lleva demasiado tiempo. Se encargan cajas de gas zyklon. Nada distinguía la cámara de gas de un bloque ordinario.
En el interior, una falsa sala de duchas acogía a los recién llegados.
Se cerraban las puertas. Se observaba.
El único signo, pero hay que conocerlo, es el techo arañado por las uñas. Incluso el cemento se desgarraba.

Cuando los hornos no bastaban, se levantaban hogueras. Los nuevos hornos conseguían, sin embargo, absorber millares de cuerpos por día.
Todo se recupera ...
Estas eran las reservas de los nazis en guerra, sus graneros, de los cabellos de mujer. .. a quince pfennings el kilo ...se hacían tejidos. Con los huesos ... abonos. Al menos se intentaba. Con los cuerpos ... es difícil decirlo ... con los cuerpos, se quería fabricar jabón.
En cuanto a la piel. ..

1945. Los campos se extienden, están llenos. Con ciudades de cien mil habitantes. Completos en todas partes.
La gran industria se interesa por esta mano de obra indefinidamente renovable. Las fábricas tienen su campo personal prohibido a los SS.
Steyer, Krupp, Heinckel, I.G-.Farben, Siemens, Hermann Goering, se aprovisionan en estos mercados. Los nazis pueden ganar la guerra. Esas nueva ciudades forman parte de su economía.
Pero la pierden.
Falta el carbón para los crematorios, falta el pan para los hombres, los cadáveres atestan las calles de los campos ... El tifus ...

Cuando los aliados abren las puertas ... Todas las puertas ...
Los deportados miran sin comprender.
¿Están libres? ¿Les reconocerá la vida cotidiana?
"Yo no soy responsable" (dice el kapo)
"Yo no soy responsable" (dice el oficial)
"Yo no soy responsable ... "
Entonces, ¿quién es responsable?
En el momento en que os hablo, el agua fría de los pantanos y de las ruinas llena el hueco de los mataderos.
Un agua fría y opaca como nuestra mala memoria.
La guerra se ha amodorrado con un ojo siempre abierto.
La hierba fiel ha crecido nuevamente sobre las Appelplatz, en torno a los bloques; un pueblo abandonado, lleno todavía de amenazas. El crematorio ya no se usa.
Las astucias nazis han pasado de moda.

Nueve millones de muertos acechan este paisaje.
¿Quién de nosotros vigila en este extraño observatorio
para advertirnos la llegada de nuevos verdugos? ¿Tienen ellos realmente otra cara que la nuestra?
En alguna parte, entre nosotros, hay kapos afortunados, jefes recuperados, denunciadores desconocidos.
Hay todos aquellos que no lo creen, o solamente de vez en cuando.
Y estamos nosotros que miramos sinceramente estas ruinas como si el viejo monstruo concentracionario estuviera muerto bajo los escombros; nosotros que fingimos recuperar la esperanza ante esta imagen que se aleja, como si uno se curara de la peste concentracionaria; nosotros que fingimos creer que todo eso pertenece a un solo tiempo y a una sola nación, y que no pensamos en mirar a nuestro alrededor y que no oímos que se grita interminablemente.

EUROPA EUROPA

2008-01-29T16:00:00.000-08:00

Título original: Europa Europa. Año: 1990
Origen: Alemania / Francia / Polonia. Duración: 112 min. Color. Idioma: alemán / ruso / polaco /hebreo

TEMAS: Racismo; Noche de los Cristales; Tradiciones judías; supervivencia

EQUIPO TÉCNICO
Directora: Agnieszka Holland
Guión: Paul Hengge / Agnieszka Holland sobre el libro de Solomon Perel
Productores: Artur Brauner / Margaret Ménégoz
Música original: Zbigniew Preisner
Fotografía: Jacek Petrycki
Edición: Isabelle Lorente / Ewa Smal
Diseño de producción: Alan Starski
Escenografía: Ewa Braun / Anna Kowarska
Vestuario: Wieslawa Starska / Malgorzata Stefaniak
Directora de segunda unidad: Krystyna Grochowicz
Efectos especiales: Jacek Jelinski
Asesor histórico: Michal Friedman
REPARTO
Marco Hofschneider (Solomon 'Solly' 'Salek' Perel / Josef 'Jupp' Peters)
Julie Delpy (Leni)
René Hofschneider (Isaak)
Piotr Kozlowski (David)
André Wilms (Soldado Robert Kellerman)
Ashley Wanninger (Gerd)
Halina Labonarska (Madre de Leni)
Klaus Abramowsky (Padre de Solomon)
Michèle Gleizer (Madre de Solomon)
Marta Sandrowicz (Bertha)
Nathalie Schmidt (Basia)
Delphine Forest (Inna)
Martin Maria Blau (Ulmayer)
Andrzej Mastalerz (Zenek)
Solomon Perel (El mismo)
Wlodzimierz Press (El hijo de Stalin)
Klaus Kowatsch (Schulz)
Bernhard Howe (Feidwebel)
Hanns Zischler (Capitán von Lerenau)
Anna Seniuk (Rosemarie)
Norbert Schwarz (Schwabe)
Erich Schwarz (Goethke)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Oscar de la Academia de Hollywood 1992, Nominada Mejor Guión adaptado de otro medio: Agnieszka Holland
Premio BAFTA 1993 Nominada Nejor Película en Lengua Extranjera
Premio Asociación de Críticos Cinematográficos de Boston 1991: Mejor Película Extranjera
Globo de Oro, Estados Unidos 1992: Mejor Película Extranjera: Alemania
Premio Asociación de Críticos Cinematográficos de Kansas City 1992: Mejor Película extranjera
Premio Asociación de Críticos Cinematográficos de Los Angeles 1991, Mejor Banda Sonora: Zbigniew Preisner
Premio Consejo Nacional de Crítica, Estados Unidos, 1991: Mejor Película Extranjera: Alemania / Francia
Premio Asociación de Críticos Cinematográficos de Nueva York 1991, Mejor Película Extranjera: Alemania
Premio Sociedad de Cine Político, Estados Unidos 1993, Nominada: Premio Derechos Humanos
COMENTARIOS
He aquí una película que se refiere al Holocausto y a la Segunda Guerra Mundial que emociona pero no reduce el horror de los eventos. Es uno de los mejores films conocidos de la directora nacida en Polonia Agnieszka Holland, quien desde 1981 ha trabajado en Alemania, Francia Inglaterra y Hollywood.
Agnieszka Holland es una de las llamadas cineastas polacas de la Nueva Ola. De padre judío y madre católica, quedó huérfana de padre al morir éste “misteriosamente” durante una “investigación”. La version oficial fue “suicidio”, pero muchos creyeron que murió al ser arrojado al vacío por una ventana. Holland dijo durante una entrevista que “cuando tenía 15 años, decidí que quería hacer una película. Decidí que pintar era muy solitario, y que necesitaba fuerza. Necesito decir a la gente qué debe hacer.” Holland no pudo ingresar a la escuela de cine en Polonia durante el periodo antisemita de los ’60. Entonces optó por la famosa Academia de Cine de Praga en Checoslovaquia y durante esta época fue influida por Bergman, Bresson, Kurosawa y Wajda como también por las vanguardias – la Nueva Ola francesa, la “corriente iracunda” inglesa, el “Neorrealismo” italiano. Fue una época de mucha actividad e innovaciones en Checoslovaquia y pudo observar la filmación de películas como “La tienda de la calle mayor” (1965) y “Trenes rigurosamente vigilados” (1967). Participó en las demostraciones de la “Primavera de Praga” de 1968, lo que le valió un período de seis semanas en prisión.
Regresó a Polonia en los ’70 y trabajó con Andrzej Wajda. En 1974 comenzó a dirigir sus propias películas pero no fue hasta 1978 que recibió el reconocimiento internacional con su película “Provisional Actors” que recibió el premio FIPRESCI en Cannes. Otros dos films de fuerte tono le siguieron: “Fever” (1980) y “A Woman Alone” (1982). Poco antes del golpe militar de diciembre de 1981, Holland trasladó su base laboral a Paris. Cuando se declaró la ley marcial, fue prohibido su retorno al país y perdió el contacto con su hija de 9 años por espacio de ocho meses. Su primer película fuera de Polonia fue “Cosecha amarga” (Angry Harvest / 1984), realizada en Alemania y nominada para un premio de la Academia de Hollywood en la categoría de Mejor Película extranjera. Luego realizó su primera obra angloparlante “Complot para la libertad” (To Kill a Priest / 1988). Luego llegó “Europa Europa” (1991).
“Europa Europa” está basada en una historia real, la de Solomon “Solly” Perel (Marco Hofschneider). Nacido judío el 20 de abril de 1925, irónicamente el mismo día del cumpleaños de Hitler, en Alemania, Solly se encontró a sí mismo envuelto en los traumáticos años de la segunda Guerra Mundial. Su historia habría de ser una de las más asombrosas que surgieron en las luchas de la Segunda Guerra el Holocausto. Era el cuarto hijo de Azriel (Klaus Abramowsky) y Rebeca (Michèle Gleizer) Perel. Su padre era un comerciante de antiguos ancestros judeopolacos, que vivía en Alemania en los ’20. La historia comienza cuando la circuncisión de Solomon, hecho que será crucial en su vida futura, que, para bien o para mal, será parte de su identidad étnica.
La historia se traslada luego a 1938. Solly tiene trece años y es su bar mitzvá. Estudia sus lecciones, mientras toma un baño. Pero esa noche se transformará en lo que se llamaría la Kristallnacht, la “Noche de los Cristales Rotos,” cuando la persecución a los judíos llegó a su climax. Miembros de la SS y ciudadanos alemanes destruyeron los vidrios en hogares y comercios de judíos. La casa de los Perel es invadida por los agentes nazis y Solly salta por una ventana, desnudo, escondiéndose en un barril por varias horas. Necesitado de cubrirse, pide a una joven vecina que le traiga algo de ropa, pero lo mejor que le consigue es un uniforme nazi en desuso. Solly regresa a al hogar familiar en su uniforme nazi y descubre que su amada hermana Bertha (Marta Sandrowicz) ha sido asesinada durante el raid.
Los padres de Solly deciden que él y su hermano Isaak (René Hofschneider) deben dejar el hogar y escapar hacia el este, a Polonia. Sin embargo, a lo largo del camino, Solly y Isaak se separan cuando Solly intenta cruzar un río en bote e Isaak no lo logra. En ese momento, Polonia estaba dividida como consecuencia del pacto de no agresión entre Hitler y Stalin . Los polacos arios huyen hacia el oeste ante el avance de los bolcheviques mientras que los judíos lo hacen hacia el este escapando de los nazis. En el caos, Solly e Isaak ya no se volverán a encontrar. Solly está ahora por su propia cuenta.
Solly es recogido por soldados rusos que lo llevan a un orfanato en Grodno. Allí se destaca como estudiante y se convierte en el favorito de su maestro. La instrucción se centra alrededor de la propaganda comunista y Solly revela su adaptabilidad que le permitirá afrontar las diferentes circunstancias de su vida. Aprende a decir como marxista que la “religión es el opio de los pueblos.” Orientado por su deseo de agradar a su hermosa maestra, Solly se convierte en un modelo de “Komsomol” (Camarada). A los quince años solo desea alimentarse y sobrevivir. Aprende también a hablar con fluidez el ruso, que en el futuro será de gran utilidad.
Cuando se produce la invasión alemana a Rusia en 1941, el orfanato debe ser trasladado al este. Cuando los niños son cargados a un camión bajo la dirección de la maestra, Solly no asciende y la maestra solamente puede arrojarle una manzana. Solly permanece al costado del camino y cae en un profundo sueño hasta que un escuadrón de soldados alemanes llega. Solly convence a los soldados nazis que es un huérfano alemán capturado por los rusos. Los alemanes han capturado a un prisionero importante, el hijo de Stalin, y, en este momento decisivo para Solly, su habilidad para hablar ambos idiomas, alemán y ruso, es invalorable para los alemanes. Pronto, Solly se ha nuevamente metamorfoseado: ahora será un traductor para la unidad milita alemana. Adopta el nombre “Josef” y pronto se convierte en el favorito de la unidad y será bautizado con el apodo “Jupp.” Un soldado “gay”, Robert Kellerman (André Wilms), le toma particular afecto y descubre que Solly está circuncidado. Afortunadamente este soldado es más un poeta y actor que un nazi devoto y guarda el secreto de Solly.
Durante el encuentro con tropas rusas, todos los hombres del escuadrón, incluso Kellerman, son muertos. Solly decide rendirse a los rusos esa tarde, pero una unidad alemana detrás de Solly provoca la rendición de los rusos ante Solly. Así, se transforma en un “héroe” y gana la atención del comandante local, que decide que él y su esposa adoptarían a Solly. Entonces hace los arreglos para enviar a su “hijo” a una de las mejores academias militares donde se forman los oficiales alemanes.
En la academia militar, el mayor problema de Solly es mantener el secreto de su circuncisión. El problema es mayor cuando el médico militar hace su visita anual. Solly simula un problema dental y evade el examen médico y el dentista no le provoca ningún problema. Un segundo problema surge cuando Solly atrae la atención de una fanática aria, Leni (Julie Delpy). Ella es profundamente antisemita, es encantadora y a los dieciocho- diecinueve años, muy atractiva. Ella quiere permenecer todo el tiempo junto a él. Ella quiere tener sexo, pero Solly sostiene que son muy jóvenes, de manera que Leni lo abandona por otro, dado que su voluntad es tener un hijo para el Führer.
Al comenzar la invasión aliada, la Academia es atacada y Solly ve una oportunidad para rendirse. Pero los soldaos aliados no creen en su historia que es realmente un judío. Está por ser ejecutado cuando es reconocido por su hermano Isaak, quien está cubierto por un traje de prisionero de un campo de concentración. Isaak urge a Solly a no contar a cualquiera su historia porque nadie le creería. Después de la guerra, Solly se instala en Israel y construye una familia. Finalmente revela su historia.
“Europa Europa” es una enseñanza de supervivencia a través de la adaptación. Es un tema poco frecuente, pues se han visto más películas que glorifican a individuos que se transforman en mártires por una causa o para mantener su identidad. Tendemos a no respetar a quien renuncia a sus lealtades para salvar su pellejo. Holland toma el camino correcto con su historia por varias rezones. Primero, Solly tenía quince años cuando comienza la guerra y más joven aún cuando huye a Polonia. Segundo, Solly no estaba en posición de absorber el impacto de la terrible situación de los judíos. No hay evidencia que pudiera marcare esa diferencia. Tercero, nada que haya hecho contribuye a alguna acción negativa para cualquiera de los grupos con los que estuvo asociado. Holland admira la adaptabilidad de este joven, quien en su infancia quería ser actor y tiene su oportunidad por una vía inesperada. El juega efectivamente su parte – como judío, como Konsomol y como joven nazi. Finalmente, hace su contribución a la herencia judía a través de su supervivencia y el relato de su historia.
Una de las escenas irónicas ocurre cuando Solly está en su clase de biología, escuchando la clase de su maestro acerca de la superioridad racial aria. El maestro sostiene que cualquier judío puede ser identificado pro sus rasgos: orejas puntiagudas, ojos huidizos, grueso cabello oscuro, gestos ampulosos con las manos. Solly es llamado al frente de la clase y el maestro mide sus rasgos faciales y luego declara que aunque no es un ario puro, es lo suficientemente ario.
La escenografía y el vestuario al igual que la fotografía son muy efectivos. Holland recrea la época tan bien, que uno olvida que estamos frente a una película donde nada es real.
El reparto de esta película es superlativo. Hay muchas actuaciones efectivas, incluyendo la de Julie Delpy como Leni, André Wilms como el soldado “gay” y Halina Labronarska como la madre de Leni. El éxito de la película descansa especialmente sobre la figura de Marco Hofschneider, un actor inexperto cuando fue filmada pero merecedor de un amplio crédito. “Europa Europa” es un apasionado e inteligente film que incorpora otra historia única a la colección de episodios del Holocausto. No es una película perfecta, pero es probablemente una de las de mayor fuerza y pasión.

CONSPIRACION

2008-01-29T15:21:00.000-08:00

Título original: Conspiracy. Año: 2001
Origen: Estados Unidos / Gran Bretaña Duración: 96 min.
Color. Idioma: ingles / alemán

Realización para TV

Disponible en DVD

TEMAS: "Solución Final"; Adolf Eichmann; Reinhard Heydrich; Conferencia de Wannsse

EQUIPO TECNICO
Director: Frank Pierson
Guión: Loring Mandel
Productor: Frank Doelger / Nick Gillott
Fotografía: Stephen Goldblatt
Edición: Peter Zinner
Diseño de producción: Peter Mullins
Dirección artística: Kenneth Wheatley
Vestuario: Rosalind Ebbutt
Maquillaje: Polly Earnshaw
Director de segunda unidad: Jerry Daly
Sonido: Christopher Ackland
Efectos especiales: Paul Dunn
Efectos visuales: Shawn Broes
Consultor histórico: Michael Berenbaum
REPARTO
Kenneth Branagh (Reinhard Heydrich)
Stanley Tucci (Adolf Eichmann)
Simon Markey (Estenógrafo)
David Glover (Somelier)
David Willoughby (Ordenanza)
David Spinx (Cook)
Barnaby Kay (Rudolf Lange)
Peter Sullivan (Coronel SS Eberhard 'Karl' Schöngarth)
Ben Daniels (Dr. Joseph Bühler)
Ewan Stewart (Dr. Georg Leibbrandt)
Brian Pettifer (Dr. Alfred Meyer)
Kevin McNally (Martin Luther)
Colin Firth (Dr. Wilhelm Stuckart)
Nicholas Woodeson (Otto Hofmann)
Jonathan Coy (Erich Neumann)
David Threlfall (Dr. Wilhelm Kritzinger)
Ian McNeice (Dr. Gerhard Klopfer)
Owen Teale (Dr. Roland Freisler)
Brendan Coyle (Mayor General SS Heinrich Müller
PREMIOS Y NOMINACIONES
Premios BAFTA 2003: Mejor drama unitario
Premios BAFTA 2003 Nominación Mejor Actor: Kenneth Branagh
Premio Asociación de Directores de América 2002, Director destacado de películas para televisión: Frank Pierson
Premios Emmy 2001, Mejor Actor Protagónico en Película o Miniserie: Kenneth Branagh
Premios Emmy 2001, Mejor Guionista de Película o Miniserie: Loring Mandel
Premios Emmy 2001, Nominada a Mejor Fotografía de película o miniserie: Stephen Goldblatt
Premiso Emmy 2001, Mejor Director de Miniserie, Película o Especial: Frank Pierson Premios Emmy 2001, Mejor Actor de reparto en Película o Miniserie: Stanley Tucci y Colin Firth
Globo de Oro, Estados Unidos 2002, Mejor Actor de Reparto en Película o Serie de televisión: Stanley Tucci
Globo de Oro 2002, Nominada Mejor Miniserie o Película para Televisión
Globo de Oro 2002, Mejor Actor en Miniserie o Película para Televisión: Kenneth Branagh
COMENTARIO
Quince hombres se reúnen, fuman, comen, beben, eventualmente acuerdan (o están forzados a acordar.) El resultado directo de esta reunión, la Conferencia de Wannsse, es la aniquilación de seis millones de hombres, mujeres y niños.
Adolf Hitler ordena a un grupo de hombres, mientras en el Este se desarrolla el asedio a las ciudades de la Unión Soviética, reunirse en privado y discutir la solución final de la cuestión judía. Esta película está basada en la única transcripción del acta de esta reunión que se encontró y que prueba que no hubo un acuerdo unánime de llevar adelante los planes de exterminio.
Kenneth Branagh desempeña el papel del general Heydrich, el arquitecto militar del plan, junto a su leal coronel Adolf Eichmann (Stanley Tucci) a su lado. Ambos son criticados y cuestionados por Stuckart (Colin Firth) y Kritzinger (David Threlfall), preocupados por la ilegalidad de una acción como evacuar a once millones de judíos. El encuentro original duró solo dos horas y la película un tercio menos, lo que no dejará de impresionar al espectador.
Frank Pierson desarrolla inteligentemente la acción en un par de habitaciones y pocos exteriores, creando inmediatamente una sensación de claustrofobia. El reparto es brillante, destacándose Branagh en un rol maldito y Tucci, en un personaje carente de todo sentido de humor y que solamente cumple órdenes. El guión nos muestra la profunda división entre los politicos y los militares, quienes definitivamente tomarán el control de la “Solución Final.”
Algunos momentos escabrosos giran en torno a la discusión de qué hace a una persona “judía” (a los ojos nazis) y el saber el vasto número que planean matar para limpiar el continente de la presencia judía, tan pronto como los campos sean terminados de construir.
"Conspiración" es un género de película que permite entrar a los temas de la Segunda Guerra Mundial. Cada aspecto funciona, cada palabra, cada gesto tiene valor y el espectador siente cierta sensación de tranquilidad cuando sabe que muchos sobrevivientes de la guerra lograron salvarse de los planes macabros y retornar a una vida casi normal durante décadas. Estamos frente a una película realmente perturbadora por su contenido.

BUEN VIAJE

2008-01-25T13:09:00.000-08:00

Título original: Bon voyage. Año: 2003
Origen: Francia. Duración: 114 min.
Color. Idioma: francés / inglés / alemán

TEMA: Ocupación de Francia; ante la ocupación

EQUIPO TECNICO
Director: Jean-Paul Rappeneau
Guión: Jean-Paul Rappeneau / Patrick Modiano
Productores: Laurent Pétin / Michèle Pétin
Música original: Gabriel Yared
Fotografía: Thierry Arbogast
Editor: Maryline Monthieux
Diseño de producción: Jacques Rouxel
Diseño de vestuario: Catherine Leterrier
Maquillaje: Ginette Arbogast
Peinados: Cédric Chami
Efectos especiales: Sebastien Alagnon / Franck Bonetto / Jean-Baptiste Bonetto / Bernard Bordet
Efectos visuals: Christophe Belena
REPARTO
Isabelle Adjani (Viviane Denvers)
Gérard Depardieu (Jean-Étienne Beaufort)
Virginie Ledoyen (Camille)
Yvan Attal (Raoul)
Grégori Derangère (Frédéric Auger)
Peter Coyote (Alex Winckler)
Jean-Marc Stehlé (Professeur Kopolski)
Aurore Clément (Jacqueline de Luce)
Xavier De Guillebon (Brémond)
Edith Scob (Sra. Arbesault)
Michel Vuillermoz (M. Girard)
Nicolas Pignon (André Arpel)
Nicolas Vaude (Thierry Arpel)
COMENTARIO
En junio de 1940, ministros, periodistas, alta burguesía, bellas mujeres y espías coinciden en el hotel Splendide de Burdeos, huyendo de la inminente entrada de las tropas alemanas en París. Un escenario y circunstancias idóneos para una comedia acelerada como “Buen viaje”.
El director Jean-Paul Rappeneau fue testigo de niño de este momento histórico en el que la vieja República Francesa se vio abrumada y se sintió débil ante la bulliciosa Alemania nazi. El miedo y la debilidad es seña de identidad en los protagonistas, cada uno al nivel de su estrato social, pero es ése miedo el que desemboca todos los acontecimientos narrados.
“Buen viaje” se articula en forma de comedia, pero de igual modo podría haberse planteado como un film de intriga histórica, ya que contiene los elementos suficientes para crear una gran película de ese género. El film de Jean-Paul Rappeneau, pese a no tratarse de una obra maestra, atesora demasiados logros como para pasar inadvertida.

EL HUEVO DE LA SERPIENTE

2008-01-25T12:46:00.000-08:00

Título original: The Serpent's Egg. Año: 1977
Origen: Estados Unidos. Duración: 120 min.
Color. Idioma: ingles / alemán

TEMA: Weimar; experimentos médicos; nazismo

EQUIPO TECNICO
Guión y director: Ingmar Bergman
Productor: Dino De Laurentiis
Música original: Rolf A. Wilhelm
Fotografía: Sven Nykvist
Edición: Petra von Oelffen
Diseño de producción: Rolf Zehetbauer
Dirección artística: Werner Achmann
Vestuario: Charlotte Flemming
Coreografía: Heino Hallhuber
REPARTO
David Carradine (Abel Rosenberg)
Liv Ullmann (Manuela Rosenberg)
Heinz Bennent (Hans Vergerus)
Toni Berger (Señor Rosenberg)
Richard Bohne (Oficial de policía)
Paula Braend (Sra. Hemse)
Erna Brünell (Sra. Rosenberg)
Hans Eichler (Max)
Emil Feist (Miser)
Gert Fröbe (Inspector Bauer)
Georg Hartmann (Hollinger)
Edith Heerdegen (Sra. Holle)
Grischa Huber (Stella)
Lisi Mangold (Mikaela)
Hans Quest (Dr. Silbermann)
Charles Régnier (Doctor)
Walter Schmidinger (Solomon)
Fritz Strassner (Dr. Soltermann)
James Whitmore (Sacerdote)
COMENTARIO
"El Huevo de la Serpiente" fue filmada en Berlín occidental, hablada en inglés, con un solo intérprete que había trabajado previamente con Ingmar Bergman, Liv Ullman. La acción transcurre en los años '20, durante la república de Weimar. Bergman había vivido en Alemania en el marco de un plan de intercambio estudiantil junto a una familia alemana. De esta manera, estuvo en contacto con las primeras manifestaciones del nazismo en dicho país. Realizada ocho años después de “La pasión de Ana”, es una película de un Ingmar Bergman diferente. Es su segunda película rodada en inglés, con un importante presupuesto y escenografías generosas y elaboradas.
La historia, contrariamente a otras películas del director, está situada en una fecha cierta: 3 de noviembre de 1923, en una Berlín sumida en la depresión económica de la post primera guerra., donde reina el hambre y la miseria. Es un mundo en el cual el miedo y la desesperanza de las masas es observada con indiferencia, donde la gente carnea un caballo muerto en la calle para alimentarse y la violencia se expandirá ante la inacción de las autoridades.
La acción se desarrolla a lo largo de una semana, del 3 al 11 de noviembre de 1923, en Berlín. Gira alrededor de dos individuos desesperanzados, que van tomando conciencia paulatinamente del horror de su situación y condición. El país a su alrededor se va derrumbando; el marco, la moneda alemana, no tiene prácticamente ningún valor; el desempleo es de muy alto nivel y Adolf Hitler está trazando los planes para su primer intento de ascenso al poder.
La historia cuenta acerca de dos personas arrojadas a una Alemania que gradualmente irá cayendo en las manos de Hitler: Abel Rosenberg (David Carradine) y Manuela (Liv Ullmann) son artistas circenses desempleados, que junto con Max, hermano de Abel, integraban un trío. Max se suicida en circunstancias poco claras y el resto de la película nos muestra los horrores en los que los envuelve gradualmente su acutal empleador, el doctor Vergerus (Heinz Bennett). Abel y Manuela, su cuñada tratan de sobrevivir de la mejor manera posible, ella en un cabaret y él trabajando a destajo aquí y allá, sintiéndose incómodo en una sociedad que siente que lo rechaza por ser judío. Finalmente ambos caerán en manos de un médico que anticipa el futuro de ciertos aspectos de la medicina bajo el dominio nazi.
Después de una apertura brillante, que pronostica el oscuro futuro de Alemania, la historia continúa en un marco sombrío, mostrando una Berlín cubierta de basura, cruzada por gente hambrienta y desesperada, dispuesta a todo, solamente para poder sobrevivir un día más.
Finalmente, en una magistral escena de cierre, se preanuncia el final: un monstruo que crece y que puede ser visto, como el embrión de una serpiente, a través de la cáscara del huevo, pero nadie se atreverá a destruir impidiendo su nacimiento. La atmósfera cada vez más opresiva, nos prepara para el futuro: a través de la delgada cáscara del huevo de la serpiente, nos acecha el horror de lo provenir. Y a pesar de ello, lo esperamos sin hacer nada...
. La película, un grito de protesta y temor, muestra la decadencia de una sociedad y su lenta caída hacia el abismo.

EL PIANISTA

2008-01-22T13:12:00.000-08:00

Título original: The Pianist. Año: 2002
Origen: Francia / Alemania / Gran Bretaña / Polonia Duración: 150 min.
Color. Idioma: francés / alemán / ruso

TEMAS: Vida judía en Polonia en la preguerra; Ghettos; deportación; policía judía; vida en el ghetto; Justos de la Humanidad; Resistencia (rebelión)

EQUIPO TECNICO
Director: Roman Polanski
Guión: Ronald Harwood sobre el libro de Wladyslaw Szpilman
Productor: Robert Benmussa / Roman Polanski / Alain Sarde
Música original: Wojciech Kilar
Música adicional; Johann Sebastian Bach ("Suite No. 1 in Sol Mayor, BWV 1007" de la "Suite No. 6 para Violoncello") / Frédéric Chopin ("Balada No. 1 Op.23), ("Gran Polonesa brillante, Op.22 allegro molto") / Ludwig van Beethoven ("Sonata Claro de Luna") / Henry Vars
Fotografía: Pawel Edelman
Edición: Hervé de Luze
Dirección de reparto: Celestia Fox / Heta Mantscheff
Diseño de producción: Allan Starski
Dirección artística: Sebastian T. Krawinkel / Nenad Pecur
Vestuario: Anna B. Sheppard
Maquillaje: Waldemar Pokromski
Director de segunda unidad: Tobias Asam
Escenografía: Michael Fechner
Sonido; Nancy Allen
Efectos especiales: Jan Gwiasda
Efectos visuales: Nastuh Abootalebi
REPARTO
Adrien Brody (Wladyslaw Szpilman)
Thomas Kretschmann (Capitán Wilm Hosenfeld)
Frank Finlay (Padre)
Maureen Lipman (Madre)
Emilia Fox (Dorota)
Ed Stoppard (Henryk)
Julia Rayner (Regina)
Jessica Kate Meyer (Halina)
Michal Zebrowski (Jurek)
Richard Ridings (Lipa)
Roy Smiles (Itzak Heller)
Paul Bradley (Yehuda)
Daniel Caltagirone (Majorek)
Andrzej Blumenfeld (Benek)
Udo Kroschwald (Schultz)
John Bennett (Dr. Ehrlich)
Ruth Platt (Janina Godlewska)
Krzysztof Pieczynski (Gebczynski)
Andrew Tiernan (Szalas)
Tom Strauss (Dr. Luczak)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Mejor Actor principal: Adrien Brody
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Mejor Director: Roman POlanski
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Mejor Guión, basado en material previamente producido o publicado: Ronald Harwood
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Nominación a Mejor Fotografía: Pawel Edelman
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Nominación Mejor Diseño de vestuario Anna B. Sheppard
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Nominación Mejor Edición: Hervé de Luze
Oscar de la Academia de Hollywood, 2003, Nominación Mejor Película
Asociación de Guionistas Americanos, Estados Unidos, 2003 Nominación Revelación Guionista Ronald Harwood
Asociación de Fotógrafos Cinematográficos Americanos, Estados Unidos, 2003, Nominación Fotógrafo Destacado: Pawel Edelman
Asociación de Cronistas Cinematográficos de Argentina, 2004, Nominada Cóndor de Plata: Mejor Película Extranjera
Academia de Cine de Japón, 2004: Mejor Película Extranjera
Premios BAFTA, 2003: Mejor Película
Premio David Lean a Mejor Dirección: Roman Polanski
Nominación Premio Anthony Asquith por Mejor Música de Película: Wojciech Kilar
Premio BAFTA Mejor Fotografía: Pawel Edelman
Premio a Mejor Actor en papel protagónico: Adrien Brody
Premio a Major Guión adaptado: Ronald Harwood
Premio a Mejor Sonido: Jean-Marie Blondel / Dean Humphreys / Gérard Hardy
Festival Internacional de Cine de Bermuda 2003, Premio del Público
Asociación de Críticos de Cine de Boston 2002, Premio Mejor Actor: Adrien Brody
Asociación de Críticos de Cine de Boston 2002, Premio Mejor Director: Roman Polanski
Asociación de Críticos de Cine de Boston 2002, Premio Mejor Película
Festival Internacional de Cine de Cannes 2002, Palma de Oro
Premios César, Francia 2003, Mejor Actor: Adrien Brody
Premios César, Francia 2003, Mejor Fotografía: Pawel Edelman
Premios César, Francia 2003, Mejor Director: Roman Polanski
Premios César, Francia 2003, Mejor Película
Premios César, Francia 2003, Mejor Música: Wojciech Kilar
Premios César, Francia 2003, Mejor Diseño de Producción: Allan Starski
Premios César, Francia 2003, Mejor Sonido: Jean-Marie Blondel / Gérard Hardy / Dean Humphreys
Premios César, Francia 2003, Nominada Mejor Vestuario: Anna B. Sheppard
Premios César, Francia 2003, Nominada Mejor Edición: Hervé de Luze
Premios César, Francia 2003, Nominada Mejor Guión: Ronald Harwood
Premio David di Donatello, Italia 2003: Mejor Película Extranjera
Premio Globo de Oro, Estados Unidos 2003: Nominada Mejor Película dramática
Premio Globo de Oro, Estados Unidos 2003: Nominada Mejor Actor Dramático: Adrien Brody
Goya Awards
Premio Goya 2003: Mejor Película Europea
Festival Internacional de Cine, Noruega 2003: Premio Ecunménico
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor fotografía: Pawel Edelman
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor Vestuario: Anna B. Sheppard
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor Director: Roman Polanski
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor: Mejor Edición: Hervé de Luze
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor Película
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor Música: Wojciech Kilar
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor Diseño de Producción: Allan Starski
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Mejor Sonido: Jean-Marie Blondel
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Nominada Mejor Actor: Adrien Brody
Premio Aguila del Cine Polaco, 2003: Nominada Mejor Actriz: Emilia Fox
COMENTARIO
Extranjero en su propia tierra - Aníbal M. Vinelli
Con “El pianista”, candidato al Oscar, Roman Polanski arroja una cruda mirada sobre el Holocausto. Adrien Brody interpreta a un sobreviviente.
Vigoroso aún en medio de una narración clásica o convencional -ambos juicios son válidos-, “El pianista” constituye un fresco veraz de la ocupación nazi en Polonia entre 1939 y 1945. El período, reconstruido de manera alucinante en viejas calles de Varsovia a las que se le adosaron decorados construidos especialmente, se relata a través de un personaje de existencia real, el concertista Wladyslaw (Wladek) Szpilman, interpretado con talento y verosimilitud por Adrien Brody, también él nominado para el Oscar.
Un artista reconocido y en ascenso antes de desatarse el conflicto, Szpilman se encuentra en la radio dando un recital cuando los cañones de setiembre destruyen el estudio. Salvándose de milagro, comienza una nueva odisea, que el largometraje se toma su tiempo en exponer.
Desde entonces extranjero en su propia tierra asolada por un invasor criminal, Szpilman será aún más forastero por ciertas características personales. Proveniente de una rica familia judía (padre, madre, dos hermanas y un hermano) que perecerá en el Holocausto, su carácter es amable y refinado, un bicho raro en medio de un panorama de violencia y brutalidad.
Sufriendo sucesivamente las humillaciones racistas de no poder poseer bienes, llevar la estrella de David por imposición y ni siquiera poder circular por la acera, es encerrado en el ghetto y obligado a tareas subalternas. Sin ser un luchador, se arriesgará a pasar armas de contrabando para el alzamiento que se prepara. Y en algún momento escapará hacia la Varsovia no judía que le parece todavía más irreal por la abundancia con la que se encuentra.
Refugiándose en distintas residencias que le consiguen amigos de la Resistencia, su situación irá deteriorándose más y más a medida que la guerra se endurece y los alemanes aceleran la Solución Final en una noche que parece no concluir nunca.
Una sombra de lo que fue, raquítico, muerto de hambre y desaliñado, huirá de la locura bélica que lo rodea mientras, testigo a la distancia, presencia ejecuciones sumarias y los enfrentamientos entre ambos bandos. A veces, protegiéndose en los recuerdos, sueña y digita, la mímica del concertista que supo ser. Hasta que se topa con un capitán del Ejército alemán, que lo descubre sucio y tambaleante y sabedor de su profesión, lo invita a tocar el piano. Lo que genera uno de los momentos mágicos y más conmovedores de un filme que no se distingue, precisamente, por sus apelaciones a la emoción, característica que ha sido una constante a lo largo de toda la obra de Roman Polanski.
“El pianista” es un filme donde víctimas y victimarios, héroes y villanos, se confunden más de una vez. Y del distanciamiento, casi como explosiones de acción retardada que, en términos de comprensión, afectarán al espectador mucho después que se hayan encendido las luces de la sala. Y en el que, sin embargo, pese a la intención del director, las ráfagas de dolor y sentimiento, del deseo de vivir a pesar de todo, fluyen por doquier. Tan melancólicas como las deliciosas melodías de aquel ícono polaco de Chopin cuya música predomina y distingue a más de una secuencia clave de esta película dura, inteligente y digna de ver.

DEBAJO DEL MUNDO

2008-01-22T09:38:00.000-08:00

Origen: Argentina. Año: 1986
Duración: 100 min.
Color. Idioma: español

Disponible en VHS

TEMAS: Resistencia (ocultamiento)

EQUIPO TECNICO
Director: Beda Docampo Feijóo
Guión: Beda Docampo Feijóo / Juan Bautista Stagnaro
Productora: Sabina Sigler (Argentina / Karen Skop (Checoslovaquia)
Música original: José Luis Castiñeira de Dios
Fotografía: Frantisek Uldrich
Edición: Pablo Mari
Diseño de producción: Miguel Ángel Lumaldo
Dirección de segunda unidad: Ana Poliak
Sonido: José Luis Díaz
REPARTO
Paula Canals
Karel Chromík
Carlos De Mateis
Oscar Ferrigno Jr.
Gabriel Gibot
Víctor Laplace
Bárbara Mújica
Jan Pohan
Sergio Renán
Gabriel Rovito
Jorge Sabate
Bruno Stagnaro
Gabriela Toscano
Tomas Voth
COMENTARIO
La historia transcurre a mediados de la Segunda Guerra Mundial, entre 1942 y 1944, en un pequeño pueblo de campesinos de Polonia ocupada por los nazis y obligados a presentarse en la comandancia para ser trasladados a un campo de concentración, donde indudablemente encontrarán la muerte, los protagonistas deciden ocultarse. Esta coproducción argentino-checoslovaca fue rodada en Checoslovaquia y es la única que a lo largo del cine argentino trata el tema de la Segunda Guerra Mundial y los judíos.
El film está inteligentemente guionado, invitando a múltiples visiones, a identificaciones emocionales y a la descripción de detalles que hacen a la vida cotidiana y a las relaciones humanas en un grupo familiar oculto en hoyos bajo tierra, en diferentes lugares para eludir el peligro de ser descubiertos y poder, de esta manera, sobrevivir.
La extraordinaria aventura que corren teniendo sobre sus pisadas la implacable persecución de los alemanes, hace de este conmovedor relato un caso para ser tomado como ejemplo, exponiéndose la fortaleza del hombre para sobrevivir a todas las contingencias que le depara la guerra.
La circunstancia que vive esa familia con sus hijos, unos adolescentes y otro sólo un niño, la hace crecer en su misma impotencia, transitar por espacios desconocidos, aplicar la más grande de las astucias, soportar un impresionante esfuerzo físico y moral y enfrentar con valentía las vicisitudes más atroces que el hombre puede soportar, las que hasta ahora les eran ignoradas.
Conmovedor hecho de la vida real que ha sido contado por uno de los sobrevivientes.

EL DIARIO DE ANA FRANK

2008-01-22T05:26:00.000-08:00

Título original: The Diary of Anne Frank. Año: 1959
Origen: Estados Unidos. Duración: 158 min.
Blanco y Negro. Idioma: inglés / alemán

Disponible en VHS y DVD

TEMAS: Resistencia (ocultamiento); Justos de la Humanidad; adolescencia y guerra.

EQUIPO TECNICO
Director y productor: George Stevens
Guión: Frances Goodrich / Albert Hackett sobre su pieza basada en “Diario” de Ana Frank
Música original: Alfred Newman
Fotografía: William C. Mellor
Edición: David Bretherton / William Mace / Robert Swink
Dirección artística: George W. Davis / Lyle R. Wheeler
Escenografía: Stuart A. Reiss / Walter M. Scott
Vestuario: Charles Le Maire / Mary Wills
Maquillaje: Ben Nye
Peinados: Helen Turpin
Director de segunda unidad: David Hall
Sonido: W.D. Flick / Harry M. Leonard
Efectos especiales: L.B. Abbott
Fotografía exteriores: Jack Cardiff
Asistente de edición: Hal Ashby
REPARTO
Millie Perkins (Anne Frank)
Joseph Schildkraut (Otto Frank)
Shelley Winters (Petronella Van Daan)
Richard Beymer (Peter Van Daan)
Gusti Huber (Edith Frank)
Lou Jacobi (Hans Van Daan)
Diane Baker (Margot Frank)
Douglas Spencer (Kraler)
Dodie Heath (Miep)
Ed Wynn (Albert Dussell)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Mejor actriz de reparto: Shelley Winters
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Mejor escenografía balnco y negro: Lyle R. Wheeler / George W. Davis / Walter M. Scott / Stuart A. Reiss
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Mejor Fotografía blanco y negro: William C. Mellor
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Nominada Mejor actor de reparto: Ed Wynn
Oscar de la Academia de Hollywood 1960B, Mejor Vestuario: Charles Le Maire / Mary Wills
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Mejor Director: George Stevens
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Mejor Banda Sonora para drama o comedia: Alfred Newman
Oscar de la Academia de Hollywood 1960, Mejor Película
Festival Internacional de Cine de Cannes 1959, Nominada Palma de Oro: Mejor Película
Asociación de Directores de Estados Unidos, 1960, Nominada Dirección Destacada: George Stevens
Globo de Oro 1960: Mejor Película promocionando la comprensión internacional
Globo de Oro 1960, Nominada Mejor película dramática
Globo de Oro 1960, Mejor Actor dramático: Joseph Schildkraut
Globo de Oro 1960, Mejor Director: George Stevens
Globo de Oro 1960, Mejor Actriz de reparto: Shelley Winters
Premios Laurel 1960: Laurel de Oro, Actriz de reparto: Shelley Winters
Premios Laurel 1960: Segundo Lugar Banda sonora: Alfred Newman
Asociación de Guionistas de Estados Unidos, 1960: Mejor guión de cine: Frances Goodrich / Albert Hackett
COMENTARIO
“Durante los últimos dos años vivimos en temor. Ahora podemos vivir con esperanzas” – Otto Frank.
Es 1942 y la Segunda Guerra Mundial está en pleno desarrollo. En Ámsterdam, Holanda, en el ático de una fábrica, se esconden las familias Frank y Van Pels, temiendo ser encontradas por los nazis. La familia Frank estaba compuesta por cuatro personas: el padre, Otto (Joseph Schildkraut), la madre, Edith (Gusti Huber) y las hermanas, Margot (Diane Baker) y Ana (Millie Perkins). Los Van Pells tenían tres miembros: el padre, Hermann (Lou Jacobi), la madre, Augusta (Shelley Winters) y el hijo, Peter (Richard Beymer).
Cada día, entre las 8.00 y las 20.00, ambas familias debían permanecer en absoluto silencio y quietud para que nadie pudiera oírlos ni enterarse que estaban arriba, en el escondite. Por dos años ambas familias vivieron en el ático con raciones limitadas y en una monotonía rutinaria y constante temor de provocar algún ruido o sobresalto. Ana tenía una pasión para matar el tiempo: escribía en su diario, rojo y blanco, todo acerca de ella, de sus profundos pensamientos, sueños y deseos. Este “Diario” era su más preciada posesión y nunca lo dejaba lejos de ella y seguramente moriría si se perdiera.
Ana peleaba frecuentemente con su hermana, su madre y los Van Pels. Secretamente estaba enamorada de Peter, pero nunca lo comentó y fue un secreto que mantuvo todo el tiempo para ella. Finalmente, un día de marzo de 1945, ambas familias son descubiertas, denunciadas y capturadas por los nazis, que las envían a un campo de concentración. El único que sobrevivirá al campo es Otto Frank. Sus hijas fueron enviadas por un tiempo a Auschwitz, pero luego trasladas a Bergen Belsen, en Alemania, donde enfermaron y murieron con una diferencia de una semana. Otto Frank encontró el “Diario” y lo publicó en 1952. Lo que no vemos en la película es que había otra versión que Ana preparaba de su “Diario” para publicarlo una vez que lo terminara. Esta versión fue integrada con el original en lo que conocemos como el libro, “Diario de una joven.”
“El Diario de Ana Frank” es una versión altamente hollywoodesca del libro difundido por Otto Frank. Hay errores históricos en la película, pero son menores y pueden ser soslayados.
Millie Perkins es la Ana perfecta: dulce, suave, delicada, una maravillosa adolescente que hace renacer a la Ana original y hace justicia a quien fuera asesinada sin ninguna razón. Se trata de una película excepcional no solo porque es la primera en dar vida al libro, sino porque nos muestra lo que puede suceder a la gente, especialmente a una joven forzada a vivir segregada, a abandonar todo lo que le es querido, a ofrendar su vida en forma absurda.
“El Diario de Ana Frank” es una obra maestra de realización, conmovedora y plena de fuerza, plenamente vigente a pesar de los años de su realización y que debiera ser vista por todos aquéllos que tienen corazón y conciencia y no solamente por los amantes del buen cine.

BENT

2008-01-21T02:20:00.000-08:00

Título original: Bent. Año: 1997
Origen: Gran Bretaña Duración: 108 min
Idioma: inglés. Color

TEMA: Discriminación; campos de concentración

EQUIPO TECNICO
Dirección: Sean Mathias
Guión: Martin Sherman, sobre su pieza
Producción: Hisami Kuroiwa
Música original: Philip Glass
Fotografía: Yorgos Arvanitis
Edición: Isabelle Lorente
Diseño de producción: Stephen Brimson Lewis
Vestuario: Stewart Meachem
Maquillaje: Sarah Love
Peinados: Trefor Proud
Sonido: John Billingsley
Efectos especiales: Dave Crownshaw
Efectos visuales:Alan Church
REPARTO
Clive Owen (Max)
Lothaire Bluteau (Horst)
Ian McKellen Tío Freddie)
Mick Jagger (Greta/George)
Jude Law (Soldado)
Rupert Graves (Oficial en el tren)
Charlie Watts (Guardia en el tren)
Paul Bettany (Capitán)
Rachel Weisz (Prostituta)
PREMIOS
Festival de Cannes, 1997: Premio de la Juventud Película Extranjera
Festival Internacional de Emden, 1998: Segundo Premio
Festival Internacional de Gijón, 1997: Mejor Actor / Lothaire Bluteau
Gran Premio de Asturias, nominación para Sean Mathias
Festival Internacional de Cine Gay y Lésbico, Torino, 1998: Mejor película
COMENTARIO
Esta película no ha tenido un alto presupuesto, ¿pero hace ello a una película? La historia y los personajes hacen a una película y esto es lo que posee “Bent”.
Es la historia de un homosexual bajo el régimen nazi, acusado de un crimen y enviado a un campo de concentración. Aquí se refleja el drama del homosexual, figura odiada y perseguida por el nazismo, cuyo sufrimiento no fue menor al de los demás discriminados por la raza, la discapacidad o motivos políticos.
“Bent” es única en su género al tratar con total y absoluta crudeza este tema, profundamente humano, real, del que poco se ha tratado y hablado.

AUSCHWITZ, LOS NAZIS Y LA SOLUCION FINAL

2008-01-20T05:58:00.000-08:00

Título original: Auschwitz: The Nazis and the 'Final Solution'. Año: 2005. Origen: Gran Bretaña. Duración: 300 min.
Color / Blanco y negro. Idioma: ingles / alemán / polaco / húngaro

TEMAS: Campos de concetración; campos de exterminio; "Solución Final"; nazismo.

EQUIPO TECNICO
Director: Laurence Rees
Guión: Laurence Rees sobre su propio libro
Productor: Laurence Rees
Edición: Alan Lygo
Efectos visuales: John Leonti / Bruno Serre / Kim Taylor
Editores on-line: Nick Carroll / Eben Clancy / Andrew Frampton / Nick Peto / Nick Pitt / John Sillitto / Ken Southern / Adrian Udal / Malcolm Warner
REPARTO
Samuel West (Narrador)
Linda Hunt (Narradora)
Horst-Günter Marx (Rudolf Höss)
Klaus Mikoleit (Heinrich Himmler)
Gordon Newell (Bill Cross)
COMENTARIO
Rápidamente entramos en el relato de primera fuente sobre el Holocausto, uno de los eventos históricos críticos del siglo XX. Desde la filmación de “Shoah” , han quedado pocos sobrevivientes para testimoniar personalmente acerca de lo que pasó cuando el racismo se difundió en una nación y se convirtió en parte de la política gubernamental. Este documental de la BBC puede contener algunas de las últimas entrevistas filmadas a estos sobrevivientes y aprovecha la oportunidad con el debido respeto y nivel.
En sus 300 minutos no sorprende que “Auschwitz...” cubre más de lo que en su título ofrece. El campo de concentración en Auschwitz se transformó en el símbolo del Holocausto: una máquina de muerte diseñada que exterminó a millones de personas inocentes. Este documental usa este símbolo como punto de partida para investigar el Holocausto, explorando sus orígenes, desarrollo y eventual declinación. Emplea nuevas entrevistas, recreaciones, filmaciones de archivo y documentos traducidos para crear una perturbadora exploración de este oscuro momento en la historia.
“Auschwitz…” es un importante material para quien quiera saber más acerca del Holocausto, pero no sabe a partir de donde empezar. En un desarrollo metódico a lo largo de seis episodios, cubre múltiples tópicos. Es el resultado de tres años de investigación y cada parte es tratada con claridad, sinceridad e integridad. Los autores son también cuidadosos en la mención de la fuente de información y muestran mapas y diagramas de manera que los documentos no aparecen como una afluencia de información seca y monótona de nombres y datos. El productor Laurence Rees tomó una inteligente decisión al usar un amplio rango de recursos técnicos para relatar la historia: entrevistas, recreaciones, imagines de archivo, relatos…
Hay entrevistas con judíos que sobrevivieron a los campos como con algunos de los guardianes y otras personas involucradas en Auschwitz. Aunque hayan pasado más de 60 años desde la terminación de la guerra, relatan sus historias simple y vívidamente. El archivo fílmico ha sido seleccionado y fueron empleados clips de mucha fuerza. Estos clips hacen reales las historias relatadas, un constante recuerdo de las mismas que pueden ser verificadas y tienen plena vigencia. Las recreaciones digitales de los campos y otras construcciones son lo suficientemente precisas para ser instructivas y transmitir todo su horror. Ninguna piedra dejó de ser dada vuelta en el desarrollo de este proyecto; las causas de los eventos no son ignoradas para transformarlos en una poderosa experiencia emocional. Los guardianes de los campos no son transformados en monstruos, pero son vistos como gente que ha sido bien educada desde su juventud para creer que lo que hacen es lo correcto para su país. Hacia el final, la serie discute algunas de las maniobras políticas que tuvieron gran impacto en Auschwitz, que es muy valioso para quienes han estudiado el Holocausto en el pasado.

CABARET

2008-01-19T14:18:00.000-08:00

TEMAS: Weimar; antisemitismo; ascenso del nazismo; Juventudes Hitlerianas; judíos en Alemania

Título original: Cabaret. Año: 1972
Origen: Estados Unidos. Duración: 124 min.
Color. Idioma: inglés / alemán / hebreo

EQUIPO TECNICO
Director: Bob Fosse
Guión: Christopher Isherwood sobre su obra “Cuentos de Berlín” / John Van Druten sobre su pieza “Soy una cámara” / Joe Masteroff sobre el musical “Cabaret” / Jay Presson Allen
Productor: Cy Feuer
Música: John Kander de la pieza "Cabaret"
Fotografía: Geoffrey Unsworth
Editor: David Bretherton
Diseño de producción: Rolf Zehetbauer
Dirección artística: Hans Jürgen Kiebach
Vestuario: Charlotte Flemming
Maquillaje y peinados: Susi Krause
Coordinador de danzas y areglos musicales: Ralph Burns
Director de danzas y números musicales: Vic Heutschy
REPARTO
Liza Minnelli (Sally Bowles)
Michael York (Brian Roberts)
Helmut Griem (Maximilian von Heune)
Joel Grey (Maestro de ceremonias)
Fritz Wepper (Fritz Wendel)
Marisa Berenson (Natalia Landauer)
Elisabeth Neumann-Viertel (Señora Schneider)
Helen Vita (Señora Kost)
Sigrid von Richthofen (Señora Mayr)
Gerd Vespermann (Bobby)
Ralf Wolter (Señor Ludwig)
Georg Hartmann (Willi)
Ricky Renée (Elke)
Estrongo Nachama (Cantor)
Kathryn Doby (bailarina de Kit-Kat)
Inge Jaeger (bailarina de Kit-Kat)
Angelika Koch (bailarina de Kit-Kat)
Helen Velkovorska (bailarina de Kit-Kat)
Gitta Schmidt (bailarina de Kit-Kat)
Louise Quick (bailarina de Kit-Kat)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Academia de Cine de Hollywood, 1973, Oscar a Mejor Actor de Reparto: Joel Grey
Academia de Cine de Hollywood, 1973,Oscar a Mejor Actriz: Liza Minnelli
Academia de Cine de Hollywood, 1973,Oscar a Mejor Escenografía: Rolf Zehetbauer / Hans Jürgen Kiebach / Herbert Strabel)
Academia de Cine de Hollywood, 1973,Oscar a Mejor Fotografía: Geoffrey Unsworth
Academia de Cine de Hollywood, 1973, Oscar a Mejor Director: Bob Fosse
Academia de Cine de Hollywood, 1973, Oscar a Mejor Edición: David Bretherton Academia de Cine de Hollywood, 1973, Oscar a Mejor Banda Sonora: Canción original y/o adaptación (Ralph Burns)
Academia de Cine de Hollywood, 1973, Oscar a Mejor Sonido: Robert Knudson / David Hildyard)
Academia de Cine de Hollywood, 1973, Nominada a Mejor Película
Academia de Cine de Hollywood, 1973, Nominada a Mejor Guión Adaptado
Premio American Cinema Editors, Estados Unidos, 1973, Mejor edición: David Bretherton
Mejor Pelicula no Europea, 1973
Mejor Director no Europeo, 1973: Bob Fosse
Asociación Cinematográfica de Gran Bretaña, 1973: Mejor fotografía: Geoffrey Unsworth
David de Donatello, Italia, 1973, Mejor director película extranjera
David de Donatello, Italia, 1973, Mejor actriz extranjera: Liza Minnelli
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Mejor película comedia musical
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Mejor actriz en comedia musical: Liza Minnelli
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Mejor Actor de Reparto: Joel Grey
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Nomnado Mejor Director: Bob Fosse
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Nominada Mejor Canción Original "Mein Herr" (Mi señor)(Música John Kander, Letra Fred Ebb)
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Nominada Mejor Canción Original "Money, money" (Dinero, dinero) (Música John Kander, Letra Fred Ebb)
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Nominado Mejor Guión: Jay Presson Allen Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Nominada Mejor Actriz de Reparto: Marisa Berenson
Globo de Oro, Estados Unidos, 1973, Nominada Revelación femenina: Marisa Berenson
Asociacion Nacional de Criticos, Estados Unidos, 1972, Mejor director: Bob Fosse
Asociacion Nacional de Criticos, Estados Unidos, 1972, Mejor Película en lengua inglesa
Asociacion Nacional de Criticos, Estados Unidos, 1972, Mejor Actor de reparto: Joel Grey compartido con Al Pacino - El padrino
Asociacion Nacional de Criticos, Estados Unidos, 1972, Mejor Actriz de Reparto: Marisa Berenson
COMENTARIO
Hay quienes piensan que "Cabaret" es la comedia musical más real que se haya filmado. Los temas musicales son cantados directamente sobre el escenario del cabaret, siendo los cantantes acompañados por la orquesta. Cada una de las canciones sirve a un propósito o comenta una situación en el Berlín de 1931, donde la influencia de Hitler y sus huestes es creciente, en una atmósfera donde predomina la decadencia y el antisemitismo.
Ambientada en el club nocturno "Kit Kat", Bob Fosse realiza una película apasionante y apasionada. Liza Minelli, como la legendaria Sally Bowles, una cantante americana en Berlín en los '30, se enamora del inglés Brian Roberts (Michael York), un amanerado bisexual. Sally Bowles, cantante y bailarina en el cabaret, es una americana emigrada que dedica su vida a encontrar un espacio en el "negocio del espectáculo". Como ella, eran millones que ven sus ilusiones frustradas. Ambos son seducidos por un playboy adinerado, Maximilian von Heune (Helmut Griem), mientras que Natalia Landauer, una joven judía, heredera de una gran tienda departamental, se enamora de un gigoló, que guarda en secreto su origen judío por temor a los nazis amenazantes. Cuando Sally queda embarazada, Brian le propone tener al hijo, pero ella opta por abortar y él regresa a Inglaterra. La historia se va desarrollando con el fondo musical en el club, donde se suceden los números artísticos y los comentarios sobre los caracteres de los personajes a cargo del maestro de ceremonias (Joel Grey).
"Cabaret" explora el mismo terreno que "La caída de los dioses" de Luchino Visconti. Ambas plantean que el ascenso del partido nazi fue acompañado por un ascenso en la manifestación de la bisexualidad, homosexualidad, sadomasoquismo y otras actividades. Aunque esta apreciación parezca una simplificación aplicada a un movimiento nacional, tomándola respecto del nazismo tiene cierto sentido, especialmente por tratarse de un movimiento en el cual se resalta el cuidado del cuerpo en búsqueda de la perfección racial y la concepción de la superioridad racial.
"Cabaret" trata acerca de personas cuya decadencia y ambigüedad sexual eran parte de la escenografía de Berlín de los '30 y esta centrada en Sally Bowles, una de las más famosas invenciones literarias de apareció por primera vez en "Cuentos de Berlín", de Christopher Isherwood y luego reaparece en la pieza teatral y posterior película "Yo soy una cámara". La figura de una Sally despreocupada por el futuro, que no toma en serio el futuro ni al nazismo, que se relaciona y compromete con el prójimo hasta cierto punto, es la síntesis a través de la imagen de toda una época en la historia alemana.
Esta época estaba marcada por la inseguridad en el futuro, producto a su vez de la inseguridad política en Alemania , fruto del fracaso de los sucesivos gobiernos que no habían encontrado el camino para hacer frente a las crisis constantes que se producían en el país.
En este sentido, es emblemática una escena de la película: un joven uniformado con el traje de las Juventudes Hitlerianas, comienza a cantar un tema, que habla del "futuro que nos pertenece". Lentamente se le van uniendo otras personas, particularmente jóvenes y algunos hombres de mediana edad. Los ancianos escuchan con desdén la canción. Para unos existe un futuro, prometido por un partido político que avanza con fuerza. Para otros, todo ha llegado a su fin.
Las letras de las canciones también hacen referencia a la crisis que se vivía: Alemania no era más que un cabaret, donde había que tratar de vivir la vida cotidiana lo mejor posible, donde había que procurar la posesión de un bien escaso: el dinero y la felicidad y sobre la cual comenzaba a flotar la sombra de la violencia y el terror nazi.
CANCIONES
Willkommen, bienvenue, welcome! / Fremde, Etranger, stranger.
Glucklich zu sehen, je suis enchante, / Happy to see you, bliebe, reste, stay.

Bye bye mein lieber Herr, Farewell mein lieber Herr. / It was a fine affair but now it's over!
And though I used to care, I need the open air, / You're better off without me, Mein Herr!

Now Fatherland, Fatherland, show us the sign / Your children have waited to see
The morning will come / When the world is mine
Tomorrow belongs to me

Money makes the world go round / The world go round, the world go round
Money makes the world go round / It makes the world go round

What good is sittin' alone in your room / Come hear the music play,
Life is a cabaret old chum / Come to the cabaret.

DISPONIBLE EN DVD Y VHS

ESCAPE DE SOBIBOR

2008-01-18T12:03:00.000-08:00

TEMAS: Resistencia (rebeliones armadas); trabajo forzado; campso de trabajo; campos de extermino;

Título original: Escape from Sobibor. Año: 1987
Origen: Yugoslavia/Gran Bretaña. Duración:143 min.
Color. Idioma: inglés
Realización para la televisión

EQUIPO TECNICO
Director: Jack Gold
Guión: Reginald Rose sobre libros de Richard Rashke, Thomas 'Toivi' Blatt (“De las cenizas de Sobibor) y
Stanislaw 'Shlomo' Szmajzner ("Infierno en Sobibor")
Productores: Howard P. Alston / Dennis E. Doty / James Easter
Música original:
Georges Delerue
Fotografía: Ernest Vincze
Edición: Keith Palmer
Diseño de producción: Allan Starski
Dirección artística y escenografía: Vlastimir Gavrik
Vestuario: Doreen Watkinson
REPARTO
Alan Arkin (Leon Feldhendler)
Joanna Pacula (Luka)
Rutger Hauer (Alexander 'Sasha' Pechersky)
Hartmut Becker (Sargento Gustav Wagner)
Jack Shepherd (Itzjak Lichtman)
Emil Wolk (Samuel)
Simon Gregor (Stanislaw 'Shlomo' Szmajzner)
Linal Haft (Oberkapo Porchek)
Jason Norman (Thomas 'Toivi' Blatt)
Robert Gwilym (Jaim Engel)
Eli Nathenson (Moisés Szmajzner)
Kurt Raab (Sargento Frenzel)
Eric P. Caspar (Capitán Franz Reichleitner)
Hugo Bower (Sargento Beckmann)
Klaus Grünberg (Sargento Bauer)
Wolfgang Bathke (Sargento Hurst)
Henning Gissel (Sargento Fallaster)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Nominaciones al Emmy:
Dirección Artística Miniseries o Programas Especiales: Allan Starski / Vlastimir Gavrik / Milorad Kalanj / Miodrag Miric
Dirección Miniseries o Programas Especiales: Jack Gold
Obra dramática
Actor en Miniseries o Programa Especiales: Alan Arkin
Guión Miniseries o Programas Especiales: Reginald Rose
Globo de Oro 1988 Mejor miniserie o película para televisión
Globo de Oro Mejor Actor secundario en Series, miniseries o película para televisión: Rutger Hauer
Nominada Globo de Oro Mejor Actor principal en miniserie o película para televisión: Alan Arkin
Asociación de Guionistas de Estados Unidos, Mejor adaptación 1988: Reginald Rose
COMENTARIO
El campo de concentración y exterminio de Sobibor fue escenario el 14 de octubre de 1943 de la única rebelión exitosa ocurrida en un sitio como este durante la Segunda Guerra mundial. La historia se desarrolla en el campo, poblado solo por judíos, hombres y mujeres cuyos trabajos los hacen valiosos para los alemanes. Leon (Alan Arkin) se ha convertido de alguna manera en un líder natural, a quien se dirige en general los prisioneros y a quien un trío le revela su intención de escapar del campo. Leon no los puede detener y solo puede oír los disparos cuando escapan y las explosiones en el campo minado que rodea a Sobibor.
Trabajar para los alemanes ya es bastante duro, pero los hombres tienen otra tarea: recibir a los convoyes que llegan al campo, asistir en silencio a las escenas que se suscitan cuando las familias son separadas durante al selección y quienes son útiles, sastres, zapateros, orfebres son separados para ser explotados laboralmente mientras permanezcan en Sobibor. Quienes no tienen ninguna habilidad y no sirven a los nazis, tomarán una ducha para ser luego reasentados. Las filas de hombres y mujeres marchan hacia las duchas, sin sospechar siquiera que están siendo conducidas a las cámaras de gas y crematorios. Itzjak (Jack Sheperd) conoce la verdad la misma noche de su llegada, cuando Leon y su amigo Samuel (Emil Wolk) le cuentan que son las duchas.
Leon ha pensado planes para escapar para 10 o 20 prisioneros, pero cuando en un acto de represalia ante el intento de huida de 10 prisioneros, que una vez capturados deben elegir a otros 10 que los acompañaran en su muerte o muchas más serán ejecutados, Leon entiende que todos deben intentar escapar. Mientras piensan en todas las posibilidades, en cómo enfrentar a los 16 oficiales de la SS y los 125 guardias ucranianos, un grupo de prisioneros soviéticos es traído al campo, donde son separados quienes van a uno de prisioneros de guerra y quienes quedan en Sobibor por su condición de judíos. Su líder es Sasha Pechersky (Rutger Hauer). Sasha preparará los aspectos tácticos y Leon los difundirá entre los prisioneros. Y el plan es audaz: para tener alguna chance de éxito, deberán matar a los 16 oficiales alemanes en el lapso de una hora.
Finalmente, el escape comienza. Desordenadamente, los prisioneros se lanzan sobre el alambrado e inician una larga corrida a través del campo minado. De los 600 prisioneros, la mitad muere en el intento, pero el resto logra llegar a los bosques, dejando atrás a los ucranianos, que quedan en el campo sin sus jefes. El último mensaje de Leon a sus compañeros es que deben ser testigos, deben dar a conocer al mundo que ocurrió en Sobibor.
La película es, de alguna manera, un homenaje a quienes resistieron de todas formas al nazismo, que lucharon contra él, a veces con éxito pero muchas fracasando en su intento. Pero nunca olvidaron su dignidad como seres humanos.

ALEMANIA AÑO CERO

2008-01-17T13:31:00.000-08:00

Título original: Germania anno zero. Año: 1948
Origen: Italia. Duración: 78 min.
Blanco y Negro. Idioma: italiano / alemán / ingles / francés
EQUIPO TÉCNICO
Director: Roberto Rossellini
Guión: Roberto Rossellini / Max Kolpé / Sergio Amidei
Productores: Salvo D'Angelo / Roberto Rossellini
Múica original: Renzo Rossellini
Fotografía: Robert Juillard
Edición: Eraldo Da Roma
REPARTO
Edmund Moeschke (Edmund Köhler)
Ernst Pittschau (El padre)
Ingetraud Hinze (Eva Köhler)
Franz-Otto Krüger (Karl-Heinz Köhler)
Erich Gühne (El maestro Herr Enning)
Heidi Blänkner (Señora Rademaker)
Barbara Hintz (Thilde)
Adolf Hitler (voz)
Karl Krüger (El medico)
Alexandra Manys (Christl)
Hans Sangen (Señor Rademaker)
Babsi Schultz-Reckewell (Jo)
Franz von Treuberg (General von Laubniz)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Festival Internacional de Cine de Locarno 1948, Gran premio: Mejor Película
Festival Internacional de Cine de Locarno 1948, Premio Mejor Guión Original: Roberto Rossellini / Carlo Lizzani / Max Kolpé
COMENTARIOS
Con un reparto de actores no profesionales, al estilo neorrealista que definía al cine italiano de la posguerra, podrá experimentarse una visión lírica de Alemania y de la devastada Berlín. Esto es lo que ocurre con el protagonista de este film, cuando una nueva moneda es introducida y la economía arranca nuevamente con la ventaja que cada alemán recibe la misma suma de dinero (muy reducida en definitiva) para reconstruir sus vidas y por cierto, su país. El film tiene magníficas escenas incluyendo la voz de Adolf Hitler escuchada desde un grabador entre las ruinas de la Cancillería, y algunas intensas escenas del joven muchacho que sólo ha conocido la miseria durante sus pocos años de vida pero que continúa su lucha por sobrevivir.
En la Alemania de la posguerra, un niño de 12 años llamado Edmund (Edmund Moeschke) cava tumbas en un cementerio. Es el Año Cero – el comienzo de la Alemania dividida – y el país afronta un futuro incierto con racionamiento de alimentos, cortes de energía y una economía inestable. Camino a casa, Edmund encuentra un grupo carneando un caballo muerto y es alejado por un policía cuando pide una porción de carne. Sin dudarlo, Edmund va hacia una nueva oportunidad, cuando sigue a una lenta camioneta cargada de carbón, que va perdiendo parte de su carga con cada salto en los desniveles de la calle; Edmund recoge rápidamente los pedazos caídos. Regresa a su hogar, a una pequeña hbaitación en un edificio afectado pro el bombardeo durante la Guerra, donde vive con su padre inválido (Ernst Pittschau), su hermana Eva (Ingetraud Hinze), y su cobarde hermano Karl-Heinz (Franz Kruger). Temiendo ser juzgado por crímenes de guerra cometidos mientras era soldado, Karl-Heinz se niega a registrarse con la policía, lo que le permitiría calificar para un trabajo y servicios sociales. La familia se ve forzada a subsistir con tres cartas de racionamiento. Entretanto, Eva, incapaz de encontrar trabajo, acompaña cada noche a soldados aliados en las salas de baile, donde recibe paquetes de cigarrillos para ser cambiados luego por otros bienes o por servicios. Un día, vagando por las calles Edmund encuentra a su antiguo maestro de escuela, el señor Henning (Eric Guehne), un discreto e inescrutable intelectual que se gana la vida vendiendo propaganda nazi. Henning toma interés por el joven Edmund y lo pone a trabajar con un grupo de jóvenes vagabundos. Inevitablemente, como Edmund está influido por la ira y crueldad de su devastado medio, se va alejando cada vez más del apoyo y la orientación moral de su familia.

La más nihilista de la Trilogía de Guerra (Paisá, Roma ciudad abierta, Alemania año cero), es “Alemania año cero”, un cáustico retrato de la deshumanización y desintegración social. Filmada inmediatamente después de la muerte inesperada del joven hijo de Rossellini Romano, en 1946, el protagonista, Edmund se convierte en el trágico símbolo de la culpa nacional y el dolor personal: la corporización de la inocencia perdida; la incertidumbre ante el cambio profundo; la culpa por haber sobrevivido; la desesperanza por el futuro En síntesis, la repetida imagen de Edmund vagando por la devastada Berlín de la posguerra refleja no sólo el espíritu no reconciliado del pueblo alemán, pero también intenta Rossellini reconciliarse ante su propia pérdida Inevitablemente, como el desolado Edmund, Rossellini también busca el significado a una tragedia inconsolable.

AMEN

2008-01-17T11:38:00.000-08:00

Título original: Amen. Año: 2002
Origen: Francia / Alemania / Rumania / Estados Unidos. Duración: 132 min.
Color. Idioma: inglés / francés / italiano / alemán
EQUIPO TECNICO
Director: Costa-Gavras
Guión: Costa-Gavras / Jean-Claude Grumberg sobre la pieza de Rolf Hochhuth “El vicario”
Productor: Claude Berri
Música original: Armand Amar
Fotografía: Patrick Blossier
Dirección de reparto: Florin Kevorkian / Sabine Schroth
Diseño de producción: Ari Hantke
Escenografía: Carmen Pasula
Diseño de vestuario: Edith Vesperini
Efectos visuales:Luc Augereau
REPARTO
Ulrich Tukur (Kurt Gerstein)
Mathieu Kassovitz (Riccardo Fontana)
Ulrich Mühe (Doctor)
Michel Duchaussoy (Cardenal)
Ion Caramitru (Count Fontana)
Marcel Iures (Papa)
Friedrich von Thun (Padre de Gerstein)
Antje Schmidt (Sra. Gerstein)
Hanns Zischler (Grawitz)
Sebastian Koch (Höss)
Erich Hallhuber (Von Rutta)
Burkhard Heyl (Director
Angus MacInnes (Tittman)
Bernd Fischerauer (Obispo Von Gallen)
Pierre Franckh (Pastor Wehr)
Richard Durden (Embajador Taylor)
Monica Bleibtreu (Sra. Hinze)
Justus von Dohnanyi (Baron Von Otter)
Günther Maria Lamer (Pastor Dibelius)
August Zirner (Von Weizsäcker)
Horatiu Malaele (Fritzsche)
Ovidiu Cuncea (Stephan Lux)
Michael Mendl (Monseñor UDLA)
PREMIOS
Nominada al Oso de Oro, festival de Berlín, 2002
Ganadora del César 2003 a Mejor Guión Original o Adaptación: Costa-Gavras / Jean-Claude Grumberg
Nominada César Mejor Actor:Mathieu Kassovitz
Mejor fotografía: Patrick Blossier
Mejor director: Costa-Gavras
Mejor película: Costa-Gavras
Mejor música original: Armand Amar
Nominada a Mejor Actor europeo 2002: Ulrich Tukur
Premio Lumière, Francia 2003: Mejor película
COMENTARIO
El afiche original de “Amén” presenta una cruz cristiana transformada en cruz gamada roja sobre fondo negro, que encierra a los dos protagonistas de la película: un oficial nazi y un sacerdote, que intentan con sus denuncias alertar al Vaticano y a la comunidad internacional para detener el genocidio. La jerarquía católica actual reaccionó indignada ante esa identificación de su símbolo máximo con el nazismo, y en España ese cartel ha sido modificado.
Tema de cientos de films de propaganda de los Aliados, el mismo Costa-Gavras había tratado el Holocausto en su “Mucho más que un crimen” (The Music Box, 1989). En “Amén” lo aborda desde otro ángulo: el de quienes, desde adentro del sistema, ejercieron la resistencia activa. La película se basa en la obra teatral "El vicario" de Rolf Hochhuth, que causó un gran escándalo cuando su estreno, en los ‘60. La obra teatral y la revisión de la historia obligaron a las jerarquías católicas a sacar a la luz un tema que preferían mantener oculto: el silencio del Vaticano ante el genocidio nazi. Uno de los protagonistas de “Amén” es un oficial alemán, Kurt Gerstein, personaje real, el ingeniero químico que tenía a su cargo el suministro y el asesoramiento del uso de los químicos necesarios para hacer funcionar las cámaras de gas que a diario mataban miles de judíos en Polonia. Ingenuo al principio, ignorante de lo que en realidad estaba aconteciendo, cuando se entera Gerstein (Ulrich Tukur) intenta desesperadamente informar a los diplomáticos y a las iglesias protestante y católica sobre el exterminio. Encuentra un aliado en el jesuita Riccardo Fontana (personaje de ficción, interpretado por Mathieu Kassovitz), hijo de un noble que cumple funciones de primer nivel en el Vaticano. Ambos no se detendrán hasta llegar a Pío XII, pidiéndole que interceda ante Hitler. Ese cura de pureza franciscana se estrellará varias veces frente a palabras tales como paciencia, ecuanimidad, sensiblería, perseverancia y diplomacia, con las que el poder disfraza su hipocresía. Es histórico el silencio cómplice del Papa frente al genocidio, por el cual se lo juzga hoy. Pero la película no es lapidaria con Pío XII: prefiere mantener cierta distancia, incluso desde la cámara, reservando un solo primer plano de su rostro en un momento en que parece comprenderlo. Sin embargo, Pacelli había vivido en Alemania antes de su pontificado, conocía a Hitler y su intervención podría haber cambiado la Historia. Nada de eso se menciona aquí.
Por cierto que el film no se ocupa sólo de la vista gorda de los altos mandos eclesiales sino de la indiferencia silenciosa en general, que existió en todos los ámbitos: el de quienes se negaban a aceptar una conducta indigna de sus compatriotas, el de los Estados Unidos, el de tantos obispos y arzobispos, que veían en Hitler a un aliado contra el comunismo, el de los protestantes, el de la Sociedad de Naciones. Frente a ellos, la resistencia de los protagonistas es un grito a oídos sordos. Obviamente, el film no sólo habla de ese preciso momento histórico; toda similitud con nuestra propia historia reciente no es casual. El propio director ha trazado el paralelo con el genocidio argentino, ejecutado en medio de carteles que rezaban "El silencio es salud".
La posición del oficial alemán es muy compleja: amante de su país y de sus connacionales, sus principios religiosos y morales lo obligan a denunciar a los suyos, sabiendo que "los que traicionan a su propio país son siempre sospechosos". Y al mismo tiempo, continúa proveyendo el gas letal. Como si un piloto de los vuelos de la muerte sobre el Río de la Plata hubiera denunciado esos vuelos... en el momento en que los llevaba a cabo.
Sin embargo, Costa-Gavras no explota esta ambigüedad. Su cine nunca se distinguió por la sutileza. Sus films son gritos de denuncia, a veces panfletarios, frente a hechos y sistemas de injusticia establecidos. Por lo tanto, Amén (como Z, como Estado de sitio o Desaparecido) expone situaciones muy definidas, y sus personajes son casi estereotipos. Unívocos, adoptan una actitud al principio de la película y la sostienen hasta el final, hasta sus últimas consecuencias, sin una cuota de sorpresa. El oficial alemán perseverará con su denuncia aunque con ello arriesgue su vida, el sacerdote no se detendrá hasta el campo de exterminio, el Papa mantendrá su actitud de silencio. Un leitmotiv del film es la imagen de los largos trenes con sus vagones de carga de ganado (abiertos si van vacíos, cerrados si llevan su cargamento humano); en contrapunto, el otro es el consumo de champán y alimentos exquisitos por parte de los nazis y de la cúpula vaticana en ambientes palaciegos, y todos ellos son seres despreciables. En cambio, el jesuita respira santidad -y la interpretación de Kassovitz es el mejor punto del film.
El epílogo de dos minutos tiene una elocuencia brutal -nunca alcanzada en las largas dos horas previas- sobre la actitud de los nazis, de los mandamases de la Iglesia y también sobre el tristemente célebre refugio nazi en que se convirtió la Argentina. Una vez más: nada es casual.
Josefina Sartora.

Dos sistemas: la sanguinaria máquina Nazi versus las altas jerarquías del Vaticano y las elegantes fuerzas de la diplomacia aliada.
Dos hombres que luchan por algo desde adentro de ambos mandos: de un lado, Kurt Gerstein, un químico y oficial de la SS, quien existió realmente y abastecía de gas zyklon B a los campos de exterminio, mientras al mismo tiempo exponía su vida al denunciar los crímenes de guerra perpetrados, intentando alertar a los aliados y al Papa Pío XII, arriesgando también a su familia. Por el otro está Riccardo Fontana, un joven Jesuita, personaje ficticio que representa a todos los sacerdotes que tuvieron la valentía para luchar contra la monstruosidad del Holocausto, aún si ésto significaba el precio de sus propias vidas; cientos de sacerdotes, algunos conocidos, otros anónimos, que simplemente no se dignaron a fingir indiferencia ante el silencio de su iglesia frente a la masacre de inocentes.
Esta es, básicamente, la trama de "Amén" la obra del realizador de origen griego Constantin Costa-Gavras. En esta instancia, Costa-Gavras recorre un territorio que es evidentemente familiar, sin embargo, se las ingenia para - sin recurrir al truco barato o la estridencia- evocar los horrores de la complacencia general y la ignorancia voluntaria, ante el sufrimiento masivo que llegó a proporciones genocidas.
Para crear esta historia, Costa-Gavras y su co-escritor, Jean-Claude Grumberg, se basaron en dos fuentes muy importantes: los hechos del programa Noche y Niebla, que consistía en un sistemático trabajo en el que operativos Nazis recorrían Alemania (y posteriormente Austria) a mediados y fines de los años 30, ofreciendo a padres de hijos discapacitados ya fuera física o mentalmente (niños mutilados o con síndrome de Down, por ejemplo), ocuparse de ellos en "campamentos". Estos niños fueron los primeros conejillos de Indias en la experimentación de las tabletas de Zyklon B, una sustancia que Gerstein creó para purificar el agua para los soldados alemanes y así evitar la propagación del Tifus, que posteriormente se utilizó para el exterminio en campos como Bergen-Belsen, Treblinka, Birkenau, Dachau y Auschwitz. La eficiencia con que se eliminó a estos niños, fue la primera alarma que sacudió el tejido moral del químico, y sirvió para crear la segunda fuente de inspiración, la obra "El Vicario", escrita por Rolf Hochhuth en 1963, que se enfocaba en el esfuerzo de un hombre por convencer a otro (un representante ecleséastico), de los horrores que ocurren en los campos polacos durante la guerra. Cuando logra convencerlo, ambos intentan obtener una audiencia con Pío XII, en la creencia de que, al enterarse, el Papa hará una denuncia contra el sacrificio masivo perpetrado por los Nazis.
Debido a su naturaleza controversial, la obra de Hochhuth causó un furor internacional, que hasta la fecha no ha cesado del todo, mostrando a Pío XII, una figura histórica muy querida por antonomasia, a la que incluso se atribuyen propiedades milagrosas, como un hombre débil, incluso un tanto cobarde, que vaciló en hablar por razones políticas y por prejuicios religiosos también. Pese a todo lo anterior y lo escrito y discutido desde el final de la guerra acerca del rol interpretado por la Iglesia Católica durante el Holocausto, Costa-Gavras logra generar un impacto fresco, ya que involucra al espectador directamente en el complejo proceso mental de Gerstein (interpretado por Ulrich Tukur), cuyos pensamientos y acciones hallan un eco en el Padre Riccardo Fontana (Mathieu Kassovitz), un joven e idealista Jesuita Italiano, de buena familia y con nexos sanguíneos con su santidad - quien es un "collage" de varios personajes reales, que compartieron la lóbrega odisea del angustiado Gerstein, quien, tras descubrir como testigo de primera fila para qué se está utilizando su invento y siendo un devoto protestante, intentó llamar la atención de su propia iglesia; frustrado por la indiferente respuesta tanto de sus pastores como de algunos diplomáticos, es que emprende su peregrinar hasta Roma y la Plaza de San Pedro, sólo para descubrir (con creciente horror y desencanto) que en las altas esferas de el Vaticano ya se ha oído "rumores" sobre las muertes en masa, pero que la Iglesia tiene sus propias razones para ni siquiera intentar detenerlo.
Costa-Gavras no tiene ningún recato en decir las cosas de este modo; para él, la Iglesia Católica es tan culpable como los mismos Nazis de tales barbaries: su culpa (misma que el propio Juan Pablo II ha reconocido y buscado expiar mediante una disculpa ofrecida durante una bendición urbi et orbi) consiste en saber y callar mientras familias enteras se convertían en humo o en pastillas de jabón, pantallas de lámpara, estadísticas en un libro. Si bien a veces el reclamo del cineasta se siente un tanto excedido, ciertamente logra ser persuasivo. Además hay que notar que no es el único en sostener ésta teoría: un ejemplo claro de esta denuncia se hace presente en el libro "El Papa de Hitler: la historia secreta de Pío XII", del británico John Cornwell, que señala al pontífice como un cómplice pasivo, algo que a tanto a las autoridades eclesiásticas como a los más recalcitrantes y fundamentalistas líderes de la moral, ha hecho protestar airadamente.
"Amén" es, desde sus primeras escenas de aproximación a la trama, una película fascinante; Gerstein y Fontana, poseen suficiente fuerza de carácter para anteponer el bienestar ajeno a sus intereses, disciplina o fe, sin tomar en cuenta las consecuencias personales que sus actos les podrían atraer. Ambos son hombres de principios, pero su gran falla trágica (casi un prerrequisito para los héroes/antihéroes de esta clase de filmes) consiste en ser también ingenuos, crédulos, esperanzados. Conforme la historia avanza, se convierte no únicamente en una denuncia de los hechos ya expuestos, sino también en un manifiesto de la amplia apatía internacional hacia el tormento de los Judíos, los Gitanos y otras minorías. En algunas escenas, resulta sobrecogedor y alarmante, ver y sentir la certidumbre de los protagonistas en que el Papa hablará, hará lo correcto, toda vez lo enteren de lo que ocurre tras las alambradas, por lo que el golpe final es aún más devastador.
Filmada principalmente en escenarios naturales de Rumanía, la cinta se deja ver con fluidez y perspicacia, tanto en lo íntimo, como en la importancia de eventos a gran escala. Por razones de financiamiento, Costa-Gavras realizó la cinta en inglés, con un equipo internacional, que se ve coronado con las excepcionales actuaciones de Tukur y Kassovitz. El primero es un actor de origen teatral, criado en la Alemania Oriental, que tiene un parecido extraordinario con Gerstein, y en su interpretación, es el epítome del Ario por excelencia quien va encontrando dentro de sí la dicotomía de su deber como miembro de un régimen y como ser humano, en conflicto. Kassovitz, por su parte, es un actor excepcional; tiene una de esas caras que inspiran -hasta en el más reacio- simpatía y ternura. De este modo, su angustia se siente genuina y nos muestra en su rol una capacidad de sacrificio conmovedora. Completa el cuadro Ulrich Mühe (uno de los prodigios del establo actoral de Rainer Werner Fassbinder) como un cínico y sutilmente siniestro doctor de la SS quizá inspirado en el infame Josef Mengele; un retrato viviente de todos esos Nazis que se las arreglaron para llegar a Argentina y Paraguay, como lo sugiere la cinta (y otras fuentes históricas) con una "ayudita" del Vaticano.Según declara él mismo, Costa-Gavras había deseado realizar "Amén" por casi cuatro décadas, y la espera valió la pena. Como cineasta, éste creador es de una sensibilidad portentosa, respecto a temas complejos de ética y moral; especialmente al referirse sin tapujos a la hipocresía de la confabulación "involuntaria". Como dramaturgo, logra establecer escenas que desgarran la fibra de quien las ve, con limpieza y sin piedad ni compromiso alguno, sin prometer un final feliz; algo que se ha vuelto cada vez más elusivo de las pantallas cinematográficas en tiempos recientes, pero que es, sin lugar a dudas, su rúbrica perfecta.

MAS ALLA DEL CORAZON

2008-01-17T08:02:00.000-08:00

Título original: Edges of the Lord. Año: 2001
Origen: Estados Unidos / Polonia. Duración: 95 min.
Color. Idioma: inglés

TEMAS: Judíos en Polonia; Resistencia (ocultamiento); Justos de la Humanidad; Iglesia y nazismo; colaboracionismo; antisemitismo

EQUIPO TÉCNICO
Guión y dirección: Yurek Bogayevicz
Productores: Zev Braun / Philip Krupp / Avi Lerner
Música original: Jan A.P. Kaczmarek
Fotografía: Pawel Edelman
Diseño de producción: Mayling Cheng / Ewa Skoczkowska
Dirección artística: Robert Czesak
Escenografía: Ryszard Melliwa
Vestuario: Anna Jagna Janicka
Maquillaje: Liliana Galazka
REPARTO
Haley Joel Osment (Romek)
Willem Dafoe (Sacerdote)
Liam Hess (Tolo)
Richard Banel (Vladek)
Olaf Lubaszenko (Gniecio)
Malgorzata Foremniak (Manka)
Andrzej Grabowski (Kluba)
Chiril Vahonin (Robal)
Olga Frycz (Maria)
Dorota Piasecka (Ela Kluba)
Wojciech Smolarz (Pyra)
Marek Weglarski (Max)
Edyta Jurecka (Sara)
Ryszard Ronczewski (Batylin)
Krystyna Feldman (Wanda)
Piotr Walczak (Piotrek)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Festival de Cine Polaco 2001 Premio Mejor Guión: Yurek Bogayevicz
COMENTARIO
DEBORAH YOUNGA
Viendo la invasión nazi a Polonia con los ojos de un niño, esta película describe su mundo de pesadillas en una mezcla de sentimentalismo profesional hollywoodesco y realismo europeo. El director Yurek Bogayevicz y otrps miembros del equipo de filmación y del reparto son polacos, mientras que Haley Joel Osment es un niño judío que se convierte en gentil y Willem Dafoe es un atormentado sacerdote que realiza una labor inusual y humana.
Osment muestra un inusual despliegue emocional desde la primera escena de apertura, como el joven Romek que es enviado por sus padres desde Cracovia fuera de la ciudad, a una familia del campo, que hará pasar al rubio niño judío como un sobrino, a pesar de las sospechas de los vecinos inescrupulosos. Por otro lado, el sacerdote de la aldea, entrena al niño en el catecismo católico mientras respeta su herencia judía, quizá un caso muy raro, pero conmovedoramente descripto.
Cuando la película se aparta de sus esterotipos, encuentra su equilibrio en el mundo de la niñez y sus desviaciones bizarras de tiempos de guerra. Los niños pasan sus días jugando un juego peligroso emulando a Jesús y sus discípulos. También son testigos de las crueles conductas de los nazis y el espectáculo de los judíos desesperados saltando de los trenes.
Osmont centra la película en la figura de Romek, en un meditado y elaborado retrato de su personaje. Dafoe con cierta disparidad, elabora su personaje del sacerdote, angustiado y desesperado en su intento, muchas veces inútil, por salvar las vidas de los judíos que buscan la salvación. Los actores polacos desempeña adecuadamente sus roles hablando en inglés, sorprendiendo positivamente al desarrollar el guión.
Una película acerca de las atrocidades de la guerra y los temores de la adolescencia, acerca del crecimiento, acerca de las terribles circunstancias de un niño judío que es ocultado por una familia de campesinos polacos para no caer en manos de los nazis y lo cría como si fuera su propio hijo. Se destaca que esta película no fue exhibida en Estados Unidos.

ADIOS A LOS NIÑOS

2008-01-16T15:04:00.000-08:00

Título original: Au Revoir, Les Enfants. Año: 1987
Origen: Francia. Duración: 103 min.
Color. Idioma: francés / inglés / alemán

TEMAS: Justos de la Humanidad; Resistencia (ocultamiento); Judíos en Francia; Niños en la Shoá; Iglesia y nazismo.

EQUIPO TECNICO
Guionista, productor y director: Louis Malle
Fotografía: Renato Berta
Edición: Emmanuelle Castro
Dirección de reparto: Jeanne Biras / Iris Carrière
Diseño de producción: Willy Holt
Vestuario: Corinne Jorry
Maquillaje y peinados: Susan Robertson
Director de segunda unidad: Mathieu Amalric
Sonido: Daniel Couteau
Música adicional:
Camille Saint-Saëns (Rondo Capricioso)
Franz Schubert (Moment musical No.2)
REPARTO
Gaspard Manesse (Julien Quentin)
Raphael Fejtö (Jean Bonnet/Jean Kippeinstein)
Francine Racette (Señora Quentin, madre de Julien)
Stanislas Carré de Malberg (François Quentin)
Philippe Morier-Genoud (Padre Jean)
François Berléand (Padre Michel)
François Négret (Joseph)
Peter Fitz (Muller)
Pascal Rivet (Boulanger)
Benoît Henriet (Ciron)
Richard Leboeuf (Sagard)
Xavier Legrand (Babinot)
Arnaud Henriet (Negus)
Jean-Sébastien Chauvin (Michel Laviron)
Luc Etienne (Moreau)
Irène Jacob (Señorita Davenne)
Jean-Paul Dubarry (Padre Hippolyte)
Jacqueline Paris (Señora Perrin)
PREMIOS Y NOMINACIONES
Academia de Cine de Hollywood, Oscar 1988, Nominación: Mejor película extranjera
Academia de Cine de Hollywood, Oscar 1988, Nominación; Mejor guión original (Louis Malle)
BAFTA 1989, Ganadora Mejor dirección: Louis Malle
BAFTA 1989, Nominación Mejor película
BAFTA 1989, Nominación Mejor película en lengua extranjera
BAFTA 1989, Nominación Mejor guión original: Louis Malle
César 1988, Francia Mejor película
César 1988, Francia Mejor fotografía: Renato Berta
César 1988, Francia Mejor dirección: Louis Malle
César 1988, Francia Mejor montaje: Emmanuelle Castro
César 1988, Francia Mejor diseño de producción: Willy Holt
César 1988, Francia Mejor sonido: Jean-Claude Laureux / Claude Villand / Bernard Leroux
César 1988, Francia Mejor guión original o adaptación: Louis Malle
César 1988, Francia Nominación Mejor vestuario: Corinne Jorry
César 1988, Francia Nominación Revelación actoral masculina: François Négret
David di Donatello 1988 Italia Mejor director extranjero: Louis Malle
David di Donatello 1988 Italia Mejor película extranjera
David di Donatello 1988 Italia Mejor guión de película extranjera: Louis Malle
Globo de Oro 1988 Estados Unidos Nominada Mejor película extranjera
Premio Louis Delluc 1987
Festival de Venecia 1987 León de Oro
Premio de la OCIC (Oficina Católica de Cine): Louis Malle
COMENTARIO
En una escuela católica durante la ocupación nazi de Francia, Julien Quietin (Gaspard Manesse), el alter ego de Louis Malle, no es un estudiante común. Es inteligente y diferente de los demás. La escuela tampoco es una escuela común. Hay en ella un secreto. Un nuevo alumno llega un día, Jean Bonnet (Raphael Fejtö) y se convierte en una especie de rival intelectual para Julien. Después de una inicial hostilidad, los muchachos comienzan a conectarse hasta convertirse en buenos amigos.
Malle construye la historia mostrándonos la rutina cotidiana en la escuela: rezos, clases, música, ejercicios físicos e incluso excursiones al aire libre.
Julien se entera que su nuevo amigo es judío. Es muy joven para comprender el significado de cuál es el problema de ser judío? Durante una visita de padres a al escuela, Julien lleva a Jean junto a su familia, pues él no había recibido visitas y Jean no había visto a su pare los últimos dos años. Estando en el restaurante comiendo, colaboradores franceses comienzan a hostigar a un comensal por ser judío y no está autorizada la permanencia de judíos en el lugar. La situación parece estallar, pero sorpresivamente, los colaboradores son expulsados del lugar por un oficial alemán que está sentado en una mesa cercana.
Vemos el terror en los ojos de Jean cada vez que un alemán está cerca de él en particular, cuando en una excursión se pierde en el bosque junto a Julien y son hallados por dos soldados y devueltos a la escuela.
Un día, llega la Gestapo buscando a Jean Kippelstein, y en un movimiento inconsciente de Julien hacia su amigo, es descubierto. Todos los niños judíos y el padre Jean son llevados pro la Gestapo y la escuela es cerrada.
Malle dijo que hacia mucho tiempo que quería realizar esta película pero no encontraba ni la fuerza ni el ánimo suficientes. La película no es un paralelo con los sucesos, pero quizá í un paralelo con la memoria y el sentimiento de culpa de Malle ante el incidente.
La película es en definitiva, un hermoso, increíble y tocante retrato sobre la amistad, la culpa, la frustración, la ira y seguramente, debió haber sido la exorcización del pasado. “Adiós a los niños” es un cautivante y atrapante testamento de cómo ciertos momentos pueden cambiar nuestra vida, para bien o para mal.